Mit fließenden Pinselstrichen gemalt, liegt eine kantonesische Frau auf einem Bett aus sanften Blautönen, während ihre dunklen Haarsträhnen zu einem dicken weißen Kissen verschmelzen. Sind ihre Augen offen oder geschlossen? Das ist schwer zu sagen, da sie von Elaine Woo MacGregor in das ätherische Leben abstrahiert wurde. Sie kümmert sich nicht um den Blick des Betrachters, sondern verliert sich in ihrer eigenen inneren Welt.
Das Thema ist die 90er-Jahre-Sängerin Faye Wong, die während der Pop-Blütezeit Hongkongs berühmt wurde und seitdem für viele zur Muse geworden ist. Heutzutage trägt dieser Begriff die Konnotation eines passiven, weiblichen Modells, das einem großen männlichen Künstler ausgeliefert ist; Es wurde von männlichen Kritikern und Künstlern zu Unrecht genutzt, um die Beiträge von Frauen herunterzuspielen, während einige Feministinnen die Abschaffung des Programms forderten.
Im antiken Griechenland waren die Musen jedoch neun göttliche und mächtige Göttinnen der Künste und Wissenschaften. Die Schwestern Clio, Euterpe, Thalia, Melpomene, Terpsichore, Erato, Polymnia, Ourania und Calliope wurden von Dichtern, Musikern, Machern und Denkern um kreative Inspiration und Ideen gebeten.
die einzige Band, die zählt
Für Uranias Liebe – Shanghai Flâneuse (2024), Woo MacGregor hat sich auf diese Quellenbilder gestützt und Wong als Urania, die Muse der Astrologie und Astronomie, neu interpretiert und gleichzeitig Modernität in ihren Rahmen eingefügt. Wie sie erklärt hat: „Normalerweise sieht man Urania mit einem Kompass und einem Himmelsglobus in der Hand, aber diese Gegenstände wurden durch eine Vivienne Westwood-Handtasche und einen Zeichenkompass für die Schule ersetzt.“
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Gleichzeitig greift Woo MacGregor auf die Tradition des liegenden weiblichen Akts zurück und fügt eine schwarze Katze ein, die aus Manets „Olympia“-Gemälde gestohlen wurde. Dennoch nehmen ihre gekleideten Motive Raum ein und stehen in Synergie mit ihrer Umgebung; ungezwungen und unbewacht gefallen sie nur sich selbst. Obwohl Wong eine Persönlichkeit des öffentlichen Lebens ist, lebt sie privat und zu ihren eigenen Bedingungen, entspannt und hat nichts zu beweisen. Wie die Künstlerin sagt: „Sie trägt nicht Uranias Sternenkrone; Sie ist selbst ein Star.“
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Ein weiterer Stern erscheint in Lachen beim Bootfahren (2022), ein Theatergemälde von Roxana Halls. Als Thalia, die Muse der Komödie, wird die Schauspielerin und Komikerin Katherine Parkinson dargestellt, die mit offenem Mund gackert. Sie sitzt in einem Schwanenboot aus Plastik in der Mitte eines Sees und lässt ihre Beine in den rosa und blau gestreiften See baumeln, in dem sich der surreale Sonnenuntergang darüber spiegelt.
Mit ihrem queeren Blick malt Halls bewusst „eine alternative Welt, die eine Vision von Frauen präsentiert, die gemeinsam oder allein frei von den Zwängen des Selbstbewusstseins und der Angst vor Konsequenzen umherstreifen“. Aufgrund des performativen Charakters ihrer Praxis arbeitet sie mit Schauspielern zusammen, die im Studio eine Rolle übernehmen und so das Potenzial der von der Künstlerin beschriebenen Szenen ausschöpfen.
