Tim Burtons Charlie und die Schokoladenfabrik nach einem Drehbuch von John August, basierend auf dem Buch von Roald Dahl, hat mich völlig verblüfft. Zugegeben, dieser Film war nie für einen verschrobenen, kinderlosen, mürrischen Kinobesucher wie mich gedacht. Dennoch frage ich mich, ob auch Kinder auf die eigentümlich humor- und reizlosen stilistischen Exzentrizitäten von Mr. Burton und seinem Star Johnny Depp als Willy Wonka, dem Besitzer der größten und geheimnisvollsten Schokoladenfabrik der Welt, reagieren werden. In dem Moment, als Mr. Depp zum ersten Mal auf der Leinwand erschien, in unmittelbarer Nähe von fünf Kindern, die einen weltweiten Wettbewerb zum Besuch von Willys Schokoladenfabrik gewonnen hatten, fragte ich mich, ob er in Neverland eine längere Parodie auf Michael Jackson aufführen würde. Aber Mr. Depp schaltete so oft die Gänge, dass sein Charakter nie zu etwas psychologisch stimmigem wurde.
Ich habe nie die erste Filmversion des Dahl-Buches gesehen, Mel Stuarts Willy Wonka and the Chocolate Factory (1971) mit Gene Wilder als Willy Wonka, aber ich vermute, dass Mr. Wilders kindliche Verrücktheit besser zu der dahlischen Art von Anstrengung passte launisch als die trockene Virtuosität von Herrn Depp. Ich bin mir bewusst, dass das Interesse an Dahls Schriften für Kinder in letzter Zeit wieder erwacht ist, also habe ich die neue Ausgabe des Barsoi-Buches von Alfred A. Knopf gekauft, die auf dem Cover als zwei Klassiker von Roald Dahl, Charlie, zu sehen ist und die Schokoladenfabrik und Charlie und der Große Glasaufzug.
Auf der Rückseite befindet sich eine Illustration von Quentin Blake mit folgender Ankündigung: Mr. Willy Wonka, das Süßigkeiten-Herstellungsgenie, das seit zehn Jahren niemand mehr gesehen hat, hat heute folgende Mitteilung verschickt: Ich, Willy Wonka, habe beschlossen, fünf Kinder - nur fünf, wohlgemerkt, und nicht mehr - dieses Jahr meine Fabrik zu besuchen. Diese glücklichen Fünf werden von mir persönlich herumgeführt und dürfen alle Geheimnisse und die Magie meiner Fabrik sehen. Am Ende der Tour bekommen sie alle als besonderes Geschenk genug Pralinen und Bonbons für den Rest ihres Lebens!
Der Witz ist natürlich, dass nur einer der fünf, Charlie, alles andere als schrecklich ist und er am Ende einen fantastischen Preis bekommt. Was mich ein wenig verwundert, ist, warum der erste Film von 1971 Willy Wonka und die Schokoladenfabrik hieß, zumal das Drehbuch von Dahl selbst geschrieben wurde. War das der Originaltitel des Buches? Und wenn ja, warum wurde es für Mr. Burtons Film und die neue Knopf-Ausgabe geändert?
Wohlgemerkt, ich beschwere mich nicht: Charlie Bucket ist ein großartiger Kinderheld, zumal Freddie Highmore hier so gewinnend gespielt hat, der gegenüber Mr. Depp in dem viel glücklicheren Finding Neverland (2004) ebenso erfolgreich war. Tatsächlich kommt der einzige Reiz des Films gleich zu Beginn, als wir Charlie und den Rest der Familie Bucket zum ersten Mal in ihrer freundlich baufälligen Wohnung kennenlernen, in der Charlie und seine Eltern praktisch im selben Zimmer schlafen müssen. weil beide Paare von Charlies Großeltern Tag und Nacht im Hauptteil des Hauses bettlägerig sind. Hier überbieten sich Mr. Burton und sein Team aus Bühnenbildnern und Art Directoren selbst: Die Hütte strahlt in der inneren Wärme einer hoffnungslos verarmten, aber emotional zusammenhaltenden Familie.
