In seinem charakteristischen breitkrempigen Hut und kunstvoll drapierten Kleidern, Jonathan Wilson steht im Herzen des neuen Gebäudes der Art Gallery of New South Wales in Sydney. Wilson ist der Musik- und Community-Kurator der Institution und spricht leidenschaftlich über seinen Job, indem er seine Rede mit Namen unbekannter Künstler, Filmreferenzen, historischen Fakten, Metaphern und Gleichnissen würzt. Als einer der weltweit wenigen Musikkuratoren in einem Kunstmuseum von Weltrang sticht Wilson heraus – sowohl optisch als auch in der aktuellen institutionellen Landschaft.
„Meine Rolle ist einzigartig“, sagt er gegenüber Observer. „Ich habe einen Abschluss in Bildender Kunst; Ich habe auch eine Plattenfirma geleitet, ich habe Fernsehmusiken geschrieben und ich habe ein Verständnis dafür, wie diese Dinge in Symbiose funktionieren können.“ Wilson arbeitet seit 2016 mit der Galerie im Bereich Community-Engagement zusammen. Seit Beginn seiner neuen Rolle im Jahr 2022 ist Wilson in allen Bereichen an der Programmgestaltung des Museums beteiligt: Er verleiht Ausstellungen Klang, gestaltet Musikveranstaltungen zur Einbettung in die verschiedenen Galerien und arbeitet mit Künstlern zusammen. „Ich verbringe ungefähr dreißig Stunden pro Woche damit, neue Musik zu finden und zu verstehen“, sagt er. „Ein weiterer großer Teil besteht darin, viel über Musik zu schreiben und Zeit mit Künstlern und Kuratorenkollegen zu verbringen, um über ihre Programme zu sprechen.“
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Sein erstes Projekt als Musikkurator beinhaltete die Auftragserteilung von drei Musikstücken zur Begleitung von „Affinities and Resonances“, einer Ausstellung mit Werken des amerikanischen Konzeptkünstlers Sol LeWitt . Bei der Arbeit an dem Projekt brachte Wilson in einer Aktion, die zu seinem Markenzeichen werden sollte, Schöpfer zusammen, die in verschiedenen Teilen der Welt lebten, aber Gemeinsamkeiten hatten oder eine Geschichte auf neuartige Weise erzählen konnten. Das Ergebnis ist die Gemeinschaftsarbeit von drei US-amerikanischen und drei indigenen australischen Komponisten – Gitarrist und Komponist Chuck Johnson mit Yuin Musiker Josh Paton ; New Yorker Indie-Rockmusiker Steve Gunn mit Murri-Künstler Amby Downs ; und texanischer Musiker Claire Rousay mit Yuin-Künstler E. Fishpool – standen den Besuchern über Kopfhörer zur Verfügung, während sie sich durch LeWitts großformatige, partiturartige Werke bewegten.
Die kreative Leitung führte den thematischen Faden der Kombination von LeWitts Werken mit den Gemälden des Malers aus Central Desert, Northern Territory, fort Emily Kame Kingwarreye , dessen Kunst LeWitt kannte und sich von ihr inspirieren ließ. „Es gab diese unglaubliche Geschichte zwischen dieser Künstlerin im Zentrum von New York, dem Zentrum der Kunstwelt, und einer indigenen Künstlerin, die in ihrer abgelegenen Gemeinde arbeitet“, sagt Wilson. „Deshalb haben wir US-amerikanische und indigene Künstler zusammengebracht, um zu zeigen, dass diese Vision zweier Künstler, die sich an einem anderen Punkt der Geschichte treffen und zusammenarbeiten, jetzt durch Musik ermöglicht werden kann.“
Diese besondere Art kultureller Nuance prägt seitdem Wilsons Arbeit. Am Eingang zum Südgebäude des Museums, in dem einheimische Künstler ausgestellt sind, werden die Besucher über im Flur versteckte Lautsprecher einem von ihm in Auftrag gegebenen und strategisch platzierten Audiostück ausgesetzt: dem 10-minütigen „ Kammerförderer “ vom zeitgenössischen Sänger Dharawal Sonya Holowell . „Ich finde es schön, dass die Wirkung des Klangs so beeindruckend sein kann, wie man möchte – manche Leute bleiben stehen, andere schenken ihm kaum Aufmerksamkeit“, sagt Wilson. Aber, fügt er hinzu, ein Klangstück an einem normalerweise ruhigen, feierlichen Ort mache einen Unterschied. „Viele Menschen kommen in Museen und möchten oft nur ein Foto von den Kunstwerken machen, anstatt Zeit mit der Kunst zu verbringen. Die richtige Musik kann einen wirklich durch diese Räume führen.“
Gelegentlich besteht Wilsons Rolle darin, Live-Musik auf neue und kreative Weise in den Museumswänden zu platzieren. Letztes Jahr gewann er mit Solange einen Traumpartner, der als Headliner fungierte Volumen , das neue und ambitionierte Musik-, Film- und Performance-Festival der Art Gallery of New South Wales. Der talentierte Multihyphenat, den Wilson als „einen der am meisten unterschätzten zeitgenössischen Künstler unserer Zeit“ ansieht, hatte speziell für das Festival Musik geschaffen und habe es durchgeführt im Tank, einem echokammerähnlichen Aufführungsraum, der Teil des neueren modernen Flügels des Museums geworden ist.
