Steven Spielbergs München nach einem Drehbuch von Tony Kushner und Eric Roth, basierend auf dem Buch Vengeance von George Jonas, ähnelt anderen bedeutenden Filmen der jüngeren Vergangenheit: Es ist überlang, psychologisch unkonzentriert, thematisch hinterhältig und in seinem Krypto-Pazifismus seltsam anachronistisch. Schon vor seiner offiziellen Veröffentlichung hatte es heftige Kontroversen zwischen sogenannten Zionisten und Antizionisten, Israelis und Palästinensern und, wie immer, zwischen denen, die Auge um Auge inbrünstig glauben, und denen, die das vorgeben, ausgelöst rachsüchtige Gewalt erzeugt nur noch mehr Gewalt. Bevor ich München sah, hatte man mich in der Tat glauben lassen, dass Herr Spielberg, Herr Kushner und Herr Roth behaupteten, dass sich die israelische Vergeltung für das Münchner Massaker an israelischen Sportlern in diesem Fall als unüberlegt, sinnlos und sinnlos erwiesen hat sogar kontraproduktiv. Daraus hätte sich also ergeben, dass der Horror des Massakers selbst im Film heruntergespielt würde.
Daher war ich überrascht, als ich feststellte, dass Herr Spielberg den Film von Anfang bis Ende mit traumatischen Nachstellungen des Terroranschlags auf israelische Athleten im Münchner Olympiadorf vom 6. September 1972 durchtränkt hatte, der von einer palästinensischen Gruppe namens Schwarzer September und das alles vor einem auf 900 Millionen Zuschauer weltweit geschätzten Fernsehpublikum.
Sicherlich hätte Herr Spielberg angenommen, dass die 33 Jahre, die seit diesem schrecklichen Ereignis vergangen sind, dazu geführt haben könnten, dass seine moralischen Lektionen, wenn überhaupt, in den Erinnerungen derer verblassen, die zu dieser Zeit alt genug waren, um zu verstehen, was direkt davor geschah ihre medienverglasten Augen. Daher müssen Menschen, die jetzt Anfang 30 oder jünger sind, das Ereignis nicht als Erinnerung, sondern als Geschichte behandeln.
In der Zwischenzeit kursierten Gerüchte und es wurden sogar Bücher über die verdeckten israelischen Repressalien gegen die Terroristen des Schwarzen Septembers geschrieben. Das Vorwort des Films besagt, dass er von realen Ereignissen inspiriert wurde. Das Codewort inspiriert erlaubt einige (aber nicht viel) erzählerische Stickereien der etablierten Fakten. Wie Todd McCarthy von Variety in seiner einfühlsamen Rezension feststellt:
George Jonas' umstrittener Wälzer Vengeance wurde bereits 1986 für den gut aufgenommenen HBO-Fernsehfilm Sword of Gideon unter der Regie von Michael Anderson und geschrieben von Chris Bryant über eine fünfköpfige Kommandoeinheit adaptiert, die von der israelischen Regierung inoffiziell zum Attentat entsandt wurde die elf palästinensischen Terroristen, die als Rädelsführer bei den Morden an elf israelischen Olympiateammitgliedern identifiziert wurden.
