Das neue Stone Temple Pilots-Album Shangri-LA DEE DA (Atlantic) wirft die Frage auf: Kann man einem alten Hund beibringen, neue Tricks abzuzocken? Einst das Thema der giftigen Schimpfworte aller selbstgerechten Indiebots, die versuchten, es im Goldrausch nach dem Nirvana echt zu halten, haben S.T.P., wie das Radon in Ihrem Keller, irgendwie überdauert. Eines Tages könnten sie sogar Aerosmith als die großen alten Poseure des Hardrock verdrängen. Bis auf ein paar bittere Wenige werden bis dahin alle vergessen haben, wie verachtet die Band in ihrer stilprägenden Blütezeit war, als die Nachahmung von Leadsänger Scott Weiland als Eddie Vedder Rich Little Schritte hörte und es weder eine Note noch einen Text, keinen Blick oder eine Geste gab diese Burschen boten das an, was nicht ganz, schrecklich abgeleitet schien.
Älter, klüger, möglicherweise entgiftet, S.T.P. zumindest ihren Aneignungshorizont erweitert haben. Das Aufgeben von Dope und das Erweitern Ihrer Plattensammlung garantiert nicht die Langlebigkeit Ihrer Band, aber Shangri-LA DEE DA ist ein vielversprechender Anfang. Obwohl einige der Songs, darunter Dumb Love, sind, wie Mr. Weiland es ausdrückte, Vintage-S.T.P. (was vielleicht Vintage Alice in Chains bedeutet), hat die Band eindeutig von einem Virgin Megastore-Binge profitiert. Die Liste der Einflüsse – von den Beatles über Zeppelin bis hin zu Todd Rundgren, laut Pressemitteilung des Albums Bossa-Nova-Pionier Antonio Carlos Jobim – verdeutlicht einmal mehr den schmalen Grat zwischen Eklektizismus und Absicherung.
Nach mehrmaligem Hören hat dieses Album eine seltsame Wirkung. Abscheu kann leicht nachlassen und eine gewisse Wertschätzung für die geschickte Manipulation vertrauter Geräusche kann auftreten. Schwangere Frauen können sogar sicher mit A Song for Sleeping, Weilands Ode an seinen neugeborenen Sohn umgehen, und eingefleischte Vasoline-Ära könnten eine Midlife-Crisis-Erleichterung in dem Beil-Job finden, den das Rock-Boy-Peitschenmädchen Courtney Love in Too Cool Queenie (Sie bekam wirklich berühmt/Und machte viel Geld/Und einige von ihm auch). Die unaufrichtige Hagiographie von Kurt Cobain (He was not half bad/At save the world) ist nicht der einzige falsche Zug in diesem Song. Days of the Week, eine Art Friends-Thema ablehnen, ist nur eingängig wie ein Nagel, der aus einem Türrahmen ragt. Aber Shangri-LA DEE DA, so kitschig und knirschend es nur sein mag, besitzt einige echte Pop-Rock-Momente, die am besten in Wonderful und Bi-Polar Bear gezeigt werden. S.T.P. hatte nie Integrität, aber vielleicht haben sie etwas Würde gewonnen, indem sie immer noch versucht haben, es überhaupt zu versuchen, jetzt, da selbst die Poser aufgehört haben, über all die Poseure da draußen zu jammern.
- Sam Lipsyte
Nuggets II: Flohmarkt
Zunächst einige Fakten zu Nuggets II: Original Artyfacts From the British Empire and Beyond (Rhino). Wie sein Vorgänger – selbst eine erweiterte Version des epochalen 1972er Doppelalbums der frühen amerikanischen Psychedelia, das von Lenny Kaye zusammengestellt wurde – ist es eine Ausgrabung von Dutzenden seltener Singles von angeblich Garage-Rock-Bands aus den Jahren 1964-69 auf vier CDs. Die Aufgabe hier besteht darin, internationale Analogien wie die Standells hervorzuheben. Die einzigen auf diesen CDs enthaltenen Melodien, die hier in die Charts kamen, sind Status Quo’s Pictures of Matchstick Men und Easybeats’ Friday on My Mind. Die Eröffnungsmelodie, die Creation’s Making Time, ist am besten als Grundton von Rushmore bekannt. Und das war es auch schon für die staatliche Anerkennung.