Da die Entscheidungsfreiheit ein wesentliches Element von Halls' Arbeit ist, berücksichtigt sie die Sprache selbst, die zur Beschreibung ihrer Themen verwendet wird: „Ich bevorzuge Mitverschwörer oder Komplizen viel lieber als passivere Begriffe wie Sitter oder Model, weil ich die Terminologie finde Wir sind es gewohnt, sie zu verwenden, und wirft ihnen oft eine untergeordnete, statische Rolle zu, die ihren Beitrag oft nicht angemessen anerkennt.“
In Gemälden wie z Lachen beim Bootfahren , Halls‘ Protagonisten sind „betont körperlich, niemals passiv; „Meine Frauen sind aus Not heraus störend und aktiv“, wie sie sagt. Sie bricht mit der Tradition und bietet den Zuschauern den seltenen Anblick lachender Frauen – angesichts gesellschaftlicher Normen und der Kunstgeschichte, wo sie normalerweise höflich lächeln und keine Zähne zu sehen haben.
Wie Halls bricht Annis Harrison in der Porträtmalerei mit den Konventionen verschwiegener Frauen, indem sie hemmungslose schwarze Körper in den Bereich ihrer Fantasie malt. In Worte kommen zum Spielen heraus (2024) porträtiert sie Polymnia, die Muse der heiligen Hymnen, nicht als eine, sondern als mehrere Frauen, deren leuchtend rote Lippen die nackte Leinwand verfärben.
Mit diesem selbstbewusst vielschichtigen Bild hat Harrison über die jahrhundertealte Rolle von Frauen als Geschichtenerzählerinnen nachgedacht und gesagt: „Ich wollte die Rolle der Gospelmusik bei der Information und Bildung von Menschen hervorheben, die nicht unbedingt lesen können, zusammen mit Hip Hop, der nun endlich ‚anerkannt‘ wurde.“ durch Literaturpreise wie den Pulitzer-Preis.“ Ihr Chor verlangt danach, durch das mächtigste Instrument von allen gehört zu werden – ihre kollektive Stimme.
Eine Musikpartitur setzt Carolyn Blakes Ambient-Reihe fort: Die Muse neu definieren (2024) , das einen Titel mit dem teilt Gruppenausstellung, die diese Künstler beim Oxford Festival of the Arts zusammengebracht hat . Zu diesem Anlass arbeitete Blake erneut mit ihrer Partnerin und Muse, mit der sie seit 26 Jahren zusammen ist, Annette.
Auf sieben kleinen Leinwänden erscheint sie als Terpsichore, die Göttin des Tanzes, die von ihrem Sockel gestürzt wurde. Sie trägt ein gestreiftes T-Shirt und einen leuchtend orangefarbenen Hut und tanzt kompromisslos in einem monochromen Raum, der mit pointierten Anspielungen auf die Mythologie inszeniert ist: ein Bild der drei Grazien, ein Streifen tiefblauen Stoffs, eine griechische Vase.
Mit Airpods in den Ohren bewegt sich Annette zu einem Soundtrack, den nur sie hören kann, als würde sie ihre Erinnerungen schützen. Dies ist eine bewusste Entscheidung der Künstlerin, die versucht, die „poetischen Momente des Alltags“ einzurahmen und gleichzeitig ihre Muse vom Betrachter zu distanzieren. Wie sie sagt: „Annette steht dir nie gegenüber, aber sie führt dich in die Komposition.“
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In der Zwischenzeit hat Francesca Currie hinter verschlossenen Türen auf The Rokeby Venus herumgespielt, um ihren männlichen Schauspielerfreund Lewis als Erato darzustellen. Mit Wärme und Realismus dargestellt, blickt er liebevoll auf sich selbst in einem Spiegel, der in der Kunstgeschichte typischerweise mit weiblicher Schönheit und Eitelkeit in Verbindung gebracht wird. Durch geschlechtsvertauschte Versionen von Meisterwerken untergräbt Currie Stereotypen der Männlichkeit und tauscht den männlichen Blick gegen einen nicht-voyeuristischen, weiblichen.
Currie hinterfragt neue Sichtweisen und gehört zu einer Avantgarde zeitgenössischer Künstlerinnen, die eine vielfältigere Besetzung von Musen darstellen, als traditionell an Museumswänden gerahmt wird. Sie lehnen romantisierte Bilder des unterwürfigen Modells ab und assimilieren gleichzeitig die antike Ikonographie. Sie hauchen Göttinnen Leben ein, die sich nach ihren eigenen Vorstellungen zurücklehnen, frei auftreten und lachen. Neu formuliert erscheint die Muse als inspirierende Kraft und als Mittel zur Veränderung.