Herr Spielberg und seine Szenaristen haben aktuelle Fernsehaufnahmen der Zeit (mit ABC-Moderator Jim McKay und seinen damaligen Assistenten Peter Jennings und Howard Cosell) mit Nachstellungen der Vergeltung kombiniert, die von der israelischen Premierministerin Golda Meir in Gang gesetzt wurde ( Lynn Cohen) und Mossad-Fallbeauftragter Ephraim (Geoffrey Rush). Der Mann, der ausgewählt wurde, um die Mission zu leiten, ist Avner (Eric Bana), ein ehemaliger Mossad-Agent und Leibwächter von Meir, der sich liebevoll an Avners Vater erinnert. Der israelische Ministerpräsident hatte sich geweigert, mit den Terroristen über ihre Forderungen nach der Freilassung von 234 palästinensischen Häftlingen sowie den deutschen Linksterroristenführern Andreas Baader und Ulrike Meinhof zu verhandeln. In einem interessant schrägen Gespräch zwischen Ephraim und Avner erklärt Ephraim den wahren Grund, warum Premierminister Meir nicht an der öffentlichen Beerdigung der getöteten israelischen Sportler teilnahm. Ihr offizieller Grund war der Tod eines Verwandten, aber ihr eigentlicher Grund, versichert Ephraim Avner, sei, dass sie nicht öffentlich ausgebuht werden wollte, weil sie sich weigerte, mit den Terroristen um das Leben der israelischen Sportler zu verhandeln. Es ist fast so, als wollten Herr Spielberg und seine Szenaristen eine Parallele zwischen dem Trotz von George W. Bush und dem von Golda Meir herstellen, als sie erklärte: Vergiss den Frieden, wir müssen ihnen zeigen, dass wir stark sind.
Avner wird angewiesen, dass er bis zum Abschluss seiner Mission von jeglicher Verbindung zum Mossad oder einer anderen israelischen Regierungsbehörde getrennt ist. Avner ist ganz allein, hat vier Kollegen und einen unbegrenzten Geldbetrag, der bei Bedarf von einer Schweizer Bank abgehoben wird. Das bedeutet, seine schwangere Frau Daphna (Ayelet Zurer) zurückzulassen, ohne ihr zu sagen, wohin er geht oder etwas über seine Mission zu sagen. In Europa stellt er seine Crew zusammen: den erfahrenen Auftragsmörder und gelegentlichen Hitzkopf Steve (Daniel Craig), den vorsichtigeren Aufräummann Carl (Ciaran Hinds), den Sprengstoffexperten Robert (Mathieu Kassovitz) und den Dokumentenfälscher Hans (Hanns Zischler).
Ihr erstes Ziel ist ein sympathisch präsentierter palästinensischer Literaturübersetzer mit Sitz in Rom, den die Gruppe ohne allzu große Schwierigkeiten entsendet. Ihr zweites Ziel ist jedoch eine kompliziertere Angelegenheit in seiner luxuriösen Pariser Wohnung, dank des unvorhersehbaren Kommens und Gehens einer Frau und einer kleinen Tochter. Wir bekommen hier die ersten Andeutungen, dass die Mitglieder der Gruppe nicht allzu rücksichtslos sind, weil sie im Zuge der Attentate unschuldige Zivilisten nicht töten oder verletzen. Außerdem können sie in ganz Europa herumstreifen, aber nicht in einem arabischen Land oder in der Sowjetunion.
Dennoch ist eine der unterhaltsamsten Qualitäten des Films die Simulation des Straßenlebens in so unterschiedlichen Städten wie Genf, Paris, Beirut, Tel Aviv, Athen und London, wobei das Wesentliche jeder Stadt fachmännisch an den tatsächlichen Drehorten der Produktion in Malta, Ungarn und Frankreich. Egal – Mr. Spielberg zeigt eine Affinität zum Schelmenken, die höchsten Ansprüchen des Genres gerecht wird. Während die Tötungen und versuchten Tötungen immer weitergehen, nehmen die Spannungen innerhalb des Teams zu. Als drei der am Tatort festgenommenen palästinensischen Attentäter des Schwarzen Septembers nach der Entführung eines Lufthansa-Flugzeugs freigelassen und dann im libyschen Fernsehen als erobernde Helden gefeiert werden, fordern einige Mitglieder des Killerteams Avner auf, ihre offiziellen Anweisungen nicht zu missachten in einem arabischen Land tätig zu sein. Als Avner sich weigert, beginnen die schlechten Gefühle innerhalb der Gruppe zu eitern. Es stellt sich bald heraus, dass Avner selbst Informationen über die Ziele der Gruppe von einem mysteriösen französischen Agenten namens Louis (Matthieu Amalric) erhält, dessen Identität Avners eigenen Verbündeten zu ihrem Missfallen vorenthalten wird.
