Im luxuriösen Süden Frankreichs, zwischen Aix-En-Provence und dem Luberon-Nationalpark in einer der ältesten Weinregionen, gibt es einen weitläufigen Weinberg, in dem außergewöhnlicher Wein, Kunst und Architektur harmonisch zusammenleben. Das Château La Coste, das 2011 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, ist ein idyllisches Kunstzentrum Es bietet ein umfassendes ästhetisches Erlebnis: Besucher können die besten Weine des Weinguts genießen, auf dem bewaldeten Kunstpfad spazieren, der sich durch das 500 Hektar große Anwesen schlängelt, und fünf Innenausstellungsräume erkunden, in denen Werke einiger der renommiertesten Namen der zeitgenössischen Kunst gezeigt werden Szene.
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Es gibt Stücke von Fernand Léger, Louise Bourgeois , Alexander Calder , Damien Hirst und Tracy Emin, um nur einige zu nennen. Zu den Ausstellungen, die diesen Sommer zu sehen sind, gehört eine Präsentation lebendiger und humorvoller Gemälde des in Kalifornien geborenen Künstlers Joel Mesler im wunderschön gestalteten Renzo Piano Pavilion und einer Ausstellung verträumter Werke des französischen Malers Claire Tabouret . Hirsts neueste Serie „Secret Garden Paintings“ ist bis Dezember in der Bastide Gallery zu sehen, während seine „Cosmos Paintings“ und Skulpturen aus den Serien „Meteorites“ und „Satellites“ im Old Wine Storehouse zu sehen sind.
Das beeindruckende Oscar-Niemeyer-Auditorium des Château La Coste aus Glas beherbergt unterdessen die erste große Retrospektive der Werke des chinesischen Künstlers Ding Yi , „Vorhersage und Rückblick“. Diese Ausstellung markiert die erste europäische Ausstellung des Künstlers und bietet eine bedeutende Gelegenheit, seine visionäre Praxis zu entdecken. Der Ausstellungskurator, Alfredo Cramerotti , sagte dem Observer, dass die Show einen bedeutenden „Ausschnitt“ von Ding Yis Karriere präsentieren soll, da nicht viele Menschen in Europa mit seiner Arbeit vertraut sind.
„Die Idee bestand darin, mehrere Werke auszuwählen, die verschiedene Epochen seiner Karriere, die vier Jahrzehnte seines Schaffens und die verschiedenen Werkgruppen, die der Künstler durchlief, repräsentierten“, sagte Cramerotti. „Die Entstehungszeit hat lange gedauert, da seine Werke nicht ohne weiteres erhältlich sind – die meisten davon befinden sich in öffentlichen Einrichtungen oder privaten Stiftungen, und einige der eher historischen Werke aus den 1980er und 1990er Jahren gehören zu seinem Privatarchiv und sind nicht zugewiesen.“ Ausstellungen. Es war wichtig, eine Reise im Hinblick auf die Erfahrung des Betrachters in der Raum- und Zeitbahn durch die Werke zu schaffen, und ich bin sehr froh, dass uns das gelungen ist.“
Observer sprach auch mit dem Künstler, um mehr über die Leitthemen der Ausstellung zu erfahren und wie er und Cramerotti eine bedeutungsvolle Konversation mit diesem wunderschönen Raum aufbauten. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die „absolute Matrix“, die Yi verwendet, und verknüpft seine Praxis sowohl mit den fortschrittlichsten technologischen Entwicklungen als auch mit alten Symbologien, die Menschen im Laufe der Zeit entwickelt haben. Wie Cramerotti erklärte, wurde der Titel von dem charakteristischen Gitterwerk des Künstlers inspiriert, das als Symbol für Rationalität und Regeln stand und die kuratorische Begründung für die Ausstellung lieferte.