In jüngerer Zeit moderierte er Live-Shows der australischen Gruppe Ensemble Offspring und des in Chicago ansässigen, mit einem Grammy ausgezeichneten Kammermusiksextetts Eight Blackbird, um einem hörbare Energie einzuhauchen Wassily Kandinsky Die aktuell gezeigte Ausstellung weist darauf hin, dass es manchmal nicht nötig ist, das Rad völlig neu zu erfinden. „Bei Kunst auf der ganzen Welt geht es vor allem darum, Dinge zu untergraben, wenn es möglich ist, aber es gibt auch die Möglichkeit, sicherzustellen, dass das Werk im Einklang mit seinem eigenen Raum steht“, sagt Wilson. „Ich habe mit Musikern zusammengearbeitet, die nicht versucht haben, die Erzählung dieser 100 Jahre alten Gemälde zu ändern, sondern einfach nur sicherstellen wollten, dass wir ihr einen anderen Blickwinkel geben. Ich hatte nicht vor, ein Hip-Hop-Erlebnis mit Kandinsky zu verbinden.“
Auf die Frage nach dem anhaltenden Trend zu immersiven, video- und audiobasierten „Erlebnissen“ berühmter Künstler – Van Gogh, Picasso und Frida Kahlo, um nur einige zu nennen – wägt Wilson zunächst seine Worte ab und entscheidet sich schließlich für Offenheit: „Ich bin Ich bin davon nicht so begeistert“, sagt er, „denn es gibt großartige zeitgenössische Künstler wie Tobias Gremmler, die solche Dinge in großem Maßstab machen.“ Wir sollten darauf achten, dass sie neue Picassos und Van Goghs schaffen, anstatt zu versuchen, bestehende zu digitalisieren. Es ist interessanter zu sehen, wie jemand bis an die Grenzen geht.“
Während Wilsons Rolle in der Kunstwelt derzeit eher selten ist – die meisten Musikkuratoren an Kunstinstitutionen beaufsichtigen Abteilungen, die entweder Musikartefakte ausstellen oder Musikgeschichte oder -theorie dokumentieren –, sieht er eine wachsende Neugier gegenüber Musik als ihrer eigenen künstlerischen Form. Er weist unter anderem darauf hin Taja Cheek , Komponist und Kurator, der unter dem Namen L’rain Musik kreiert und Gastkurator der diesjährigen Whitney Biennale ist, als Beispiel für einen neuen Weg, den die Beziehung zwischen Musik und Kunst einschlägt. „Ich sehe einen echten Einfluss der Musik als eine Form außerhalb des Unterhaltungsbereichs. Musik ist kein transaktionales Erlebnis, es geht nicht nur um Unterhaltung“, sagt Wilson. „Ich versuche Orte zu finden, an denen Menschen das Museum mit einem konzeptionellen Rahmen verlassen, der zu ihrem Gesamterlebnis beiträgt. Es ist ein interessanter Ort.“
