Kunst ist lang und das Leben ist kurz, heißt es in einem alten römischen Sprichwort, aber manchmal hält die Kunst ihre Erwartungen nicht: Die Leinwand verzieht sich, das Metall verbiegt sich und das Papier wird braun. Neue Kunstwerke sehen möglicherweise zu schnell wie alte Werke aus und hinterlassen bei ihren Käufern das Gefühl, sie seien beschlagnahmt. In der Belletristik haben wir die Werke von Rabo Karabekian von Vonnegut, dessen Gemälde aus Dura-Lux-Satin angefertigt wurden (die versprachen, „das Lächeln auf dem … zu überleben“) Mona Lisa ') Selbstzerstörung. Im wirklichen Leben gibt es viele ähnliche Geschichten. Ein Sammler wurde vom Galeristen nach New York City zurückgebracht Martina Hamilton ein Gemälde, das sie dort von dem norwegischen Künstler erworben hatte Seltsamer Nerdrum es sah aus, als würde das „Gemälde von der Leinwand fallen“, sagte der Galerist gegenüber Observer.
Für Kunst gibt es keine Garantien und die staatlichen Verbraucherschutzgesetze gelten nur für Gebrauchsgegenstände. Kunst wird von Galerien und Künstlern „wie sie ist“ verkauft. (Kannst Du Dir vorstellen Verbraucherberichte Kunstrezensionen?) Dennoch hoffen die Händler, das Wohlwollen ihrer Kunden aufrechtzuerhalten, und Künstler wollen sich nicht den Ruf für minderwertige Arbeit aneignen. Es ist jedoch nicht ganz klar, welche Verantwortung Künstler bei der Konservierung tragen, insbesondere nachdem ein Stück ein oder mehrere Male verkauft wurde. Dies gilt insbesondere für Künstler, die in ihrer Kunst gezielt vergängliche Materialien verwenden (Bienenpollen, Bananenschalen, Schweineschmalz, Elefantenmist, Blätter, Schlamm, Moos und Zeitungsausschnitte, um nur einige Beispiele zu nennen).
Nerdrum, der dafür bekannt ist, seine Farben selbst zu formulieren (und seine eigenen Rahmen zu konstruieren), wurde von Hamilton wegen des verfallenden Gemäldes kontaktiert und er wies den Händler an, dem Käufer weitere Werke von ihm in der Galerie zum gleichen Preis anzubieten Reichweite. Der Sammler wollte jedoch kein weiteres Nerdrum-Gemälde in der Galerie haben, also mietete der Künstler dasselbe Modell, das er ursprünglich verwendet hatte, wieder an und malte das gesamte Bild neu. Es dauerte ein Jahr, bis der gesamte Vorfall aufgeklärt war.
Nerdrum ist nicht der einzige Künstler, der versucht, eine Arbeit, die er oder sie geschaffen hat und die nicht hält, wiedergutzumachen. Der Manhattaner Maler David Novros wurde 2006 gefragt, was mit einem Acryllackgemälde aus dem Jahr 1965 in der Menil Collection in Houston zu tun sei, das überall auf der Oberfläche ausgedehnte „Risse, Schluchten und Spalten“ aufwies, und er beschloss, „das Werk mit den gleichen Materialien neu anzufertigen.“ wie vorher.' Die Arbeit, halb 7 ist jetzt auf „1965/2006“ datiert. Es ist nicht das erste Mal, dass Novros so etwas passiert. Im Jahr 1990 wandte sich das Museum of Modern Art wegen eines Gemäldes aus seiner Sammlung aus dem Jahr 1966 an ihn, dessen Leinwand sich verfärbt hatte und den handgefertigten Keilrahmen aus Sperrholz beeinträchtigte. Seine Lösung bestand darin, die alte Farbe abzukratzen und neue aufzutragen. Das Museum datiert das Werk mit dem Titel 6.32 , als „1966 (1990 neu gestrichen)“.
