Martin Scorseses Gangs of New York , nach einem Drehbuch von Jay Cocks, Steven Zaillian und Kenneth Lonergan, basierend auf einer Geschichte von Jay Cocks, wurde Berichten zufolge von Herbert Asburys Chronik Gangs of New York von 1928 inspiriert, die Herr Scorsese mehr als 30 Jahre lang gelesen hat viel später seine Begeisterung für das Buch als Filmprojekt mit einem befreundeten Drehbuchautor, Mr. Cocks, teilte. Das Ergebnis hallt auf dem Bildschirm mit einer tödlichen Kraft und Wut wider, die intensiver ist als alles, was Mr. Scorsese auf den gemeinsten und beliebtesten Straßen erreicht hat, die er sich vorstellen oder sich erinnern konnte.
Der Film wurde viel dafür kritisiert, dass er schnell und locker mit den historischen Fakten der Zeit – hauptsächlich den 1860er Jahren – und dem Milieu spielte: dem Viertel Five Points in Lower Manhattan. Dennoch kann ich mir nicht vorstellen, dass das Thema jemals von einem Filmemacher in Angriff genommen worden wäre, der weniger emotional in das Material involviert war als Herr Scorsese. Daher bin ich ihm zu Dank verpflichtet, dass er den Film in dieser weinerlichen Zeit gemacht hat, in der zu viele Leute immer wieder darüber plappern, wie die New Yorker seit dem 11. September ihre Unschuld verloren haben.
Gangs of New York beginnt mit einer ausgedehnten und massiven Kampfszene, die rivalisierende Banden nativistischer anti-katholischer und irisch-katholischer Einwanderer-Überzeugungen verstrickt. Die Kulisse ist angeblich der Kessel von Armut, Kriminalität und Bigotterie in Unter-Manhattan, bekannt als die Fünf Punkte, um 1846, aber die primitiven Waffen der Kämpfer – dh Äxte, Messer, Schwerter und Keulen – verleihen dem Spektakel ein mittelalterliches Aussehen und einen mittelalterlichen Klang . Mel Gibsons Braveheart (1995) mit seinem Scot/Brit-Brouhaha fällt mir ein, als die Hibernian-Gang der Five Points, die Dead Rabbits - angeführt von Liam Neesons Priest Vallon - den dominanten protestantischen Horden unter der Führung von Daniel Day-Lewis' charismatischer Darstellung entgegentreten William (Bill der Metzger) Schneiden. Auf einer persönlicheren Ebene erinnert die Schlacht auch an Sergio Leones Es war einmal im Westen (1969), als ein Kind – der junge Amsterdam Vallon (Cian McCormack) – seinen Vater durch die Hände und die Klinge von Bill dem Schlächter und Gelübde sterben sieht ihn zu rächen. Aber als sich Mr. Scorsese und seine Mitarbeiter 16 Jahre später mitten im Bürgerkrieg in die Geschichte und Soziologie der Five Points eintauchen, wird Gangs of New York zu facettenreich, um entweder Mr. Gibsons ethnische Inbrunst oder Leones visuell fokussierte Emotionalität zu vermitteln .
Leonardo DiCaprios erwachsener Amsterdam Fallon schleicht sich erfolgreich sowohl in das Vertrauen von Bill dem Schlächter als auch in seine Gang ein, aber Amsterdams wachsende Faszination für die Mörderin seines Vaters scheint seine Entschlossenheit, sich zu rächen, wie ein Hamlet zu schwächen. Ich weiß nicht, was während des Schreibens und Drehens des Films passiert ist, aber irgendwann wurde Bill the Butcher von Mr. Day-Lewis der Claudius, der Mr. DiCaprios Hamlet die Show stiehlt.
Beide Charaktere genießen die Gunst der üppigen Taschendiebin Jenny Everdeane, die von Cameron Diaz mit robustem, sportlichem Elan gespielt wird, wahrscheinlich ein größerer Kassenname in diesen Tagen nach Charlie's Angels als entweder Mr. DiCaprio oder Mr. Day-Lewis. Dennoch ist die Entwicklung der Hauptfiguren und ihrer unterschiedlichen Ursachen für die moralisch simplifizierenden, manichäischen Forderungen populärer Epen mit klar definierten Helden und Schurken etwas zu vieldeutig und komplex.
Das soll nicht heißen, dass Mr. Scorseses Mise en scène in seiner alptraumhaften Nachbildung der Five Points-Rasereien durch Dante Ferrettis wunderbares Produktionsdesign, das Sets verwendet, die von Grund auf neu in den Cinecitta-Studios in Rom gebaut wurden, nur hinreißend ist. Man fühlt sich gefangen in einer Vergangenheit, aus der es kein Entrinnen gibt, denn in den berüchtigten Wehrdienstunruhen von 1863, die sowohl die rassistische Bigotterie der Iren gegen die Schwarzen beleuchteten, als auch die Geschichte der kirchlichen Banden explosiv mit der amerikanischen Geschichte aus dem Lehrbuch kollidiert, die abscheuliche Form mehrerer Lynchmorde und die zugrundeliegende Ungerechtigkeit, dass reiche Männer – nicht weniger durch die Regierung von Abraham Lincoln – sich für 300 Dollar freikaufen, eine unerreichbare Summe für die von Kartoffelhunger getriebenen irischen Einwanderer . Es wurde gemunkelt, dass der gängige Preis für die Quartiere der Nationalgarde, die es den Plutokraten der George W. Bush-Generation ermöglichten, Vietnam zu meiden, die dem Wehrdienst ausweichen konnten, 5.000 Dollar betrug – eine angemessene Eskalation für die Inflation im Wert von einem Jahrhundert.