Inzwischen bringt Avners Frau ein kleines Mädchen zur Welt, dessen Nachricht Avner am Boden zerstört und seine Zweifel an der ganzen Mission verstärkt. Das Problem mit Avner als Charakter ist jedoch, dass er abgesehen von seiner ständig unruhigen Haltung niemanden hat, mit dem er seine eigenen Gefühle sicher kommunizieren kann. Dies ist auch das Problem mit den anderen Teammitgliedern, deren innere Gefühle in die erzwungene Geheimhaltung der Mission gehüllt sind. Dann gibt es die mysteriösen französischen Quellen, Louis und Papa (Michael Lonsdale) und dessen kryptische Aphorismen des Herren des Herrenhauses über seine Beteiligung am internationalen Spionagespiel. Mr. Amalric und Mr. Lonsdale, zwei der klügsten Talente Frankreichs, scheinen die kleine ironische Laune, die es in diesem düsteren Geschäft gibt, zu monopolisieren.
Eine der gemeinsten und scheinbar ausbeuterischsten Sequenzen beinhaltet eine Möchtegern-Bar-Pickup namens Jeanette (Marie-Josée Croze), die erfolglos versucht, Avner zu verführen. Avner warnt Carl später vor der Verführerin in der Bar – aber ohne Erfolg, denn Carl wird am nächsten Morgen tot in seinem Hotelzimmer aufgefunden, mit dem unverwechselbaren Parfüm des Barmädchens im ganzen Raum. Um Jeanette ausfindig zu machen und Carl zu rächen, wendet sich Avner erneut an Louis, um den Tipp zu erhalten, der Jeanette in ein holländisches Hausboot bringt und auf ihre vielen internationalen Verbindungen zurückführt (einschließlich, wenn ich mich richtig erinnere, die C.I.A.). Drei der vier überlebenden Teammitglieder konfrontieren Jeanette in ihrem Hausboot und töten die halbnackte Femme Fatale sehr langsam mit einer bizarren Kombination aus Kugeln und einem Giftpfeil. Es ist, als wären wir plötzlich in einen Film über Ritualmörder gestürzt. Später bedauert eines der Teammitglieder, dass sie Jeanette getötet haben.
Der Punkt ist, dass die Figur von Frau Croze scheinbar unentgeltlich in den Film eingefügt wurde, um ein klein wenig Sensation in das ansonsten monoton von Düsterkeit und Selbstzweifeln geprägte Vorgehen zu bringen. Keine der Rezensionen, die ich bisher gelesen habe, hat diese Szene erwähnt, die mir aus irgendeinem Grund wegen ihrer auffallend sadistischen Selbstnachsicht in der Pathologie des Hasses in Erinnerung geblieben ist.
Von diesem Zeitpunkt an beginnen die Jäger wie die Gejagten zu fallen und die Morde gehen auf beiden Seiten an Krisenherden wie Nordirland und Vietnam weiter. In einem Zustand völliger moralischer Verwirrung verlässt Avner sein Team, den Mossad und Israel selbst für ein neues Leben in Brooklyn mit seiner Frau, seinem Kind und seiner Mutter (Gila Almagor). Aber der Horror des 6. September 1972 in München wird ihn nie verlassen, wie eine bereits umstrittene Sequenz zeigt, die das nachgestellte Gemetzel der israelischen Athleten mit seinem eigenen rasenden Orgasmus auf dem Höhepunkt seines Liebesspiels in Brooklyn mit synchronisiert seine offensichtlich besorgte Frau.
