Adrianna Campbell, Jerry Saltz und Jason Farago.Kaitlyn Flannagan für Beobachter So viele Exponate, so wenig Zeit. Egal, ob Sie einen freien Nachmittag haben, um Kunst in der Stadt zu sehen, oder ein bevorstehender Urlaub, der eine enge Galerie- und Museumsroute erfordert, Sie können sich auch selbst vergeben, bevor Sie überhaupt anfangen: Es ist unmöglich, alles zu tun. Glücklicherweise gibt es da draußen ein paar kulturell ernannte Schreiber, die Ihnen helfen könnten, Ihre Liste der Sehenswürdigkeiten zu reduzieren. Wenn Sie sie regelmäßig lesen, können Sie nicht nur herausfinden, was Ihre Zeit wert ist, sondern Sie erhalten auch die Art von scharfen Einblicken, von denen Sie glauben, dass Sie sie selbst hätten finden können.
Einige der folgenden Kritiker sind Fans des heißen Takes, und andere bieten tiefergehende, rigorosere Stile. Jeder hat einen einzigartigen Zugang zum Kunstschreiben entwickelt, aber alle geben derzeit unbestreitbar den Ton für unsere zeitgenössischen ästhetischen Gespräche an.
Andrianna Campbell
Obwohl Adrianna Campbell noch immer an ihrer Promotion am Department of Art History des CUNY Graduate Centers arbeitet, findet sie irgendwie Zeit, Katalogaufsätze für das MoMA zu schreiben und Kolumnen für . zu schreiben Kunstforum . Ihre Dissertation bezieht sich auf Norman Lewis und die Abstrakten Expressionisten der Mitte des 20. Jahrhunderts, aber für verschiedene Publikationen hat sie über zeitgenössische Künstler von Nari Ward bis Laurie Simmons geschrieben.
Campbells Schrift ist sowohl gelehrt als auch gut lesbar. Sie nutzt ihre Jugend zu ihrem Vorteil, vergleicht Frank Stellas Arbeiten von den 1970er Jahren bis zur Photoshop-Ästhetik in zeitgenössischen Praktiken-einen Zusammenhang dürfen ältere Kritiker nicht herstellen. Außerdem hat sie bereits einen wichtigen Maßstab für die zeitgenössische Kunstkritik: ein anständiges Instagram folgenden. Campbell war selbst Absolventin einer Kunsthochschule, daher sollte es nicht überraschen, dass ihre eigene kuratierte Ästhetik auf den Punkt kommt.
Im vergangenen April hat Campbell eine neue Zeitschrift namens herausgebracht Aprikose . Die Mission der Zeitschrift ist es, ihre Ernsthaftigkeit mit einer lebendigen Zuneigung zum Dekorativen, zu Kitsch, Queerness, Exzentrik und Andersartigkeit zu durchdringen. Beobachte diesen Raum-es steht sicher ganz oben auf unseren wichtigsten zeitgenössischen Gesprächen.
Jason Farago
Jason Farago ist Mitbegründer von Sogar Magazin , die auf ihrer Website ausdrücklich sagt: Wir haben es satt, von Kultur als elitär, undurchsichtig und unnahbar zu hören. Wir auch! Wir wenden uns an Sogar zum sarkastisch Kommentar zum Design, Einzelstücke von den beeindruckendsten Stimmen von heute und Langform Artikel die den Schnittpunkt von Ästhetik und Politik erforschen. Es ist ein wunderschönes Magazin, und sie veranstalten großartige Events. Oft gibt es kostenlosen Wein. Darüber hinaus schafft Farago eine Plattform, auf der Autoren auf der Seite freie Hand haben, um das zu erkunden, was ihnen am meisten am Herzen liegt.
Aber das ist bei weitem nicht alles, was Farago tut. Nachdem er als einer der treuesten und am häufigsten veröffentlichten freiberuflichen Kunstautoren New Yorks tätig war, Die New York Times brachte ihn an Bord. Er ist jetzt Kritiker der nationalen Zeitung, wo er sich nicht scheut hasse ein bisschen auf Picasso (Es kann aufregend sein, Picasso innerhalb einer Woche zwischen Triumph und Kitsch hin und her pendeln zu sehen) oder Schwall über eine vierteilige Ausstellung im Metropolitan Museum of Art. Und er nur verbrannt Leonardo da Vincis wurde kürzlich authentifiziert Salvator Mundi : Doch es gibt eine Sanftmut und Monotonie zu Salvator Mundi das kann durch diese am Rande ansprechenden Details nicht eingelöst werden, schrieb er. Der Retter der Welt erscheint in diesem Gemälde als weiche, schaumige Chiffre. Seine Augen sind leer. Sein mit Stoppeln gesprenkeltes Kinn verschwindet im Schatten. Nur weil er ein Meister der Renaissance ist, heißt das nicht, dass er über Faragos Vorwurf erhaben ist.
