Mike Newells Mona Lisa Smile nach einem Drehbuch von Lawrence Konner und Mark Rosenthal hatte Berichten zufolge einen Zeitschriftenartikel über Hillary Rodham Clintons Jahre am Wellesley College in den 1960er Jahren. Die Drehbuchautoren beschlossen, ein Jahrzehnt zurückzugehen und den Film während der viel geschmähten 1950er Jahre, der Eisenhower-Ära, zu drehen – einer Zeit, in der Frauen immer noch ermahnt wurden, glückliche Hausfrauen zu werden und zu vergessen, dass sie während der Zeit fähig (und gewinnbringend) Männerjobs verrichtet hatten Zweiter Weltkrieg. Es mag manchen seltsam erscheinen, dass zwei männliche Drehbuchautoren und ein männlicher Regisseur zusammengearbeitet haben, um eines der stärksten feministischen Statements zu gestalten, die dieses Jahr auf der Leinwand erscheinen. Natürlich ist es die Vergangenheit, die verprügelt wird, und zwar nicht immer fair und genau, wie zum Beispiel in den Abspann-Anzeigen einiger der albernsten Werbespots für glückliche Hausfrauen der Zeit, zusammen mit einigen Aufnahmen von Mrs. America-Wettbewerben.
Es sei darauf hingewiesen, dass Wellesley-Absolventen größtenteils eine Elitegruppe junger Frauen mit mehr Möglichkeiten waren als die meisten ihrer Kollegen in bescheideneren Verhältnissen. Andererseits gelang es in den 1950er Jahren mehr Familien als heute, von einem Gehalt zu leben; heute treten viele Frauen weniger aus politischem Wunsch als aus rein wirtschaftlicher Notwendigkeit ins Berufsleben ein. Das ist das schmutzige kleine Geheimnis der angeblich boomenden amerikanischen Wirtschaft: Die meisten Arbeiter der Mittelschicht werden nicht genug bezahlt, um ihre Familien so zu ernähren, wie es die Medien es gewohnt sind.
Nachdem ich diesen einleitenden Haftungsausschluss herausgegeben habe, muss ich sagen, dass ich Mona Lisa Smile enorm genossen habe, zum großen Teil aufgrund der schieren Virtuosität der überwiegend weiblichen Besetzung, die in einer Zeit, in der Männer auf der Tanzfläche führen sollten, von einer infernalischen Zeitmaschine gestrandet war und überall sonst. Wellesleys derzeitige Verwaltung hat voll mit den Produzenten zusammengearbeitet, und warum nicht? Es ist keine zeitgenössische institutionelle Schande, zuzugeben, dass vor einem halben Jahrhundert, laut Herrn Konner, morgens französische Literatur gemacht wurde und wie man dem Chef Ihres Mannes nachmittags Tee serviert. Dieser satirische Leckerbissen zeugt nur von den Fortschritten in der Frauenbildung seither.
Der Film bittet uns anzunehmen, dass in diesen Kessel der Konformität Katherine Watson (Julia Roberts) kommt, eine Abgesandte der Aufklärung aus der kalifornischen Hochkultur, wo sie an der U.C. Kunstgeschichte studiert hat. Berkeley. Herr Konner erklärt: Noch vor 50 Jahren war Neuengland eine Erweiterung der Alten Welt, während Kalifornien in Wirklichkeit die Neue Welt war. Also dachten wir, dass dies der perfekte Ort für Katherine wäre, um aufzuwachsen, sowohl in Bezug auf die weniger starren Klassenunterschiede als auch auf die freizügigere soziale Einstellung.