Sollte man sich darauf verlassen können, dass Künstler, wenn sie noch am Leben und körperlich dazu in der Lage sind, Schäden reparieren, die durch ihre eigene Verarbeitung, minderwertige Materialien oder die unsachgemäße Handhabung eines Sammlers verursacht wurden, oder sind die Schaffung und Erhaltung von Kunst so unterschiedlich, dass niemand beides versuchen sollte? Das Experimentieren mit Materialien ist sowohl ein Element künstlerischer Freiheit als auch ein Problem für zukünftige Restauratoren. Wann Pablo Picasso klebte ein Stück Zeitungspapier auf eine Leinwand und erzeugte so etwas, das zunächst „synthetischer Kubismus“ und dann einfach „Collage“ genannt wurde. Ein monumentales Ereignis in der modernen Kunstgeschichte fand statt. Andererseits, Margaret Ellis , Professor für Konservierung am Institute of Fine Arts der New York University und Direktor für Konservierung am Thaw Conservation Center in der Morgan Library, sagte gegenüber Observer: Wenn „Picasso einen Restaurator angerufen und gesagt hätte: ‚Was halten Sie davon, etwas Schnittgut aufzukleben? Zeitungspapier raus?' Der Restaurator wäre gestorben.
Es gibt mehrere Gründe, warum zeitgenössische Kunst nicht einmal auf kurze Sicht bestehen kann. Das Experimentieren mit Materialien ist eine davon; Ein weiterer Grund ist die Tatsache, dass die Ausbildung von Künstlern heutzutage kaum noch die Aufklärung über die Eigenschaften der von ihnen verwendeten Materialien beinhaltet. Dann fehlen die Mittel. Zu Beginn ihrer Karriere waren die mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siquieros und französischer Kubist Fernand Leger beide auf Leinensäcke gemalt, während Marc Chagall machte Designs auf Bettlaken und Franz Kline auf Karton gearbeitet. Darüber hinaus gibt es manchmal einfach eine nachlässige Herangehensweise an die Art und Weise, wie Dinge hergestellt werden.
Ein neueres Beispiel einer Wiederholung der Vergangenheit ereignete sich im Jahr 2006, als Damien Hirst ist das Hai-in-a-Tank-Werk von 1991 Die physische Unmöglichkeit des Todes im Kopf eines lebenden Menschen , das stark beschädigt war, weil der Künstler ursprünglich nicht genügend Formaldehyd verwendet hatte, wurde ersetzt. Das Werk gehört dem Hedgefonds-Milliardär Steve Cohen (er kaufte es 2004 für 12 Millionen US-Dollar) und ist derzeit als Leihgabe an das Metropolitan Museum of Art ausgeliehen. Es wurde „auf Anraten von Restauratoren restauriert.“ „Es gibt nur ein einziges Werk unter diesem Titel“, so ein Sprecher des Londoner White Cube, der den Künstler vertrat. Tatsächlich räumte Hirst den Tank aus, sägte einen weiteren Hai in zwei Hälften und sorgte dafür, dass dieser besser eingelegt war. Dies wirft einen wichtigen Punkt auf: Um den monetären und historischen Wert eines Kunstwerks zu erhalten, sind möglicherweise eine Reihe von Gegenmaßnahmen erforderlich, von denen einige absichtlich vage gehalten werden.
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Wer hat das Sagen – der Sammler, der Restaurator oder der Künstler?
Bei der Reparatur von antiken Objekten, Werken alter Meister oder fast allem, was von einem längst verstorbenen Schöpfer geschaffen wurde, lautet die Devise für Restauratoren im Allgemeinen: Tun Sie nichts, was nicht in Zukunft von einem anderen Restaurator rückgängig gemacht werden kann. Beispielsweise erfolgt das Inpainting – das Ausfüllen von Bereichen auf einer Leinwand, an denen die ursprüngliche Ölfarbe abgeplatzt ist – oft mit einem wasserbasierten Medium, das sich leicht entfernen lässt. Bei zeitgenössischen Kunstwerken, insbesondere solchen von lebenden Künstlern, gehen Restauratoren möglicherweise auf die gleiche Weise vor, versuchen jedoch möglicherweise, den Künstler zu kontaktieren, um zu erfahren, welche Materialien er verwendet hat und ob er an der Restaurierung beteiligt sein möchte.