Noch mehr als der aufstrebende Punkrock, der auf Nuggets I gesammelt wurde (der 1998 erweitert wurde), werden Singles britischer, europäischer, südamerikanischer und asiatischer Garagenrock-Bands durch die Art von Unzufriedenen fetischisiert, die man auf der WFMU Record Fair herumtreibt. Ich vermute, dass dies damit zu tun hat, dass der Korpus von Nuggets I nicht mehr ganz ihnen gehört: Die Ungewaschenen (oder, in Bezug auf die hygienischen Gewohnheiten dieser Art von Plattensammlern, die gewaschenen) können wissen, was mit LAs Musik los ist Machine, also geht es weiter zu Aucklands La De Da's und Amsterdams The Zipps. Jetzt, mit der Veröffentlichung von Nuggets II, müssen sie die Swap-Treffen in Mikronesien treffen.
Das Seltsame an Nuggets II ist, wie ähnlich die Songs klingen. Es ist unumgänglich zu beklagen, wie die kulturellen Unterschiede der Länder durch den Kapitalismus abgeflacht werden. Aber die hier vorgelegten Beweise deuten darauf hin, dass in den nie zu beschmutzenden 1960er Jahren das unmittelbare musikalische Erbe der Beatles, Rolling Stones, Who, Kinks und Yardbirds weitgehend keine Heterogenität, sondern Homogenität förderte.
Es gibt eine Menge großartiger Melodien darin, darunter Crawdaddy Simone von den Syndicats und I Am Just a Mops aus Japans The Mops – zwei der verrückteren Songs der Zeit. Die Move’s I Can Hear the Grass Grow, die Small Faces’ My Mind’s Eye und die Jury’s Who Dat sind trittsicher. Jede dieser vier Scheiben reiner, fieser Rock-Action würde auf einer Dachparty grandios klingen: Garagenrock macht mehr Spaß als etwa intelligente Tanzmusik.
Aber man fragt sich, warum nicht mehr dieser Bands lokale Einflüsse mit einfließen ließen, wie es Brasiliens Os Mutantes über Bat Macuma taten. Glauben Sie mir, vier CDs voll mit Neandertaler-R&B und Psychedelia sind eine feine Sache. Aber nur ein fast zertifizierbarer 60er-Musiksupremacist würde Nuggets II nicht als leicht betäubend empfinden.
– Rob Kemp
Thelonious Monk: Gerade, mit Jäger
Da sie selten die Rechte an dem gesamten aufgezeichneten Werk eines Jazz-Unsterblichen haben, packen Plattenfirmen gerne neu und behaupten, wenn auch nur implizit, dass dies die wesentliche Epoche der Künstlerkarriere ist. Im Fall des neuen Drei-CD-Thelonious Monk-Boxsets The Columbia Years: 1962-1968 wäre das eine Behauptung. Die früheren Monk-Boxen – die Blue Note mit vier CDs, die seine ersten Aufnahmen von 1947-1952 enthalten, und die Riverside-Box mit 15 CDs, die 1955 bis 1962 umfasst – sind die Hauptader seiner formal genialen Kompositionen, Vitrinen für seine stacheligen , perkussive und ganz eigene Herangehensweise an das Klavier. (Wer mit seiner Musik nicht vertraut ist, könnte versuchen, sich etwas zwischen Erik Satie und dem Folk-Blues vorzustellen.)
Aufgrund des Rückstands zwischen Genie und Anerkennung arbeitete Monk relativ im Dunkeln an den frühen Meisterwerken. Der Vertrag mit Columbia signalisierte seine Ankunft im Großen und umgekehrt seinen drohenden Sturz in die kritische Gnade. Er spielte immer noch wunderbar, aber im Gegensatz zu den vielfältigen musikalischen Vertonungen der letzten Jahre hatte er sich mit seinem Tenorsaxophonisten Charlie Rouse in einen komfortablen und mitunter vorhersehbaren Quartett-Groove eingelebt. Rückblickend schätzen wir, dass er auf einen völligen Rückzug aus dem Musikleben zusteuerte, den stillen 70ern, die seinem Tod 1982 vorausgingen. Mit einem künstlerischen Touch beginnt die erste CD der Neuauflage mit einem vier Sekunden langen Fragment von Monks Gemurmel, I'm berühmt. Ist das nicht eine Hündin?