Die soziologischen Subtexte wuchern von Anfang an. Charlies Vater, Mr. Bucket (Noah Taylor), hat seinen langweiligen, schlecht bezahlten Job am Fließband verloren – das Befestigen der Verschlusskappen von Zahnpastatubes –, weil diese Aufgabe, wie die vieler anderer Arbeiter, von einem übernommen werden kann Maschine. Ohne sein mageres Gehalt ist die ganze Bucket-Familie dem Hungertod nahe, aber vom Ältesten bis zum Jüngsten kämpfen sie fröhlich weiter, wobei Mrs. Bucket (die schätzbare und allzu lange ungesehene Helena Bonham Carter) die Familie zusammenhält wahre Mutter Courage.
Opa Joe (David Kelly) ist Charlie am nächsten und arbeitete in seiner Jugend in der Willy Wonka Chocolate Factory – bis er und alle seine Mitarbeiter gefeuert wurden, um Platz für die Oompa Loompa zu machen, einen baumbewohnenden Stamm von kleinen Menschen, die Willy in seiner abenteuerlustigen Jugend aus dem Dschungel rekrutierte (und alle von demselben Schauspieler, Deep Roy, gespielt, obwohl die nahtlosen Spezialeffekte in einer mittelmäßigen Song-and-Dance-Nummer nach der anderen immer langweiliger werden). Als Charlie als fünftes Kind ein goldenes Willy-Wonka-Ticket bekommt, besteht Opa Joe darauf, ihn zur Fabrik zu begleiten.
(Ich sollte hier ergänzend hinzufügen, dass Herr Dahl vage darüber ist, wo seine Geschichten stattfinden. Er schreibt eindeutig für ein anglo-amerikanisches Publikum, was die gelegentlichen Unstimmigkeiten bei der Währung erklären könnte. Im Buch von Knopf findet Charlie einen Dollar Rechnung im Schnee, mit der er den Schokoriegel mit dem goldenen Ticket kauft, woraufhin ihm die Leute im Laden 50 und 500 US-Dollar für das Ticket anbieten; aber zuvor schenkt Opa Joe Charlie eine Goldmünze, die eher nach britischer als nach amerikanischer Art aussieht mit dem man einen Schokoriegel kaufen kann – obwohl sich dieser als Pech herausstellt.)
In der Zwischenzeit werden vier der widerlichsten Kinder der Schöpfung gezeigt, die die ersten vier Preise gewinnen. Der gefräßige Augustus Gloop ist der erste Gewinner, und er wird im Film demonstrativ germanisch gemacht, eingeführt vor dem Hintergrund von Wurstketten. Dahl wurde in der Vergangenheit für die kolonialistischen Implikationen der Oompa Loompas kritisiert, und es mag weitreichend sein, ihn für den Anti-Teutonismus in Mr. Burtons pointierter Darstellung von Augustus Gloop verantwortlich zu machen – aber auf jeden Fall nach dem Blitz , wer könnte ihm ein bisschen Germanophobie gönnen?
Die zweite Gewinnerin ist ein abscheuliches Mädchen namens Veruca Salt (Julia Winter), das alles ist, was ich will, ich will, ich will! mit ihrem übertriebenen Vater Mr. Salt (James Fox). Zufällig besitzt er eine Erdnussfabrik mit vielen Arbeitern, denen er die Aufgabe zuweist, Tausende von Schokoriegeln auszupacken, bis sie den Gewinnschein für seinen kleinen Liebling finden. Das Casting von Mr. Fox lässt das Mädchen wie ein Mitglied der britischen Oberschicht erscheinen. Die dritte Gewinnerin ist Violet Beauregarde (Annasophia Robb), eine unaufhörlich Kaugummi kauende Karikatur einer amerikanischen Göre mit einer albernen mütterlichen Mrs. Beauregarde. Der vierte Gewinner wurde vom Fernsehfreak des Buches, Mike Teavee (Jordon Fry), zu einem Videospiel-Freak mit einem mitfühlenden ratlosen Vater (Adam Godley) aktualisiert. Tatsächlich gehen Mr. Burton und Mr. August eher mit den Vätern als den Müttern um, wenn sie Dahls ohnehin schon abschreckende Abneigung gegen einen Großteil der Menschheit ansprechen.