Tom Learner , ein Restaurator am Getty Conservation Institute in Los Angeles, neigt dazu, den ursprünglichen Künstler zu kontaktieren. „Ich glaube daran, den Künstler als Restaurator einzusetzen und ihn als Experten zu bezahlen“, sagte er gegenüber Observer. „Der Künstler hat ein besseres Verständnis dafür, was zu tun ist.“ Er fügte hinzu, dass Sammler wissen müssen, dass solche Probleme Teil des Geschäfts sind, wenn sie „Werke kaufen, deren Materialien nicht getestet wurden“. Vielleicht. Es ist schön und gut, die Absichten und Prozesse des Künstlers zu verstehen und die Meinung des Künstlers über die Pläne eines Restaurators zur Reparatur des Werks des Künstlers einzuholen, aber Restauratoren entscheiden sich möglicherweise nicht dafür, ein Problem zu reproduzieren, das überhaupt zur Verschlechterung des Werks geführt hat.
Kunstwerke mit „inhärenten Mängeln“, wie Restauratoren es nennen – Mängel, die schließlich dazu führen, dass sie auseinanderfallen – sind möglicherweise einfach zu alt für eine Restaurierung. Greg Kucera , ein Galerist in Seattle, Washington, stellte ein skulpturales Werk von aus Jeffry Mitchell in den 1980er Jahren: „ein brillantes Ensemble skulpturaler Arbeiten aus dünnem Latex, geformt in Muffinformen, Gugelhupfformen, Gelatineformen und anderen Küchen- und Kochformen.“ Laut Kucera „sahen sie unglaublich schick aus, waren aber auch zierlich.“ In der Ausstellung hängte er sie mit Reißzwecken an die Wand. Am Ende der Show waren die meisten von ihnen an den Ecken eingerissen und das Latex begann sich aufzulösen. Er wusste damals einfach nicht, welche Risiken die Arbeit mit Latex mit sich bringt und wie man sich vor seinen Mängeln schützen kann.“ Die Galerie hatte jedes Werk in der Ausstellung verkauft und musste jeden dieser Verkäufe neu verhandeln, um Nicht-Latex-Werke zu ersetzen. „Es war ein schmerzhafter Prozess, aber wir haben an den Künstler geglaubt, also haben wir getan, was wir tun mussten, um diese Verkäufe zu retten.“ Zum Glück waren die Käufer nachsichtig.
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Aber „Restauratoren sind nicht verpflichtet, einen lebenden Künstler oder den Nachlass dieser Person zu kontaktieren.“ Mary Gridley , ein Restaurator und Gründer von Art Conservation Solutions in Long Island City, New York, sagte gegenüber Observer. Da es sich bei ihren Kunden in der Regel um private und institutionelle Sammler handelt, überlässt sie ihnen den Anruf. Sie empfiehlt jedoch, mit den Künstlern Kontakt aufzunehmen, da es „fast immer im besten Interesse des Sammlers liegt, zu verstehen, wie ein Künstler sein Werk aussehen lassen möchte, wie er über das Altern und die Veränderungen seiner Werke im Laufe der Zeit denkt und wie er diese toleriert und angeht.“ Konservierung und Restaurierung.“ Ein Künstler, der mit der Erhaltung seines Werkes unzufrieden ist, kann einem Sammler als Kunstsammler Probleme bereiten Scott Müller , Der Besitzer von Cady Noland ist 1990 Blockhaus-Rohling mit Schraubösen und Café-Tür , entdeckt wann Sie lehnte das Stück ab, nachdem es ohne ihre Erlaubnis mit neuem Holz „restauriert“ wurde oder eine Mitteilung über die Änderung. Diese Verleugnung machte Blockhaus weitgehend unverkäuflich. Durch die Konservierung wird nicht nur ein Kunstwerk bewahrt, sondern auch sein aktueller und zukünftiger Wert. Sique Spence , Direktorin der New Yorker Nancy Hoffman Gallery, empfahl außerdem, dass zumindest lebende Künstler „konsultiert werden sollten, wie es weitergeht.“ Ich habe das Gefühl, dass sich Reparaturen im Studio weniger auf den Wert auswirken als Restaurierungen von außen.“