Was das Set so überraschend befriedigend macht – sowohl als Werk des historischen Revisionismus als auch als Sammlung brillanter Musik – ist, was abgezogen und nicht hinzugefügt wurde. Durch die Komprimierung von Monks weitläufigem Columbia-Output auf drei Discs hat Orrin Keepnews, der Reissue-Produzent und Monks Original-Produzent bei Riverside, die Wiederholungen und Longueurs eliminiert, die Monk der 60er Jahre so problematisch machten. Vielfalt wurde erfolgreich nachgerüstet. Monk klingt schlau und betörend auf den Quartettstücken auf CD 1 (versuchen Sie es mit Ugly Beauty); Brennen auf Blue Monk, einem der Bigband-Stücke auf CD 2; und entspannt und weitläufig mit dem Klarinettisten Pee Wee Russell bei einer konzertanten Aufführung von Nutty von der letzten Live-CD.
Dennoch scheint die Columbia-Neuauflage dazu bestimmt, im Schatten der Blue Note- und Riverside-Boxen zu leben. Aber das ist für ein Jazzalbum ein sehr ehrenhafter Ort.
– Joseph Hooper
Die Ramones: Jive Talkin'
Manche Bands brauchen eine ganze Karriere, um einen Sound abzurunden, aber nicht die Ramones. Wie Neu! hatten sie es mit den ersten paar Drumbeats im Jahr 1976 im Griff. Wie die kürzlich erschienene Neuauflage ihrer ersten vier LPs ( Ramones , Leave Home , Rocket to Russia und Road to Ruin , die verschiedene Demos und Singles enthalten ) von Rhino Records zeigt und in einem Fall ein ganzes Konzert), drehte sich der Rest ihrer Karriere um Finesse – kein Begriff, der oft mit Punk in Verbindung gebracht wird. Dass sie weitere 25 Jahre geduldet wurden, zeugt von dem guten Willen, den die cartoonartige Band trotz der Kämpfe und der Nazi-Ikonographie hervorrief.
Über die Possenreißer der Band wurde viel geschrieben, aber man muss bedenken, woraus sie geboren wurde: eine liebevoll-ironische Akzeptanz der amerikanischen Graffiti-Kultur ihrer Jugend, die auf das Kiddie Kustom Kar Kommando, das Fonz, reduziert wurde. Ihr ganzes Gerede über Sedierung und Schockbehandlungen hatte also wenig mit der Wut der Punkkultur zu tun, die sie hervorriefen; eher war es ihre Nostalgie für Creature Double Features und Phil Spector. Die Kürze der Songs, die Searchers-Cover, die Film-Monster-Wrestling-Bilder auf ihren Albumcovern: alles deutete auf einen geizigen Glauben hin, dass die Hippies nicht nur die größte Musikepoche vermasselt hatten, sondern auch die offizielle Geschichte schreiben durften – eine, die alles, was die Ramones schätzten, als bloßen Auftakt zu einem 14-minütigen Richie Blackmore-Gitarrensolo behandeln würde.
In den frühen 70er Jahren hatte der Rock den Blues als eine Form der Authentizität angenommen und den Field Holler in einen Soundtrack für dekadente weiße Jungs verwandelt, die in Stevie Nicks' Randzonen glitten. Aber die Ramones waren frühe Anti-Wigger, geboren aus der New Yorker Art-Band-Tradition, etwas zu verunglimpfen, was man als kaukasische Kniebeuge gegenüber der Soulmusik bezeichnen könnte (auf die Nelly Furtado antwortet, Meep meep!). Tatsächlich waren die Ramones mit ihren Lederjacken, Bowl-Frisuren und Joey Ramones kleberschnüffelnder Aussprache wirklich weiße Minnesänger. Wenn er singt, Sitting here in Queens/Eating Refried Beans/We're in all the magazines/Gulpin' down Thorazines in We're a Happy Family, from Rocket to Russia (ihrem stärksten Album), sind sie ein blasses Gesicht Untersetzer für die Lower East Side, bei denen Mook Bravado den Affenanzügen vorgezogen wird.
Die Coasters waren die Bamboozled ihrer Zeit – Afroamerikaner, die die Texte einiger weißer Klugscheißer anführten. Aber nicht nur die Ramones spielten den Witz mit sich selbst; der von ihnen erfundene Punkrock war das einzige Musikgenre, das ironisch geboren wurde, weshalb ihre Fangemeinde zu gleichen Teilen Idioten blieb, die den Witz nicht verstanden, und Kritiker, die dachten, sie hätten ihn erfunden. Während die Punk-Community nach dem Tod von Joey Ramone im Mai ihre Nähe zeigte, vermute ich, dass sich jeder, der die Welt als einen Haufen lobotomierter Stecknadelköpfe sieht, etwas getrennt von jeder Fraktion fühlen würde, die ihn feierte. Also 1-2-3-4! bleiben die einsamsten Zahlen, die wir jemals kennen werden.
- D. Strauss