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Gleichzeitig ist diese Idee des Gitters auch die Grundstruktur für den heutigen digitalen Raum, das Grundelement, auf dem alles andere aufgebaut, verbunden, erlebt und zirkuliert wird. „Das mathematische Muster der digitalen Schichten unseres hybriden Lebens wird durch die präsentierten Gemälde sowohl (im Nachhinein) reflektiert als auch (im Voraus) vorweggenommen. „Die Ausstellung ist ein faszinierendes Raum-Zeit-Reiseerlebnis durch die Linse der Nicht-Repräsentation“, sagte Cramerotti. Letztlich thematisieren die Werke von Ding Yi kulturelle Revolutionen, wirtschaftliche Aufschwünge, gesellschaftliche Veränderungen und technologische Errungenschaften seines Heimatlandes China. Obwohl sie nicht im Einzelnen dargestellt werden, werden alle diese Ereignisse durch die Muster hervorgerufen, die durch die Symbole x und + erzeugt werden.
Im Laufe der Jahre gelang es dem Künstler, seine Bildsprache auf einen äußerst minimalistischen Code zu reduzieren, der sich auf ein einziges Signatursymbol beschränkte: ein rudimentäres Kreuz, das abwechselnd als x und + dargestellt wird. Auf die Frage, wie er zu diesem Minimalcode gelangt sei und was es für ihn bedeute, genau diese beiden Zeichen in neuen Konstellationen zu malen, ging der Künstler auf die historischen Gründe seiner Sprache ein. „Die chinesische Malerei wurde seit den 1950er Jahren vom ehemaligen sowjetischen Sozialismus und Realismus beeinflusst“, sagte er gegenüber Observer. „Ab den 1980er Jahren, während meiner Studienzeit, begann ich, über die gesamte gesellschaftliche Struktur und den ideologischen Aspekt der Kunst nachzudenken. Ich wollte, dass meine Arbeit sich von den gängigen ideologischen Narrativen fernhält. Für mich ist die Verwendung solcher Symbole eine Möglichkeit, das inhärente mechanische Gerüst der realistischen Darstellung von Subjekten aufzulösen und stattdessen die Kunst wieder in einen Zustand der Nicht-Darstellung oder Bedeutungslosigkeit zu versetzen.“ Es sei, so sagte er, ein Versuch, die Suche nach den Ursprüngen der Kunst neu zu beginnen, zum Anfang zurückzukehren und die Malerei neu zu definieren, wobei x und + symbolische Ersatzstoffe oder einfach nur Striche und Teile des Gemäldes sein können. „Malerei drückt durch die Konstruktion einer integrierten Bildsprache Verbindungen zur realen Welt aus und spiegelt den Wandel der Zeit wider.“
Seine Arbeit unterliegt einem strengen Regelwerk, das darauf abzielt, die resultierenden Gemälde vollständig von jeglicher Darstellung sowie von jeglicher Bedeutung und Emotion zu abstrahieren , und so stattdessen das zu archivieren, was er als Darstellungen des Geistes beschreibt. All dies lässt seine künstlerische Praxis eher wie eine der Selbstdisziplin und Selbstvernichtung klingen, wie es der Philosoph Augustinus beschrieben hat Selbstdisziplin war entscheidend für spirituelles Wachstum und ein tugendhaftes Leben. Eine Idee oder ein Ideal, das bereits von den Stoikern vorweggenommen wurde, als Epictetus sagte, dass wahre Freiheit nur durch Selbstbeherrschung entsteht, die durch Disziplin erreicht wird und Kontrolle über die eigenen Wünsche und Handlungen.
Der Künstler sprach über diesen Prozess der Reduktion und Kontrolle eher als eine Beziehung zwischen Rationalität und Sinnlichkeit. Als wir unser Gespräch fortsetzten, erklärte Yi, dass alle seine Arbeiten auf einem gerasterten Rahmen basieren, der Rationalität und Regeln darstellt, dieser Rahmen jedoch unendliche Freiheit zulässt und Sinnlichkeit aufnehmen kann, während er sich unendlich erweitert. „Meine Arbeitsmethode besteht darin, nie einen Entwurf zu erstellen, bevor ich mit der Arbeit beginne“, sagte er. „Der Blick auf das Raster erfordert Sensibilität und Zufälligkeit, um die Lebendigkeit des Gemäldes zu verstärken. Vitalität ist ein wichtiges Element der Malerei, während Unerwartetes die treibende Kraft der Schöpfung ist. Einige Kritiker ziehen in ihren Kommentaren zu meiner Arbeit Parallelen zur buddhistischen Meditation oder zur Dualität der Beziehungen im traditionellen chinesischen Brettspiel Go.“
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Wenn sich Weiß und Schwarz im engen Raster überschneiden, erzeugen sie Widersprüche, Konflikte, Widerstand und Konkurrenz. Allerdings sind sie laut Aussage des Künstlers auch zueinander in Beziehung gesetzt und durch ein schachbrettartiges Regelwerk ausgeglichen, was zu einer harmonischen Einheit beiträgt. Kombiniert und in Folge können diese Zeichen wie Pixel aussehen, die an eine digitale Ästhetik erinnern und den binären Code, der sie beherrscht, vorwegnehmen oder in die Kunst abstrahieren.
