Vor einigen Wochen wurde die Kuratorin, Autorin und Theoretikerin iLiana Fokianaki zur neuen Direktorin der Kunsthalle Bern ernannt, der berühmten Galeriehalle, die für Ausstellungen wie „Live In Your Head: When Attitudes Become Form“ bekannt ist, der wegweisenden Ausstellung über Minimalismus und Konzeptualismus, kuratiert von Harald Szeemann im Jahr 1969. Es war auch das erste öffentliche Gebäude, das Christo und Jean-Claude im Jahr zuvor verhüllten. In den letzten Jahren wurden in dem Veranstaltungsort Shows von Künstlern wie Park McAruthur und Monica Baer aufgeführt, und wir waren gespannt, was als nächstes kommt. Observer hatte kürzlich die Gelegenheit, Fokianaki zu treffen, um mehr über ihre Pläne für die Institution zu erfahren.
Wie würden Sie den kuratorischen Ton der Kunsthalle Bern in den letzten Jahren einordnen? Wie wird Ihre Amtszeit dies fortsetzen oder davon abweichen?
Parks und Erholung Star Wars
Die Kunsthalle Bern hat maßgeblich dazu beigetragen, das Verständnis kuratorischer Praxis im Westen zu festigen. Am wichtigsten ist, dass es einen vielfältigen Ton hatte, da jeder der ehemaligen Direktoren seine Forschungsinteressen durch das Programm entwickelt hat. Ich neige dazu, diejenigen Praktiken hervorzuheben, die meiner persönlichen Forschung nahe kommen. Zum Beispiel die Praxis von Philippe Pirotte, einem Kollegen, mit dem ich im Dialog stehe und dessen Arbeit ich seit seiner Zeit als Direktor der Kunsthalle Bern verfolge. Ich habe das Gefühl, dass Ausstellungen wie die Reihe „The Idea of Africa (re-invented)“ Fragen darüber aufwerfen, wie Europäer die Welt verstehen, und gleichzeitig daran arbeiten, Vorurteile abzubauen, die bis heute relevant sind. Mir hat Kabelo Malatsie’s Vorschlag, über Klang oder seine Abwesenheit nachzudenken, und über Sprache als eine Plattform, von der aus man über Autonomie und Freiheit nachdenken kann, sehr gut gefallen. Sie hat mit Künstlern zusammengearbeitet, mit denen ich auch zusammengearbeitet habe, wie zum Beispiel Tabita Rezaire, und ich finde Affinitäten in unserer Praxis. Es gibt also viele Dinge, die man mitnehmen, reflektieren und auf die man reagieren kann. Ich möchte mein Programm damit beginnen, meinen Dank auszusprechen und auf Kabelos Gedanken mit einer Ausstellung zu reagieren, in der Klang und Sprache als Mittel zum Nachdenken über unsere gegenwärtige Realität diskutiert werden.
Du ' Ich habe gesagt, dass Sie die Institution darauf aufmerksam machen wollen „ ökologische, soziale und politische Krisen unserer Zeit.“ Was kann Kunst Ihrer Meinung nach angesichts solch großer Probleme tun?
Ich denke, die Kunst hat angesichts großer Probleme immer viel bewirkt. Es ist eine seiner Aufgaben, seine Zeitgenossenschaft zu reflektieren, zu thematisieren und zu diskutieren. Allerdings ist Kunst auch ein Bereich oder eine Industrie. Wenn man sie also aus der Perspektive des Kunstmarktes betrachtet, hat dies eine Rolle bei übermäßigem Konsum und Überproduktion sowie bei der Verschleierung von Ungerechtigkeiten gespielt. Andererseits hat die Kunst oft entschieden auf soziale und politische Krisen reagiert, indem sie notwendige Fragen gestellt und systemische Ungerechtigkeit hervorgehoben hat. Wenn man an aktuelle Beispiele solcher Praktiken denkt, ist Nan Goldin ein leuchtendes Beispiel, ebenso wie Forensic Architecture, eine Forschungsagentur, die an den Rändern der künstlerischen Praxis tätig ist. Es gibt Künstler, die derzeit mit neuen Materialien experimentieren, die vollständig recycelt und nachhaltig sind, und Künstler wie Cooking Sections, die mit Museen und Gemeinden gleichermaßen daran arbeiten, unsere Essgewohnheiten zu ändern, um uns auf die Klimakatastrophe vorzubereiten, also Künstler, die auf greifbare Veränderungen hinarbeiten.
Ich habe immer geglaubt, dass Kunst – und folglich die Kunstinstitution – ein Bereich ist, in dem anspruchsvolle Konzepte mit weniger Spannung diskutiert werden können als beispielsweise in einem Parlament oder einem Nachrichtenfernsehgremium. Es ist ein Raum und ein Ort, an dem wir uns alle erlauben können, umfassender zu denken, Meinungen zu ändern und uns über Konzepte, Positionen und Menschen zu informieren, die außerhalb unserer unmittelbaren Umgebung und außerhalb unserer Erwartungen liegen. Es ist ein sicherer Raum für Nachforschungen, der uns zusammenbringt, wo unerwartete Allianzen entstehen können, und das ist etwas, das wir wertschätzen und schützen sollten.
Du ' Ich habe Essays zu dem von Ihnen beschriebenen Thema veröffentlicht „ narzisstischer autoritärer Etatismus.“ Wo sehen Sie das heute ausgestellt?