In den 50er Jahren des wirklichen Lebens wusste dieser Provinzial in einem Außenbezirk nicht, dass das Kalifornien der Nixons und der Knowlands kulturell so viel fortschrittlicher war als das Neuengland der Kennedys und der Lodges. Außerdem litt ich unter dem Wahn, dass Jackson Pollocks Action-Gemälde, die Wellesleys Treuhänder im Film so sehr beunruhigten, eher im nahe gelegenen Manhattan zu Hause waren als im fernen Los Angeles. Aber wenn man all die geographischen und kulturellen Annahmen des Films berücksichtigt und sogar die ganze Rhetorik über junge Frauen akzeptiert hat, die neben einer frühen Heirat auch andere Optionen haben – und sogar die Möglichkeit, eine Karriereergänzung zu einer frühen Heirat zu haben –, konnte ich nicht umhin, das Gefühl zu haben, dass der Film ein bisschen selbstgefällig war implizieren, dass die Leute damals so albern waren im Vergleich zu ihrer heutigen Klugheit. Heute ist das große Problem nicht so sehr, ob junge Frauen eine Wahl haben, sondern ob sie vernünftigerweise davon ausgehen können, alles zu haben. Und einige Dinge haben sich nicht viel geändert – zum Beispiel wenden Frauen in Amerika immer noch chirurgische Verfahren an, um die Größe ihrer Füße zu Zwecken der Männerjagd zu reduzieren. Schatten des alten China!
Katherine selbst ist eine der Figuren, die in der Kreissäge der konventionellen Erwartungen der Gesellschaft gefangen sind. Sie war verlobt und hatte sogar Affären, aber sie hat immer gezögert, bevor sie den letzten Schritt getan hat, sogar mit einem Verlobungsring am Finger. Daher nähert sie sich ihren meist gehobenen Schülern in einem Zustand der Verwundbarkeit der Mittelschicht. Katherines erste Klasse ist ein peinliches Fiasko, da ihre Schüler die Namen von Gemälden rasseln, die sie sich geschickt aus dem traditionellen Unterrichtsplan der Schule merken. (Katherine selbst war noch nie in Europa, um viele der Meisterwerke der Kunst, die sie anhand von Dias und Bilderbüchern lehrt, aus erster Hand zu sehen.)
Ihre Haupterzfeindin ist Betty Warren (Kirsten Dunst), die gut vernetzte Redakteurin der Schulzeitung, die einen gemeinen Angriff auf die Titelseite auf Amanda Armstrong (Juliet Stevenson), eine progressive Krankenschwester mit sotto-voce-lesbischen Neigungen, in Auftrag gibt, um sie herauszugeben Verhütungsmittel für vermutlich promiskuitive Schüler. Betty bekommt Amanda gefeuert und warnt ihren neuen Professor, dass ihre praktische Treuhändermutter ihr genauso viel antun kann, wenn sie es wagt, Betty eine schlechte Note zu geben. Die anderen großen Schülerfiguren sind Joan Brandwyn (Julia Stiles), Katherines klügste Schülerin; Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), das trotzig fakultätsbettende Mädchen auf dem Campus; und Connie Baker (Ginnifer Goodwin), das unsichere Mitläufer der Gruppe. Die jungen Frauen schließen sich alle mit der unverschämt zickigen Betty zum engsten Kreis der Schule zusammen, was zunächst unwahrscheinlich erscheint.
Aber nach und nach wird Betty, die unter der Herrschaft ihrer Mutter kauert, in eine Ehe mit einem treulosen Ehemann gedrängt, von dem sie sich schließlich scheiden lässt – sehr zur Bestürzung ihrer Mutter – und dann nach Greenwich Village flieht, wo sie eine Wohnung mit Giselle teilt . Joan ihrerseits bewirbt sich auf Katherines Vorschlag an der Yale Law School; Sie wird angenommen, lehnt jedoch ab, als sie ebenfalls früh heiratet und ihrem Mann an die University of Pennsylvania folgt, wo er zum Studium der Rechtswissenschaften zugelassen wurde. Katherine ist enttäuscht von Joans Entscheidung, aber Joan erinnert die idealistische Professorin daran, dass sie die Entscheidungen anderer respektieren muss, wenn sie frei sein will, ihre eigenen zu treffen. Katherine befolgt weiterhin ihre eigenen Regeln, indem sie zwei männliche Liebhaber und das Wellesley College selbst verlässt, nachdem die Treuhänder eine Verlängerung ihres Vertrages mit belastenden Bedingungen verbunden haben. Stattdessen begibt sie sich auf eine Reise nach Europa, wo sie vermutlich versuchen wird, sich selbst zu finden.