Herr Spielberg, Herr Kushner und Herr Roth haben sich entschieden, alle Zweifel und Zögern über den Einsatz von Terror auf israelischer Seite zu zeigen, aber was ist mit der palästinensischen Seite? Gibt es da Zweifel und Bedenken? Herr Spielberg und Co. sagen nichts. Sie wurden zu Recht dafür gelobt, dass sie die Palästinenser nicht dämonisieren und sich nicht gedankenlos über die Rache der Israelis freuen. Aber ist dies eine ausreichende Aussage über die Sackgasse zwischen Israel und den Palästinensern, die bis heute andauert? Herr Spielberg und Co. sind eindeutig gegen Gewalt in den Angelegenheiten von Männern und Nationen – dennoch erinnere ich mich an George Orwells berühmten Essay über Gandhi und seinen Aufruf zur Gewaltlosigkeit, um Indien von der britischen Herrschaft zu befreien. Orwell bemerkte, dass Gandhi sich auf einen Ausbruch empörter Weltmeinung verließ, um ihm zu helfen. Das sei alles sehr gut, argumentierte Orwell mit einer vergleichsweise milden Kolonialmacht wie Großbritannien. Aber was wäre, wenn Gandhi es in Josef Stalins Sowjetunion versucht hätte? In einem sibirischen Gulag wäre er in kürzester Zeit zum Schweigen gebracht worden.
Ich erinnere mich auch an ein anderes München im Jahr 1938, als der englische Premierminister Neville Chamberlain, der französische Premier Edouard Daladier und der deutsche Bundeskanzler Adolf Hitler ein Abkommen aushandelten, das, wie Chamberlain der jubelnden britischen Menge sagte, Frieden in unsere Zeit bringen würde. Ich erwähne dieses andere München, weil ich denke, dass Herr Spielberg anmaßend ist, den Israelis und dem Rest von uns im heutigen München Frieden und Gewaltlosigkeit zu predigen, als das erste München unaufhaltsam den Holocaust produzierte.
Langsamer Westen
Tommy Lee Jones’ The Three Burials of Melquiades Estrada nach einem Drehbuch von Guillermo Arriaga entpuppt sich als buchstäblich langsamer Western, der sich so mühsam abspielt wie sein Titel. In der anhaltenden Debatte über illegale Einwanderer, die über unsere Grenze zu Mexiko strömen, gibt dieser Film alles, um die US Border Patrol zu einem kollektiven Bösewicht zu machen, der darauf aus ist, wirtschaftlich verarmte, aber spirituell edle Mexikaner zu verfolgen, die einfach versuchen, sich ein besseres Leben zu verschaffen in Amerika, dem Land der Einwanderer. Tommy Lee Jones spielt einen lakonischen Ranchvorarbeiter namens Pete Perkins, der sich mit einem mexikanischen Rancharbeiter namens Melquiades Estrada (Julio Cesar Cedillo) anfreundet. Die beiden schließen eine ungewöhnliche Freundschaft, zu der auch die Unterbringung williger junger Frauen in einem örtlichen Motel gehört. Melquiades lässt Pete versprechen, dass er im schlimmsten Fall dafür sorgen wird, dass Estrada auf dem von ihm so liebevoll beschriebenen mexikanischen Hügel begraben wird.
Aber als der Rancharbeiter gefunden wird, nachdem er versehentlich von einem Grenzpolizisten namens Mike Norton (Barry Pepper) getötet wurde, wird er schnell nicht ein, sondern zweimal begraben, ohne dass eine offizielle Untersuchung des Verbrechens erfolgt. Pete ist nicht zufrieden, dass sein mexikanischer Freund von der Grenzpatrouille gerecht behandelt wurde, und er macht sich daran, die Angelegenheit zu korrigieren, indem er Norton entführt, ihn zwingt, Melquiades aus seinem Grab zu graben, und Norton dann dazu zwingt, Pete und die anderen zu begleiten Leiche zum gewünschten Begräbnisplatz des Opfers – ein Ort in Mexiko, den Pete noch nie gesehen hat – und verwendet nur eine grobe Karte, die von dem unglücklichen Mexikaner gezeichnet wurde. Und so beginnt die lange Odyssee zweier Männer mit einer Leiche.