Mein zweiteiliger Aufsatz für E-Flow Die Zeitschrift, auf die Sie sich beziehen, untersuchte den Aufstieg der extremen Rechten mit dem Auftreten politischer Persönlichkeiten wie Bolsonaro und Trump. Ich wollte hervorheben, was ich als neues Modell narzisstischer autoritärer Regierungsführung erkannte und wie sich dies auch in der Kunstinstitution widerspiegeln kann. Also nicht das traditionelle autoritäre Regime (das Nicos Poulantzas, Theodor Adorno, Hannah Arendt und andere diskutiert haben), sondern ein neues Regime, das durch demokratische Wahlprozesse entsteht. Was ich als neues Modell ansah, ist ein Narzissmus, der durch Straflosigkeit, schlechtes Benehmen, Gesetzesbeugung, Fehlinformationen, alternative Wahrheiten, Hasskampagnen und die Absprache von Staat und Unternehmen ohne Kontrolle und Gegenkontrolle entsteht.
Leider ist mein Heimatland Griechenland ein Beispiel dafür, da es im vergangenen Jahr aufgrund eines Skandals um Überwachungstechnologie im Mittelpunkt des Sturms stand. Ich habe festgestellt, dass diese Verhaltensweisen bereits 2018 in die Kunstwelt und die kulturelle Praxis eingedrungen sind. Wir als Kulturschaffende und Institutionen können diesen Praktiken entgegenwirken, und zwar mit radikaler Geselligkeit. Es gibt wichtige Initiativen, die sich mit den Problemen des Kulturbereichs auseinandersetzen und darauf abzielen, nachhaltigere und fairere Formen der Praxis zu finden, wie etwa die Ethik des Sammelns, die von einer Gruppe von Sammlern aus aller Welt formuliert wurde.
Die Kunsthalle Bern war 1969 Gastgeber der berühmten Ausstellung „Live In Your Head: When Attitudes Become Form“. Warum ist die Kunst Ihrer Meinung nach seitdem so viel weniger konzeptuell geworden?
Hat es? Ich bin nicht sicher. Ich glaube, dass das Konzept hinter dem Kunstwerk für die meisten von uns immer noch genauso wichtig ist wie zu Beginn der Konzeptkunstbewegung. Tatsächlich betrete ich manchmal Ausstellungsräume und sehe Shows, die meiner Meinung nach in ihren Aussagen so gedämpft sind, dass das Konzept selbst verloren geht. Aber ich treffe häufiger auf künstlerische Praktiken, die sehr wichtige Themen auf äußerst kraftvolle und wirkungsvolle Weise diskutieren. Kapwani Kiwanga zum Beispiel, ein Künstler, mit dem ich in den letzten Jahren eng zusammengearbeitet habe, ist meiner Meinung nach einer dieser Konzeptkünstler, deren Praxis unsere Zeit herausfordert. Die Otolith Group ist ein weiteres Beispiel. Die Konzeptkunst seit den 1970er Jahren hat die Art und Weise verändert, wie künstlerische Praxis nicht nur von Kulturschaffenden, sondern auch vom Publikum verstanden wird, und ich glaube, wir könnten nie mehr zurück. Die Art und Weise, wie das Konzept durch das Kunstwerk umgesetzt wird, kann minimalistisch oder maximalistisch sein, wörtlich oder nicht. Die Bedeutung bleibt im Konzept und dem, was darin diskutiert wird.
Welche waren die jüngsten Ausstellungen, die Sie in der Kunsthalle Bern gezeigt haben? ' Hat es dir gefallen?
Ich mochte die Praxis des belgischen Künstlers Jef Geys sehr – hier ist ein Beispiel eines Konzeptkünstlers mit sehr kraftvoller Arbeit – und ich fand es sehr wichtig, dass Valérie Knoll ihn 2021 in seiner allerersten Präsentation in der Schweiz zeigt. Und die aktuelle Ausstellung von Deborah-Joyce Holman hat mir sehr gut gefallen. Ich verfolge ihre Arbeit, seit sie den Schweizer Nachwuchspreis der Société Generale erhielt, um nur zwei zu nennen.
Sie haben 2013 State of Concept gegründet, eine unabhängige Kunstinstitution in Athen. Wie würden Sie die Kunstszenen in Athen und Bern gegenüberstellen?
Im Gegensatz dazu müsste ich bereits in Bern gelebt haben, daher würde ich einen Vergleich noch vermeiden. Aus der Ferne kann ich jedoch sagen, dass es sicherlich grundlegende und sehr greifbare Unterschiede gibt, die zwischen jeder Kunstszene mit staatlicher Infrastruktur und Unterstützung für ihre Kunstökologie und einer Kunstszene ohne staatliche Infrastruktur und Unterstützung zu finden sind.
Welchen Rat würden Sie einem jungen Kurator geben, der heute anfängt? ' Ist das angespannte Klima?
Ich hasse es, Ratschläge zu geben. Aber wenn eine Kollegin zu mir käme und fragen würde, wie man mit dem heutigen angespannten Klima umgehen solle – was übrigens nichts Neues ist, wir haben ähnliche Spannungen gesehen, wann immer sich wichtige Schritte in Richtung gesellschaftlicher Veränderung manifestierten –, würde ich sie auf die Schriften von sechs Frauen verweisen haben maßgeblich dazu beigetragen, mein Selbstverständnis als Person und Kuratorin zu formen: Hannah Arendt, Bell Hooks, Audre Lorde, Saidiya Hartman, Silvia Federici und Nancy Fraser. Sie werden sicherlich Wege finden, durch solch tiefgründiges Denken und Schreiben Spannungen zu bewältigen oder zu durchbrechen.