Auf die Frage nach dieser Beziehung zum digitalen Bereich stellte Yi klar: „Die Verwendung des Rasters als Grundlage ist heute die grundlegendste Struktur für die gesamte digitale Kunst.“ Diese Struktur stammt aus der Mathematik. Folglich sind auch meine Arbeiten von einer sogenannten mathematischen Beziehung erfüllt. Für die Malerei sind mathematische Zusammenhänge eine Art Rhythmus, der eine gewisse Beziehung zwischen Wachstum und Zurückhaltung darstellt. Diese Beziehungen können entweder unendlich oder fragmentarisch sein. Darüber hinaus spiegeln sich diese mathematischen Zusammenhänge auch in der verstreuten Bildmittenkomposition wider. Es bezieht sich auch auf ein mehrdimensionales Zentrum mit vielschichtiger Aggregation und Multi-Cluster-Beziehungen.“
In Anbetracht dieses hypertechnologischen Aspekts, der im Gegensatz zum zutiefst manuellen Aspekt im Zentrum seiner Praxis steht, fragten wir Yi zunächst, ob es einen Zusammenhang zwischen seiner Arbeit und dem extrem beschleunigten Modernisierungsprozess gebe, den China in einigen Jahrzehnten durchlief Es wurde zur „Fabrik der Welt“ und dann auch zu einem führenden Unternehmen in den Bereichen technologische Innovation und Elektronik.
Ding Yi bestätigte, dass die Inspiration für diese Arbeit größtenteils aus der Entwicklung Chinas stammt. „Diese Reise hat sich in einem Zustand der Beschleunigung vollzogen, voller Lärm und Widersprüche.“ Er erklärte: „Ich hoffe, dass meine Arbeit einen Bezug zur Realität der Entwicklung in China und der Welt hat.“ Die schnelle Entwicklung verändert unsere Ideen und unser Denken, daher versuche ich immer, in meinen Kreationen einen Konzeptwechsel widerzuspiegeln. Unabhängig davon, ob sie auf den Urbanisierungsprozess oder die rasante Entwicklung der digitalen Industrie der künstlichen Intelligenz zurückzuführen sind, haben diese Veränderungen in den sozialen Erfahrungen und Lebenserfahrungen in den letzten vierzig Jahren zu einer kontinuierlichen Iteration und Weiterentwicklung meiner Bilder geführt.“
Yis Ästhetik verbindet den rasanten Rhythmus des neuen städtischen Lebens in China, den ständigen Daten- und Informationsfluss im digitalen Bereich mit etwas Zeitlosem und Altem, dem ursprünglichen Symbol eines Kreuzes oder einer aufmerksamen Praxis, Geist und Hände akribisch zu verbinden zeichne sie auf Leinwand. Wir haben Cramerotti auch gefragt, wie er diese Beziehung zwischen Innovation und Tradition im Werk des Künstlers beschreiben würde.