Eine besonders warnende Figur in dieser feministischen Moralgeschichte ist die unterdrückte und frustrierte Nancy Abbey (Marcia Gay Harden), die die Mädchen in Sprache, Sprechweise, Haltung und Hauswirtschaft unterrichtet. Frau Abbey trägt die Last der wahrgenommenen Absurditäten dieser Zeit, da sie fast buchstäblich am Weinstock verwelkt.
Moan Lisa Smile ist in jeder Hinsicht ein Schatz der Mittelklasse, und ich muss gestehen, dass ich nur allzu erleichtert war, dass keiner der jungen Charaktere Schwangerschaft oder Selbstmord als strafende Melodramen erlebte. Ihr Schuljahr in Wellesley war anstrengend genug.
Mädchen in Perlen
Peter Webbers Mädchen mit dem Perlenohrring scheint den Betrachtern gefallen zu haben, die glauben, dass ein prestigeträchtiges Gemälde unendlich wichtiger ist als ein bloßer Film, der die erhabene Existenz dieses Gemäldes feiert. Folglich neigt eine erstklassige Besetzung dazu, in einen malerischen Kosmos einzutauchen, der die bahnbrechende Häuslichkeit von Vermeers künstlerischer Vision in den Mittelpunkt stellt. Colin Firth als Johannes Vermeer und Scarlett Johansson als seine Magd, Modell und Muse Griet (das Thema des erotisch schwer fassbaren Gemäldes) werden zu gedämpften Figuren in der flämischen Landschaft. Die gedämpfte Unordnung in Vermeers Haushalt wird von seiner kaufmännisch klugen Schwiegermutter Maria Thins (Judy Parfitt) dominiert und von seiner psychisch labilen und häufig schwangeren Frau Catharina (Essie Davis) heimgesucht. Hinzu kommt der wohlhabende und lüsterne Mäzen des Malers, van Ruijven (Tom Wilkinson).
Griet ihrerseits hat alle Hände voll zu tun, Catharinas Eifersuchtswut, van Ruijvens forschendes Tasten und Vermeers durchdringende Augen abzuwehren, die eine kreative Einschätzung ihres inneren Wesens zu bieten scheinen. Griet findet sogar die Zeit, auf die höfischen Annäherungsversuche des ehrenwerten Metzgerjungen Pieter (Cillian Murphy) zaghaft zu reagieren. Leider bricht Frau Johansson in dieser Rolle nie aus ihrer Schale, wie sie es in Sofia Coppolas Lost in Translation tat. Der Film ist dafür der ärmere, Vermeer oder kein Vermeer.
Für 3D wählen Sie M
Anlässlich seines 50-jährigen Jubiläums wird Alfred Hitchcocks Dial M for Murder (1954) im Filmforum vom 2. bis 8. Januar (209 West Houston Street; 212-727-8110) im ursprünglichen 3-D-Format wiederbelebt. Als ich in den 60er Jahren endlich die 3-D-Version sah (mehr als ein Jahrzehnt nachdem ich das Standard-2-D-Format gesehen hatte), bemerkte ich in meiner Village Voice-Kolumne, dass Dial M in 2-D Moll Hitchcock ist; in 3-D ist es Major Hitchcock. Die zusätzliche Dimension nutzte die Grenzen des Films eines eingeschränkten Sichtfelds und eines überfüllten Bühnenbildes aus, indem sie den im ansonsten leeren Raum von 3-D schwebenden Objekten eine unheilvolle Autonomie verlieh.
In diesem gepflegten und gemütlichen Spektakel spielt Grace Kelly Hitchcocks typische blonde Dame in Not; Ray Milland, der höfliche und charismatische Bösewicht; Robert Cummings, ein unbeholfener Ehebrecher, der zum ritterlichen Verteidiger wurde; Anthony Dawson, ein amüsant manipulierter Opportunist, reduziert auf einen unglückseligen Auftragsmörder; und John Williams, ein wunderbar drolliger Inspektor von Scotland Yard, der die Show stiehlt, als alles verloren scheint. Durch die Magie der ultrafunktionalen Inszenierung von Hitch macht das alles richtig Spaß.