Die Unruhen selbst und ihre brutale Unterdrückung markieren ein blutiges Kapitel in der Geschichte von New York City und der Nation. Es bleibt abzuwarten, ob das Publikum mit einer Spur historischer Neugier groß genug ist, um Gangs of New York zumindest die Gewinnschwelle zu erwirtschaften. Aber bei den führenden jungen Kinobesuchern, die an den 1960er Jahren scheinbar desinteressiert waren, ist es schwer zu erkennen, wie ein Film über die 1860er Jahre sie von ihren glänzenden neuen Videospielen wegziehen wird.
Für den Rest von uns ist Gangs of New York nicht weniger als interessant und sehr oft aufregend und fesselnd. Seine Gewalt ist manchmal grauenhaft, aber nie grundlos. Letztendlich waren wir dort einst in dem gelobten Land, das wir Amerika nennen, und es wäre sehr erwachsen, uns daran zu erinnern. Der Film wird durch die überzeugenden Charakterdarbietungen von Jim Broadbent als zynischer und korrupter Boss Tweed, John C. Reilly als irisch-amerikanischer Abtrünniger in einer antiirischen Stadtverwaltung, Brendan Gleason als irisch-Amerikaner unermesslich in seiner Anschaubarkeit unterstützt politischen Märtyrer und David Hemmings als heuchlerisch mitfühlenden Konservativen seiner Zeit.
Rechtzeitige Oberflächlichkeit
Rob Marshalls Chicago nach einem Drehbuch von Bill Condon wurde frei nach dem Musical Chicago von 1975 adaptiert, inszeniert und für die Bühne choreografiert von Bob Fosse, mit Musik von John Kander und Texten von Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins schrieb 1926 das Originalstück mit dem Titel The Brave Little Woman, das wiederum zwei Filme inspirierte, Frank Ursons Stummfilm Chicago 1927 (nach einem Drehbuch von Lenore J. Coffee, mit Phyllis Haver als Roxie Hart) und William A. Wellmans Roxie Hart im Jahr 1942 (aus einem Drehbuch von Nunnally Johnson, mit Ginger Rogers in der Titelrolle).
In all ihren bisherigen Inkarnationen in den letzten 75 oder mehr Jahren hat die Grundgeschichte nichts von ihrer oberflächlichen Aktualität verloren. In der Tat werden wir wahrscheinlich immer Mordprozesse gegen Prominente zum Wohle der gefräßigen, von den Medien manipulierten Öffentlichkeit begleiten, was mehr als man für das Hollywood-Musikgenre sagen kann, das Ende der 20er Jahre mit dem Erscheinen des Sounds geboren wurde und in den 30er bis 50er Jahre, nur um in den letzten Jahrzehnten praktisch zu verschwinden - hauptsächlich wegen der wachsenden Bedeutung von Hollywoods Gewinnen ausländischer Märkte, die amerikanische Musicals nicht gut erreichen.
Das aktuelle Chicago wurde von vielen meiner Kollegen als das Musical gepriesen, das das sterbende Genre noch einmal in Gang bringen könnte. In jeder Hinsicht ist es eine enorme Verbesserung gegenüber Baz Luhrmanns Moulin Rouge (2001), einer pompös überfüllten Maskerade, die sich als Musical ausgibt. Chicago ist in vielerlei Hinsicht eine bewundernswerte Leistung. Es gelang mit verschiedenen Wagnissen, darunter Casting, Adaption und Schnitt, die die Präsentation zwischen der Traumwelt und der vermeintlich realen Welt, zwischen dem Theater des Geistes und dem Theater des Chicago der 20er Jahre aufspalten – und, was am gefährlichsten ist, zwischen musikalisch geschultem nicht allzu erfahrene Musiker wie Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah und (am überraschendsten) John C. Reilly, und vergleichsweise amateurhafte, aber talentierte Schnellstudien wie Renée Zellweger und Richard Gere.
Mr. Marshalls Chicago ist ein Musical mit zwei Diva, mit Ms. Zellweger als Roxie Hart und Ms. Zeta-Jones als Velma Kelly, Roxies erbitterter Rivalin, bis sie ein Paar aus Bequemlichkeit bilden, um ihre Freisprüche endgültig einlösen zu können -for-Mord-Nummer, aufgeführt unter dem Applaus einer Stadt. Aber man könnte tatsächlich anmerken, dass Velma weder in einem der beiden vorherigen Filme noch im Originalstück als Figur auftrat; Sie debütierte 1975 in Bob Fosses Bühnenproduktion, in der Gwen Verdon die Rolle von Roxie Hart tanzte und sang und Chita Rivera die Rolle von Velma Kelly tanzte und sang.