Noch fragwürdiger ist die Hinzufügung einer Hintergrundgeschichte für Willy Wonka selbst, die einen vernünftigen Zahnarzt-Vater (Christopher Lee) involviert, der versuchte, die Zähne seines Sohnes zu retten, indem er seine gesamte Halloween-Schokolade verbrannte. Ein traumatisierter kleiner Willy (Blair Dunlop) wird von seinem Vater entfremdet, trotz eines späteren, peinlich tränenreichen Wiedersehens im Zahnarztstuhl, das Mr. Depps letzten Widerstand gegen die Unheilbarkeit zu strapazieren scheint.
Es ist keine Überraschung, dass Charlie und die Schokoladenfabrik eine PG-Bewertung erhalten haben. Trotzdem gibt es ein seltsames Zwischenspiel, in dem eine Horde von Eichhörnchen über den bekleideten Körper von Veruca Salt klettert, bevor sie sie zu einer Müllrutsche zerrt. Es steht alles im Buch, aber ich kann nicht umhin, mich zu fragen, was Dahl mit diesem quasi-pornografischen Bild von Eichhörnchen im Sinn hatte, die über den Körper eines kleinen Mädchens streifen. Ich wäre nachlässig, wenn ich nicht die unverzichtbaren Beiträge von Liz Smith als Großmutter Georgina, Eileen Essell als Großmutter Josephine, David Morris als Großvater George und Geoffrey Holder als Erzähler anerkennen würde. Tatsächlich ist an dem gesamten Ensemble (größtenteils britisch) nichts auszusetzen – sie geben alles, was sie haben, aber sie haben letztendlich keine Chance gegen Mr. Burtons wirre und affektive Inszenierung.
Kulturelle Bildung Dai Sijies Balzac and the Little Chinese Seamstress, nach einem Drehbuch von Mr. Dai und Nadine Perront, basierend auf seinem Roman Balzac and the Little Chinese Seamstress, setzt die chinesische Invasion unserer amerikanischen Kunstfilm-Sensibilität fort, aber in einer freundlicheren Form als der aufkeimende Handelskrieg zwischen unseren beiden Ländern vermuten lässt. Obwohl der Film in China gedreht wurde, wurde er hauptsächlich unter der Schirmherrschaft der französischen Filmindustrie produziert (der Regisseur lebt seit 21 Jahren in Frankreich). Es ist zu einem großen Teil Mr. Dais eigene Geschichte, die in dem Film erzählt wird, aber ihre kulturellen Resonanzen neigen dazu, uns – Ost und West – zusammenzubinden, anstatt uns zu trennen.
Herr Dai wurde 1954 in der chinesischen Provinz Fujian geboren. Während der Kulturrevolution Maos wurde er von 1971 bis 1974 zur Umerziehung nach Sichuan geschickt. Nach seiner Freilassung ging er bis 1976 wieder auf die High School. Nach Maos Tod belegte Herr Dai Kunstgeschichte-Kurse an einer chinesischen Universität und ging 1984 mit einem Stipendium nach Frankreich französische Filmschule) und drehte später seinen ersten Kurzfilm in China.
China, My Sorrow gewann 1989 den Jean Vigo Award; Mr. Dai folgte 1994 Le Mangeur de Lune und 1998 The Eleventh Child. Balzac und die kleine chinesische Schneiderin (in Europa im Jahr 2002 veröffentlicht) wurde von seinem weitgehend autobiografischen ersten Roman adaptiert, der bei Gallimard veröffentlicht wurde. Das Buch war im Winter 2000 ein Bestseller, verkaufte sich in Frankreich 250.000 Mal, gewann viele Preise und wurde in 25 Sprachen übersetzt – außer ins Chinesische.
Obwohl Herr Dai nach langen Verhandlungen mit den chinesischen Behörden die Erlaubnis erhielt, die Adaption in China zu drehen, durfte er den Film dort nicht zeigen. Laut dem Regisseur hatten die ursprünglichen Einwände gegen die Dreharbeiten in China wenig oder nichts mit dem Thema der Kulturrevolution zu tun, und alles hatte mit den im Drehbuch wahrgenommenen Karikaturen von Parteiführern in dieser Zeit sowie der Tatsache zu tun dass das Leben der Charaktere durch ausländische Literaturwerke und nicht durch chinesische Literaturklassiker verändert wird. Natürlich gibt es chinesische Literaturklassiker, räumt Herr Dai ein, aber diese konzentrierten sich auf die Heldentaten von Kaisern und anderen Aristokraten, während die ausländischen Werke einen größeren Teil der Menschheit abdeckten.