„Ding Yi ist ein Innovator, nicht in der Technik, sondern im kritischen Denken; Seine Praxis hat sich von Anfang an von Propaganda und sozialem Realismus ferngehalten und stattdessen die Veränderungen in Gesellschaft, Wirtschaft, Kultur und Weltanschauung durch ein System kanalisiert, das es ihm ermöglichte, viele Perspektiven zu erkunden und einzubeziehen, sie zu reduzieren und auf ihr Wesentliches zu destillieren“, sagte er . „Destillation ist wahrscheinlich ein Schlüsselwerk, wenn es um seine künstlerische Reise geht. Die „digitale Matrix“, die den Betrachter bei seiner Arbeit auf den ersten Blick visuell trifft, ist genau das Ergebnis nicht nur der Zeitkartierung, sondern auch jener gesellschaftlichen Codes, die unser heutiges Leben prägen, wo wir gleichzeitig physisch und virtuell sind. Es ist, als ob Sie die „Codeversion“ einer Website in Ihrem Browser öffnen – Sie sehen Symbole und Chiffren und wissen, dass sie zu Bildern, Texten und Tönen führen, auch wenn Sie sie in dieser Form nicht sehen können. Ding Yis Arbeit ist in diesem Sinne die gleiche – und das ist das Spannende an seiner Arbeit über Innovation und Tradition.“
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Die erstmalige Präsentation von Dings Werk in Europa offenbart einige unerwartete Parallelen zwischen seiner Ästhetik und der anderer Künstler in den 1970er Jahren, die in Frankreich und anderswo in Europa neue Ideen der geometrischen und optischen Abstraktion erforschten, inspiriert von neuen Technologien und dem Wettlauf ins All. „Wir wissen viel über optische Kunst und Abstraktion von westlichen Künstlern, geschweige denn von asiatischen Künstlern“, sagte Cramerotti. „Natürlich gibt es bei uns Bewegungen wie die Dansaekhwa-Künstler in Südkorea, aber in den meisten Fällen beziehen wir uns auf Optik und Abstraktion durch eine westliche Linse. Das wurde für mich durch Ding Yi „zunichte gemacht“, dessen Werk in Asien bekannt ist. Dennoch ist es beispielsweise in Europa relativ unbekannt – und ich habe jemanden kennengelernt, der sich nicht nur von Beginn seiner Karriere an mit Nicht-Repräsentation beschäftigt hat, sondern sich durch diese fokussierte Praxis auch aktiv mit gesellschaftlichen und kulturellen Veränderungen auseinandergesetzt hat. Es erinnerte mich zum Beispiel an die Arbeit von Giorgio Morandi, jemand, der die meiste Zeit seiner Karriere immer noch ein Leben voller Tassen, Flaschen und Vasen hatte und es dennoch schaffte, alle gesellschaftlichen Umbrüche Italiens im Laufe seiner Zeit zu übertragen. Unterschiedliche Visuals, gleiche Konsistenz und Fokus.“
Wie bei den meisten Ausstellungen im Château La Coste werden die Werke in engem Dialog mit der Architektur und der natürlichen Umgebung im Raum installiert. Cramerottis kuratorischer Ansatz war stark von den architektonischen Besonderheiten des Oscar-Niemeyer-Auditoriums geprägt, das die Möglichkeit bot, Werke mit Details in Beziehung zu setzen, die sonst vielleicht unbemerkt blieben. „Bei einem meiner ersten Besuche vor Ort bemerkte ich, dass die Verbindungslinien des Betonbodens ungewöhnliche Winkel aufwiesen, eher 60/70-Grad-Winkel als die üblichen 90-Grad-Winkel, und das brachte mich auf die Idee für einen Rahmen. für die Positionierung der Werke im Raum und nicht an den Wänden, einem Teil des architektonischen Volumens“, sagte er. „Die Außenwände bestehen größtenteils aus Glasscheiben, die vom Boden bis zur Decke reichen und über eine schwarze, vertikal verlaufende Fuge miteinander verbunden sind. Das brachte mich auf die Idee für die schwarzen Rahmen, die die acht in der Mitte des Raums gezeigten Gemäldepaare tragen sollen, die aus einer anderen Epoche und einem anderen Werk stammen, aber die gleiche Größe haben. Es war ein langes Gespräch mit Ding Yis Studio, um diese „Paare“ zu sichern, da einige zu seinem Privatarchiv gehören und normalerweise nicht für Ausstellungen zur Verfügung stehen. Die Show hat fünf Jahre gedauert, aber ich bin froh, dass wir es am Ende geschafft haben.“
„ Vorhersage und Rückblick „ von Ding Yi ist bis zum 15. September im Château La Coste, Le-Puy-Sainte-Réparade, Frankreich, zu sehen .