Die Chemie zwischen Frau Zellweger und Frau Zeta-Jones ist kühler und viel weniger gesellig als die zwischen Marilyn Monroe und Jane Russell in Howard Hawks' Gentlemen Prefer Blondes (1953), aus Charles Lederers Drehbuch, basierend auf Anita Loos' Roman, mit Songs von Jule Styne und Leo Robin - folglich ist Chicago fast per Definition ein Musical ohne Herz: eine Zutat, die die meisten von uns in einem Musical brauchen und erwarten, ob wir es zugeben oder nicht. Roxie und Velma sind beide unheilbar egoistisch und selbstverliebt, mit hungrigen, bedürftigen Egos, die auf den spröden, ausgeklügelten Bühnen des Broadways besser spielen als auf den Kinoleinwänden der Welt.
Hier kommt ein merkwürdiges Paradox in der ikonischen Interaktion zwischen Frau Zellweger und Frau Zeta-Jones ins Spiel. Obwohl Frau Zeta-Jones in ihren vorherigen Rollen eine attraktive, vollmundige Schönheit war, hat sie nie viel Wärme oder Gefühl erzeugt. Sie ist somit perfekt als Velma besetzt. Frau Zellweger ist eine ganz andere Geschichte, denn sie hat ihre tiefsten Gefühle mit nur mäßig gutem Aussehen dargestellt, um die Herzen des Publikums zu gewinnen. Glücklicherweise ist sie nicht ohne Witz und Ironie, um die schiere Zickigkeit ihres Charakters in Chicago zu mildern. Doch ihre Grausamkeit gegenüber ihrem Mann – von Mr. Reilly mit dämlichem Adel gespielt – macht sie weniger mitfühlend. Der Punkt ist, dass die Charaktere von Monroe und Russell sich wirklich mochten, und das ist einer der Gründe, warum ihre Vereinigung so unvergesslich geblieben ist. Sie müssen trotzdem Chicago sehen, und sei es nur, um zu verstehen, was ich meine, und möglicherweise nicht meiner Meinung zu sein.
Herrliche Dickens
Douglas McGraths Nicholas Nickleb y aus seinem eigenen Drehbuch nach dem Roman von Charles Dickens erweist sich glücklicherweise als weihnachtlicher treuer als alle Weihnachtsmann-Filme zusammen. Es ist ein schlankes, aber nicht anämisches Nickleby, das Mr. McGrath aus dem 816-seitigen Dickens-Roman gestaltet hat, wobei die zentrale Erzählung freudig und bewegend ansprechend bleibt. Der Film wird bereichert durch eine fantasievoll gemischte Besetzung antiker Geister, angeführt von Christopher Plummer als dem subtilsten und komplexesten bösen Onkel Ralph, den ich je in den vielen Film- und Bühnenadaptionen des Werks gesehen habe. Nicht weit dahinter steht Jamie Bell als der unglückselige Smike; Jim Broadbent als sadistischer Wackford Squeers; Juliet Stevenson als die schreckliche Mrs. Squeers; Tom Courtenay als betrunkener, aber immer hilfsbereiter Angestellter Newman Noggs; Nathan Lane als der köstlich hammy theatralische Impresario Vincent Crummles; Barry Humphries (alias Dame Edna Everage) als Mrs. Crummles; Timothy Spall als einer der Cheeryble-Zwillinge, Edward Fox als der lüsterne Sir Mulberry Hawk; und Alan Cumming als ein ehrenhafterer Aristokrat, Mr. Folair.
Die vergleichsweise heterogenen Partien von Nicholas Nickleby selbst (Charlie Hunnan), seiner geliebten Madeline Bray (Anne Hathaway), seiner mittellosen Mutter (Stella Gonet) und seiner angeschlagenen Schwester Kate (Romola Garai) sind weniger imposant als die der Exzentriker, aber Dickens war immer wohler und kreativer mit seinen trockenen Kreaturen als mit seinen Weißbrothelden und Heldinnen.
Hitlers Jugend
Menno Meyjes' Max , aus seinem eigenen Drehbuch, führt uns 1918 nach München, als zwei zurückkehrende, besiegte deutsche Veteranen - ein fiktiver, ein wohlhabender jüdischer Kunsthändler namens Max Rothman (John Cusak) und der andere ein 30-Jähriger aufstrebenden Maler namens Adolf Hitler-Treffen und mischen sich vorübergehend in einem entscheidenden Moment in der Weltgeschichte ein. Die damit verbundenen Was-wäre-wenn-Gedanken haben einige Leute beleidigt, aber ich fand den Film faszinierend für seinen Subtext über Kunst und Politik, damals wie heute.