Carolina miranda
Damit Sie nicht vergessen, dass an der Westküste Kultur existiert, konzentriert sich Carolina Miranda ausschließlich auf kalifornische Kunst, Architektur und Film. Sie hat keine Angst vor schmutzigeren Themen: Im vergangenen Juli schrieb sie über die Ende der Pornokinos für die Los Angeles Zeiten . Als angestellte Autorin für die Veröffentlichung gewann sie kürzlich den renommierten Rabkin-Preis für ihre Arbeit (Farago, oben, ist ein weiterer Stipendiat von 2017).
Lesen Sie Miranda für tiefes politisches Engagement. Ihr besonderes Interesse gilt der Schnittstelle von Kunst und Aktivismus. Schauen Sie sich einfach die Schlagzeilen für ihre Analysen und Story-Zusammenfassungen an ( Oper und das schwarze Erlebnis , Warum so viele Mexikaner den kolonialen Californiano-Architekturhybrid schmähen, der sich von SoCal aus verbreitet hat, Wie Bilder – manchmal manipuliert und verändert – die brodelnde Welt unserer Politik prägen ) und Sie bekommen ein Gefühl für ihre Aufmerksamkeit für Themen, die weit über die Galeriewände hinausgehen.
Miranda ist besonders auf lokale Probleme eingestellt. Sie bedeckte die lange Schlacht zwischen der Künstlerin Laura Owens und Demonstranten, die sich beschwerten, dass ihre gemeinschaftsorientierte Galerie 356 Mission im L.A.-Viertel Boyle Heights das historisch gewachsene Latinx-Gebiet aufwertet. Diesen Mai wird die Institution geschlossen. Diese Geschichte zu erzählen, war für Miranda selbstverständlich, die sich oft mit brisanten Themen befasst, die um sie herum zirkulieren, und mehr Transparenz in umstrittene, heiße oder geradezu verwirrende Themen bringt, die in der L.A.-Kunstszene wirbeln.
Jerry Saltz
Auch wenn Sie nicht auf uns hören, hören Sie sich die Pulitzer-Preise an. Jerry Saltz hat gerade den angesehenen Preis für seine Kritik gewonnen bei New Yorker Magazin , für ein robustes Werk, das eine raffinierte und oft gewagte Perspektive auf die visuelle Kunst in Amerika vermittelt, die das Persönliche, das Politische, das Reine und das Profane umfasst. In eher fußgängerischer Hinsicht zieht Saltz keine Schläge.
In diesem Jahr stand er im Mittelpunkt vieler Debatten. Er erhob Kara Walker in deutlichen Worten: Die Schlagzeile seiner Rezension lautete Kara Walkers Triumphant New Show Is the Best Art Made About This Country in This Century. Er schrieb ehrlich darüber, wie ihn seine gescheiterte Karriere als Künstler dazu führte, Kunstkritik (ein guter Zug, würden wir sagen, da dieses Stück für seinen Pulitzer-Sieg zitiert wurde). Er Gewogen in zum Streit, ob das Metropolitan Museum of Art ein provokatives Gemälde abschaffen soll. Angesichts der Entscheidung der Met, sie aufrechtzuerhalten, warnte Saltz vor den Gefahren der Zensur. Eines der Dinge, die Kunst so reich, unendlich und allumfassend machen, ist, dass es immer irgendwo etwas gibt, das jemanden irgendwann beleidigt, schrieb er. Wenn das endet, wird es auch die Kunst.
Saltz selbst hat keine Angst vor Beleidigungen. Sein verrückter, viel beachteter Instagram-Account bietet regelmäßig sexuell explizite Kunstwerke und Anti-Trump-Schmähschriften. Aber jetzt ist er ein mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneter Kritiker. Er kann tun und lassen, was er will.
Peter Schjeldahl
Peter Schjeldahl begann seine Karriere als Schriftsteller als Dichter und Anhänger von Größen der New York School wie John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch und dem Rest ihres Publikums. Er konzentrierte sich schließlich auf das Kunstschreiben und ließ sich in einer Karriere machenden Position bei Die Stimme des Dorfes im Jahr 1990. 1998 wurde er Der New Yorker s Kunstkritiker und festigte sein Vermächtnis. In seinen Büchern und Artikeln pflegt er einen lyrischen, zugänglichen Stil.
Schjeldahl ist unmissverständlich, leidenschaftlich und poetisch, wenn ihm etwas wirklich gefällt. Er vor kurzem beschrieben eine Show von James Turrell-bekannt für seine erlebnisreichen, alles verzehrenden Lichtarbeiten-als Klimatisierung für das Auge und, wenn Sie empfänglich sind, die Seele. Über eine Jay DeFeo-Ausstellung schrieb er: Das letzte Werk der Ausstellung, Last Valentine (1989), hat eine Herzform in Braun und Weiß, mit federartigen Strichen, die zu einem zart zerknitterten, cremeweißen Grund verschmelzen. Es hat mir den Atem geraubt.