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Das Gesetz selbst gibt den Sammlern keine klare Richtung vor. „Man braucht keine Erlaubnis eines Künstlers, um sein Werk zu restaurieren oder zu konservieren.“ Joshua J. Kaufman , ein Anwalt in Washington, D.C., der sich häufig mit Kunstfragen beschäftigt, sagte gegenüber Observer. Eine mangelhafte Restaurierungsarbeit oder auch nur eine davon, die der Künstler missbilligt, kann die Behauptung untermauern, dass der Eigentümer des Kunstwerks das Werk so beschädigt hat, dass die Wertschätzung des Schöpfers beeinträchtigt wird. „Der Sammler läuft Gefahr, seinen Ruf zu schädigen“, denn das Bundesgesetz von 1990, der Visual Artists Rights Act, „räumt diesen Ruf ausdrücklich dem Künstler ein.“
Kaufman sagte, dass es für Händler „klug wäre“, potenzielle Käufer von Kunstwerken zu informieren, die möglicherweise inhärente Laster aufweisen, obwohl Spence nicht der Meinung war, dass „eine Diskussion zukünftiger Probleme ein so gutes Verkaufsargument wäre“. Im Kunsthandel gibt es keine Zitronengesetze, daher treffen die Händler ihre eigenen Entscheidungen.
Manche Künstler sind begierig darauf, Teil einer Restaurierung zu sein, andere weniger. Marc Mellon , ein in Redding, Connecticut, ansässiger Bildhauer kleiner und großer Bronzeskulpturen, sagte gegenüber Observer, dass er „regelmäßig sowohl von Hausbesitzern als auch von institutionellen Kunden mit Fragen zur Pflege und Restaurierung meiner Bronzeskulpturen kontaktiert wird“ und er gerne einige davon anbietet Beratung. Allerdings würde er „viel lieber eine Gießerei oder eine auf die Restaurierung von Bronzearbeiten spezialisierte Person empfehlen, insbesondere wenn die Skulptur von einer gründlicheren Reinigung und Neupatinierung profitieren würde.“
Das Verpflichtungsgefühl eines Künstlers gegenüber seinem Werk kann manchmal zeitlich begrenzt sein, manchmal auch vertraglich – öffentliche Kunstaufträge enthalten in der Regel eine Klausel in der Vereinbarung, die die Haftung des Künstlers für „patentierte oder versteckte Mängel in der Verarbeitung“ für einen Zeitraum von einem bis drei Jahren festlegt – oder basierend auf evolutionären Veränderungen im Leben und Werk des Künstlers. Künstler Frank Stella sagte einmal, dass er möglicherweise bereit wäre, bei der Reparatur eines seiner Werke zu helfen, wenn „es nicht älter als zwei oder drei Jahre ist“. Für bestimmte Arbeiten verwendet er unterschiedliche Materialien und „nach zwei, drei Jahren habe ich keines der Materialien mehr übrig.“ Ich habe nicht das nötige Fachwissen, um damit umzugehen; Wenn ich eine Reparatur versuchen würde, würde ich ein Chaos anrichten.“
In den 1990er Jahren weigerte sich Stella, sich an der Restaurierung eines 25 Jahre alten Skulpturengemäldes zu beteiligen, das zur Reparatur zum Restaurator in Brooklyn gebracht worden war Len Potoff , der den Künstler aus praktischen Gründen kontaktierte. „Er sagte, dass er es nicht schaffen könnte“, sagte der Restaurator gegenüber Observer. „Er ist nicht mehr da, wo er vor 25 Jahren war, und er konnte sich nicht in diese Zone hineinversetzen. Damals war ich wirklich sauer, aber jetzt finde ich diese Sichtweise lobenswert.“