Der Film beginnt in einer rückständigen Bergregion, in der zwei Teenager, die in der Stadt aufgewachsen sind, Luo (Kun Chan) und Ma (Ye Liu) zur maoistischen Umerziehung geschickt wurden. Als Söhne reaktionärer Intellektueller sind die beiden gezwungen, zusammen mit den gleichermaßen unterdrückten Einheimischen unter der Aufsicht des stets misstrauischen Häuptlings (Shuangbao Wang) schwere Handarbeit zu leisten.
Als eines Tages eine Geige in Mas Gepäck entdeckt wird, verlangt der Schulleiter von ihm, etwas Musik zu machen. Als Ma Mozart erwähnt, stürmt der Häuptling gegen diesen Ausländer – bis Ma das Stück diskret als Mozart Listening to Mao identifiziert. Der Häuptling gibt nach, woraufhin die wahrhaft magischen Melodien Mozarts über die Landschaft schweben und bei den naiven Bewohnern verzauberte Gesichtsausdrücke hervorrufen. Dies ist der erste Hinweis auf die kulturelle Transzendenz und Transformation, die Luo und Ma im Lager durch die Sirenenlieder des Westens einführen werden – zuerst durch die Musik von Mozart, dann durch die Romane von Balzac, Flaubert, Dostoevsky, Dickens , Dumas, Stendahl und andere.
Luo und Ma lernen, ihre Analphabeten bei ihren Nachbarn auszunutzen, indem sie kleine Dienste für den Häuptling leisten. Er schickt sie in eine nahegelegene Stadt, um sich politisch korrekte Filme aus Albanien und Nordkorea anzusehen, damit sie sie den anderen Mitgliedern ihres Kollektivs beschreiben können. Bei einem solchen Besuch treffen sie auf eine Gruppe junger Mädchen, die in einem See baden. Nachdem sie etwas peinlich entdeckt wurden, treffen die beiden Jungen zum ersten Mal auf die Person, die die einzige große Liebe ihres Lebens sein wird, ein wunderschönes junges Mädchen, das sie Little Chinese Seamstress taufen.
Später entdecken sie den Fundus ausländischer Bücher, den Four Eyes, ein verfolgter Intellektueller wie sie, in einer Höhle versteckt hat, und Luo beginnt, der Näherin den Hof zu machen. Es gelingt ihm so weit, sie schwanger zu machen; dann muss er gehen, weil sein Vater erkrankt ist. Ma hingegen, verliebt in die Schneiderin, ist entschlossen, ihr beizustehen, sogar bis zu dem Punkt, an dem sie eine ungesetzliche Abtreibung für sie aushandelt. Die Schneiderin ist Ma dankbar, aber sie liebt Luo immer noch – obwohl sie am Ende beide verlässt, weil die Bücher, die sie ihr vorgelesen haben, sie gelehrt haben, dass die Kraft der Schönheit einer Frau es ihr ermöglicht, ihre eigene zu zeichnen Schicksal. Luo versucht verzweifelt, sie zu finden, aber die kleine chinesische Schneiderin ist in die Außenwelt verschwunden, der die großen Bücher des Westens den Mut gegeben haben, sich ihr zu stellen.
Als ich zusah, wie sich dieses Drama entfaltete, konnte ich nicht umhin, von der Ironie der herkulischen Bemühungen dieser Charaktere, die Behörden zu umgehen, beeindruckt zu sein – alles, um literarische Schätze zu nutzen, die heute von jungen Leuten in Amerika ungelesen in Bibliotheken überall liegen das Land. Ich war auch beeindruckt von den großzügigen Nuancen, mit denen Herr Dai seine eigenen unbestreitbar bitteren Erfahrungen nachgestellt hat. Weit davon entfernt, seine einstigen Unterdrücker grausam zu karikieren, bemüht er sich, die Situation aus ihrer Sicht zu sehen. Die Leidenschaft, mit der seine Kamera auf die weniger gebildeten und weniger privilegierten Menschen seines Landes blickt, liegt in echter Anbetung. Als er einmal von einem Interviewer gefragt wurde: Sind Sie jetzt eher Franzose als Chinese?, antwortete Herr Dai: Ich lebe seit mehr als 15 Jahren in Frankreich, aber meine Wurzeln liegen in China. Trotzdem trage ich meine Schmerzen mit mir herum.