Aber er hat keine Angst zuzugeben, wenn er ein bisschen verwirrt ist (und denkt, dass andere es auch sein könnten). Hier ist eine schneidende letzte Zeile aus einer Rezension von Raymond Pettibons Show von Strichzeichnungen aus dem Jahr 2017, gepaart mit manchmal fragenden Sätzen: Die Fiktion eines Publikums, das weiß, worum es geht, könnte seine wichtigste Erfindung sein.
Schjeldahl wird es dir nicht immer buchstabieren oder so tun, als ob er es nicht kann. Aber das sieht er sowieso nicht als seinen Job an-Schjeldahl sieht es nicht wirklich als Job an. Kunstkritik ist für ihn ein beruflicher Knick .
Martha Schwendener
Der Dekan der Yale Art School, Robert Storr, mag nicht viele Kritiker. Aber er ist ein Fan von Martha Schwendener. Als ein New York Times Kunstkritikerin findet sie Gefallen sowohl beim Elfenbeinturm als auch bei uns anderen. In den letzten Jahren ist sie fokussiert ihr Schreiben über soziale Praxis und Gemeinschaftsinitiativen, übersehene Künstler, nicht-kommerzielle Unternehmungen und Aktivismus.
In einer Welt, in der Jeff Koons so viel Medienfläche beansprucht, bringt Schwendener eine neue Perspektive und eine Wertschätzung des Underdogs. Beim Die Zeiten , trägt sie zur Kolumne What to See in New York Art Galleries This Week bei. Folgen Sie ihren Vorschlägen und Sie erhalten Reiserouten, die von Science-Fiction inspiriert sind Fotos zu einem Installation-mit-Kreuzworträtsel Puzzle .
Weit davon entfernt, glamouröse Mythen über ihren gewählten Beruf zu verbreiten, ist Schwendener offen über die schwierige wirtschaftliche Realität. 2012 nahm sie an einem Panel Diskussion in der Buchhandlung Housing Works über die Arbeitsbedingungen von Kunstkritikern. Gemäß Hyperallergisch , meinte sie, sie könne Kunst besser erklären, als als Kunsthistorikerin zu arbeiten. Schwendener fasst die Bedeutung von Kunstwerken in einem zeitgenössischen, stets sozial bewussten Kontext treffend zusammen. Auf einen Film von Fischern, die Fische an die Brust halten, was zweifelhafte Kunstbetrachter mit den Schultern zucken lassen könnte, bot sie an: Das Video ist eine schockierend intime Darstellung von Leben, Tod und der Beziehung von Räuber und Beute – aber auch eine Erinnerung an unsere Verbundenheit mit anderen Arten – a Tatsache, die in der hyperindustrialisierten Welt verloren geht.
Sebastian Smee
Pulitzer-Preisträger Sebastian Smee brauchte keine New Yorker oder Londoner Plattform, um sich einen Namen zu machen. Arbeiten bei Der Boston Globe , er äußerte sich zu lokalen Ereignissen (eine geplante Renovierung des Isabella Stewart Gardner Museums der Stadt) und nationalen (eine Edward Hopper-Ausstellung im Whitney Museum of American Art).
2016 veröffentlichte die gebürtige Australierin Die Kunst der Rivalität: Vier Freundschaften, Verrat und Durchbrüche in der modernen Kunst , die die Fehden dramatisiert, die die Entwicklung der Kunst, wie wir sie kennen, vorangetrieben haben. Indem er Spannungen zwischen Künstlern (nämlich Manet und Degas, Matisse und Picasso, de Kooning und Pollock sowie Freud und Bacon) erforschte, gab Smee seinen Charakteren und ihrer unterschiedlichen Ästhetik neues Leben. Er half auch bei der Veröffentlichung eines Major Lucian Freud nehmen.
Smee ist viel mehr als ein Kritiker: Er ist Biograph und ein leidenschaftlicher Interpret kreativer Sensibilität. Jetzt ist er in der Washington Post . Hier ist Smee über Paul Cezanne, eine Charakterskizze, die eines Romanautors würdig ist: Paul Cézanne war ein sturer, selbstbezogener Mörser, der sein Leben in einer rollenden Revolte gegen die städtischen Eliten verbrachte. Er hasste Unaufrichtigkeit, war allergisch gegen Falschheit, mißtraute der Höflichkeit und floh vor einem Hauch von Gleichgesinnung. Ohne ihn wäre die moderne Kunst undenkbar. Kommen Sie wegen der Kritik, bleiben Sie wegen der Prosa.