In einigen Rezensionen wurden angeblich vergleichbare Western wie John Fords The Searchers (1956) und Sam Peckinpahs Ride the High Country (1962) erwähnt. Auf keinen Fall, Jose – diese erhabenen Dämmerungssagas alternder, aber immer noch unbezähmbarer Actionhelden haben wenig mit den morbiden quixotischen (wenn auch lobenswert fortschrittlichen) Three Burials gemein. Was Mr. Jones' Film eher ähnelt, ist der belgische Arthouse-Hit The Promise (La Promesse) von 1996 von Jean-Pierre und Luc Dardenne, in dem der 15-jährige Sohn eines Ausbeuters illegaler Einwanderer seinem Vater die Stirn bietet ein Versprechen zu halten, das er einem afrikanischen Arbeiter gegeben hatte, als er bei einem Bauunfall im Sterben lag, sich um seine Frau und sein Kind zu kümmern. Dennoch beinhaltet The Promise die Verpflichtung eines jungen Mannes gegenüber der lebenden Familie eines Toten, nicht die bevorzugte Begräbnisstätte eines Toten.
Was die Sache noch schlimmer macht, ist, dass Mr. Jones und Mr. Arriaga Norton und seine beschissene Frau Lou Ann (January Jones) grob karikiert haben, was einem Fall von umgekehrtem Rassismus gleichkommt. Mr. Arriaga sind verschlungene Erzählungen nicht fremd, wie seine früheren Drehbücher zu Alejandro González Iñárritus Amores Perros (2000) und 21 Grams (2003) zeigen. Dennoch hält Mr. Jones fast alle Teile der stolz gebrochenen Erzählung zusammen mit der Überzeugungskraft und Überzeugung seiner Hauptdarbietung, und Melissa Leo, Dwight Yoakam und Levon Helm sind unvergesslich in Nebenrollen.
Die F-Bomben von Dame Judi
Mrs. Henderson Presents von Stephen Frears nach einem Drehbuch von Martin Sherman entpuppt sich als schlampiges Varieté der glorreichen Trouper Judi Dench und Bob Hoskins in einer albernen Orgie aus nostalgischem Patriotismus und der prickelnden Frechheit stationärer Nacktheit. In der Tat mag die Saga des ehrwürdigen Windmill Theatre, das während des Londoner Blitzes geöffnet blieb, manche Leute dazu bringen, aufzustehen und There'll Always Be an England zu singen, aber ich habe den größten Teil meiner Anglophilie auf Celia Johnsons mitreißenden Toast auf mein schlimmster Feind - dieses Schiff und alle, die darauf segeln in David Lean und Noel Cowards In Which We Serve (1942) und Laurence Oliviers St. Crispin's Day Speech in Henry V (1944).
Christopher Guest verdient eine Erwähnung für seinen wählerischen Lord Chamberlain, der es zulässt, dass die botticellianische Nacktheit auf der Windmill-Bühne gedeiht, solange sie leinwandartig in ihrem Rahmen bleibt, während Kelly Reilly (als lebendigstes Stillleben, Maureen) zum Vorschein kommt ein böses Ende im Blitz, um ein paar Tränen unter all das Kichern zu mischen.
Ich muss gestehen, dass ich etwas amüsiert war über die Straflosigkeit, mit der Dame Judy heutzutage mit dem einst gefürchteten F-Wort herumschwirrt und einen Witz über die Beschneidung eines Mannes macht, als David O. Selznick 1939 auf die Hände fallen musste und kniet nieder, um das Breen-Büro anzuflehen, ihm zu erlauben, dass Clark Gable in Vom Winde verweht zu Vivien Leigh sagt: Ehrlich gesagt, meine Liebe, ist mir das scheißegal. Oh, wie weit wir in diesen über 60 Jahren fortgeschritten sind. Aber warum bin ich nicht viel glücklicher?