In diesem Film steckt mehr als nur ein bisschen Schmerz, aber auch viel Mitgefühl, Liebe und Vergebung. Seine wohlverdienten humanistischen Frissons sollten mit ihrem unerschöpflichen Vorrat an Selbstgefälligkeit und Selbstgefälligkeit als Weckruf für die große Mehrheit der amerikanischen Filme dienen – aber das wird sie wahrscheinlich nicht. Verpassen Sie nicht Balzac und die kleine chinesische Schneiderin. Es wird wie ein emotionales Echo an einem Berghang widerhallen.
La Cava! Das Museum of Modern Art präsentiert vom 22. Juli bis 15. August eine umfassende und längst überfällige Retrospektive der vielfältigen, meist komischen Werke des Schriftstellers, Regisseurs und Animators Gregory La Cava (1892-1952). La Cava war neben Ernst Lubitsch der einzige Regisseur, der für seinen Touch in klassischen Komödien wie Stage Door (1937), My Man Godfrey (1936), The Half-Naked Truth (1932), 5th Ave Girl (1939) und Was jede Frau weiß (1934).
Darüber hinaus zeigt das Museum zwei Animationsprogramme mit klassischen Comicfiguren der Zeit wie Krazy Kat, die Katzenjammer Kids und Mutt und Jeff. Tatsächlich begann La Cava seine Filmkarriere 1913 mit Animationsfilmen für das Raoul Barre Studio – und wurde zwei Jahre später, im Alter von 24 Jahren, zum Leiter der neu gegründeten Animationsstudios bei William Randolph Hearst Enterprises ernannt. 1921 drehte er seinen ersten Spielfilm His Nibs mit Charles (Chic) Sale, Colleen Moore und Harry Edwards.
La Cava war der Lieblingsregisseur und Trinkkumpel des legendären W.C. Felder. Obwohl es kaum zu glauben ist, dass Fields in Stummfilmen lustig war, da seine charakteristische Stimme und seine Darbietung einen so großen Teil seiner komischen Fähigkeiten ausmachten, ist die pure Heiterkeit solcher Fields-La Cava schweigt wie So's Your Old Man (1926) und Running Wild (1927) beweist das Gegenteil.
Wenn Ihr Geschmack auf witzige Damen trifft, sollten Sie Stage Door nicht verpassen, mit Ginger Rogers, Katharine Hepburn, Eve Arden und Lucille Ball, die die Schnellfeuer-Gag-Linien übernehmen und Andrea Leeds das flammende Drama liefert; My Man Godfrey, mit Carole Lombard in ihrer verrücktesten Form; Die halbnackte Wahrheit, mit Lupe Valez in ihrer sexiesten Form, die von der immer überschwänglichen Lee Tracy gefördert wird (die Manny Farber einmal als einen besseren Schauspieler als Spencer Tracy bezeichnete); Mary Astor in Smart Woman; Claudette Colbert in Sie heiratete ihren Chef; und Ingwer Rogers in 5th Ave Girl.
Und wenn Sie nach verblüffender Sinnlichkeit nach dem Produktionscode suchen, sollte Preston Fosters sanfte Verführung von Irene Dunne in Unfinished Business (1941) und Ginger Rogers, die einer Familientradition der Prostitution in Primrose Path (1940) entkommen, ganz oben auf Ihrer Liste stehen. Mit seinem Hintergrund als Cartoonist war La Cava oft dafür bekannt, dass er vor den Dreharbeiten detaillierte Skizzen seiner Szenen zeichnete – obwohl er, ähnlich wie Leo McCarey, kreativ süchtig nach Improvisation war. Sagen wir einfach, dass Gregory La Cava die ganze Zeit schändlich unterschätzt und vernachlässigt wurde und jetzt ist die Zeit für eine verspätete Anerkennung.