Judy ist zurück!
Judy Garland (1922-1969) ist im American Museum of the Moving Image (35th Avenue und 36th Street, Astoria, 718-784-4520) Gegenstand eines funkelnden Neun-Film-Revivals, und es lohnt sich, sie zu sehen mehr oder weniger auf dem Höhepunkt ihres beeindruckenden und jetzt eindringlichen Talents. Mein eigenes Lieblingsfahrzeug von Garland ist Vincente Minnellis Meet Me in St. Louis (1944) (27. und 28. Dezember und 1. Januar). Ich ziehe St. Louis dem weit und breit überbewerteten The Wizard of Oz (1939) von Victor Fleming (20., 21., 26. und 31. Dezember) vor. Tatsächlich bevorzuge ich jeden anderen Garland-Eintrag in dieser Serie Oz , einschließlich eines weiteren aus Minnelli, The Clock (1945) (28. Dezember) und Busby Berkeleys Babes in Arms (1939) (20. und 29. Dezember) und Strike Up the Band (1940) (21. und 30. Dezember). Auch George Cukors A Star Is Born (1954) (3. und 4. Januar) und Charles Walters' Easter Parade (1948) (3. Januar) machten den Schnitt.
Zu Garlands männlichen Gefährten in der Serie gehören Fred Astaire, Gene Kelly, James Mason, Robert Walker und Mickey Rooney – selbst nicht gerade gehackte Leber – ganz zu schweigen von solchen zeitgenössischen Stimmmachern wie Harold Arlen und E.Y. Harburg, Irving Berlin, Hugh Martin und Ralph Blane, Richard Rodgers und Lorenz Hart. Kein Hip-Hop-Virtuose darunter!
Clarion Call
Ellen Drew (1915-2003) ist vor kurzem ohne viel Aufsehen verstorben. Drew kam zu einer Zeit, als ihre Marke für gesundes, gutes Aussehen im Hollywood-Fleischschleifer der 1930er Jahre ein Dutzend war. Es überrascht nicht, dass sie schnell zu stereotypen sonnigen Teilen verurteilt wurde. Vielleicht war der einzige leuchtende Moment in Drews 21-jähriger, 40-Film-Karriere eine Nahaufnahme, die Norma Desmond vor Neid erblassen hätte. Es kommt in Preston Sturges 'Schrauber Büro-und-Nachbarschaft, Tellerwäscher-zum-Reichtum-Komödie Weihnachten im Juli (1940) vor. Dick Powell spielt Drews ehrgeizigen Freund, der fälschlicherweise glaubt, einen Radiowettbewerb mit Kaffee-Slogan gewonnen zu haben, mit dem brillanten Aphorismus Wenn du nicht schlafen kannst, ist es nicht der Kaffee, es ist die Koje. Das Publikum weiß bereits, dass er Opfer eines Streiches von einem Trio von Büroscherzen ist. Aber auch sein Chef wird getäuscht und unser Held wird ins Front Office befördert. Als der Scherz entdeckt wird und der Chef die Beförderung zurückziehen will, tritt die Freundin des armen Kerls (Drew), die den ganzen Film über süß an seinem Arm hängt, plötzlich vor und verschlingt den gesamten Bildschirm mit einem leidenschaftlichen Plädoyer für ihrem Freund und all den jungen Männern, die bei ihrer Suche nach dem großen Preis nie eine Chance haben, auch nur zu scheitern. Drews emotionaler Ausbruch ist im Kontext dieser witzigen, aber abgedrehten Farce ein Wahnsinn, und er hallt 63 Jahre später immer noch auf der Leinwand wider – ein proletarischer Aufruf an Amerika, seinem Ruf als Land der unbegrenzten Möglichkeiten gerecht zu werden. Danke, Ellen Drew.
