Eine Sache, die man heutzutage über Hip-Hop sagen kann, ist, dass es voller Drama Queens ist.
Es ist nicht nur so, dass Jay-Z (né Shawn Carter) allgegenwärtige Hits aus den von Swizz Beatz produzierten Melodien aus den Broadway-Produktionen von Annie und Oliver herausgezwängt hat, sondern er hat die Biggie Smalls-Methode des tränenreichen, mutterverehrenden Schlägers in die Oper übertragen Extreme.
Nehmen Sie Where Have You Been, den Schlusstrack seines neuen Chartstürmers The Dynasty Roc La Familia (2000-) (Roc-A-Fella/Def Jam), in dem Jay-Z seinen abwesenden Vater für das kriminelle Leben verantwortlich macht hat ihn an die Spitze gebracht. Der Haken in Jay-Zs Kehle, als er seinen Vater eine Muschi nennt, ist in seinen Bathos geradezu jolsonisch – und das ist, bevor seine Stimme ganz weinerlich wird und der Kinderchor für den Refrain einspringt. Die eine Hälfte erwartet am Ende des Tracks ein Banjo-getriebenes Sample von Old Man River.
Jay-Zs Feindseligkeit gegenüber seinem Vater ist ein wiederkehrendes Thema auf diesem Album – ich bin nicht sauer auf dich, Dad / Holler auf deinen Jungen, den er in Streets Is Talking rappt – aber es kommt verpackt in die Art von Melodram, die man häufiger auf findet das Lifetime-Kabelnetz.
Und es ist sehr effektiv. The Dynasty ist eine solide Sammlung von meist No-Name-Produzenten, mit viel Platz für Jay-Zs Rapper-Stall (meistens Beanie Sigel und Memphis Bleek; Ja Rule fehlt, ebenso wie Produzent Swizz Beatz). Was die Melodien angeht, hat Jay-Z die Mülleimer bei Footlight Records für Tracks aufgegeben, die mit einfachen Piano-, Marimba- und Glockenspielmelodien gefüllt sind, die an Slick Rick erinnern (dessen größter Fan, Snoop Dogg, auf Get Your Mind Right Mami erscheint).
Wie Snoop Dogg performen die Rapper von Roc-A-Fella in einem Tempo, das in einer Post-Wu-Tang-Klanglandschaft geradezu gemächlich klingt.
Aber es ist ein Tempo, das zur Botschaft passt. Jay-Z drückt einen wirtschaftlichen Fatalismus aus, der aus drei Teilen Howard Hawks und einem Teil Thomas Frank besteht: Er ist ein Stricher, weil er keine Wahl hat. Er bringt uns dazu, ihn wegen seines Reichtums zu bemitleiden – und wenn das keine Definition von Berühmtheit ist, weiß ich nicht, was.
Während Jay-Z seinen ödipalen Schmerz umwandelte, hüllten die Rapper OutKast, die Monster verkaufen, ihren Funk-Vorfahren in eine schlampige Umarmung. In ihrem Fall ist Daddio der ewig freakige Beatnik George Clinton, dessen P-Funk sich methodisch und philosophisch auf Stankonia (LaFace/Arista) angeeignet hat, wie wir es seit dem Humpty Dance nicht mehr gesehen haben. Wie Mr. Clinton verstehen die OutKast-Rapper Big Boi und Dré, heute bekannt als Andre 3000, den Funk eher als Konzept einer pikanten Science-Fiction-Sex-Soul denn als musikalische Form (der Titeltrack nimmt dies wörtlich und fragt: Was riecht Liebe? mögen?). Ihr vorheriges Album, Aquemini , wurde so allgemein gelobt wie jede Hip-Hop-Veröffentlichung in der letzten Hälfte der 90er Jahre, aber um ehrlich zu sein, war es nicht sehr gut. Obwohl ich der einzige Kritiker bin, der so denkt, ist das bizarr gelobte Produktionsteam von Organized Noize ein Haufen rhythmischer Trottel. Und das gelegentlich virtuose Rappen litt unter Flow-Problemen und Gangsta-versus-Prediger-Schtick, der so schlecht war wie der Act von Kid 'n' Play.
Aber Stankonia ist ein kleines Meisterwerk der Mimik, obwohl es sich zu sehr bemüht, dem Vater die Schreckensperücke zu entreißen. Nachdem Organized Noize größtenteils verbannt und durch Eigenproduktion ersetzt wurde und das Rappen stark verbessert wurde, spielt OutKast Funkadelic vor dem Parlament von Digital Underground. Sie haben auch wirklich ihre Hausaufgaben gemacht und alles nachgeahmt, von Mr. Clintons Töpfchen-Humor (Toilet Tisha), progressiver Politik (Bombs Over Bagdad) und Sex-Talk (I'll Call Before I Come) bis hin zu seinen komplizierten Gesangsarrangements und marginalem Gemurmel und sogar seine Verwendung von 70er-Synths, Hendrixian-Gitarre und primitiven Rhythmusboxen.
Es ist eine sklavische Hingabe, die das Album daran hindert, tief durchzuatmen, aber auch die zuvor geäußerten Wünsche der Gruppe nach einer utopischen Vergangenheit unterstreicht – Wünsche, die nicht weniger freudianisch sind als Jay-Zs Vaterhass. Sie nennen es nicht umsonst das Mutterschiff.
-D. Strauß
Manson Unplugged
Marilyn Manson ist weniger Musikerin als Stylistin. Er lässt seine Gitarren und sein Schlagzeug wie unheimliche und eintönige Waffen klingen, aber sein Gesang ist nur Gebell und kein Biss. Am Ende ist ihm das alles zu langweilig, um eine Performance zu riskieren, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen könnte.
Aber hormonverseuchte Teenager haben diese Art von oberflächlicher Schauspielkunst schon immer geliebt, und sie waren am 14. November in Rudeln unterwegs, um auf Mr. Mansons neues Album Holy Wood in Saci in der Nähe des Times Square anzustoßen.
Es wurde gemunkelt, dass der Popstar mit dem Ghulgesicht sein allererstes Akustikset spielen würde, ein Schritt, der Kurt Cobain 1994 in den Status eines Rockkünstlers beförderte. Aber Mr. Manson eröffnete mit einer ziemlich eingesteckten Version des Geplänkels GodEatGod, Holy Woods erster Track. Es gab einen dröhnenden Bass, der von Twiggy Ramirez zur Verfügung gestellt wurde, und eine Art schrille Gitarrenfigur war drum herum verstreut, aber das Ganze war ein wenig platt. Der Text zu diesem Lied war schwer mit ernstem Gesicht zu verstehen, was Mr. Mansons Bedürfnis nach so viel Make-up erklären könnte. Er murmelte die Junior-High-Poetry-Parts, wie „Lieber Gott, dein Himmel ist so blau wie eine Schusswunde / Lieber Gott, wenn du am Leben wärst, weißt du, dass wir dich töten würden, und ließ mich denken, Lieber Gott, was ich? Ich würde nicht auf Pyrotechnik verzichten, um mich von diesen Texten abzulenken.
Dann ging es weiter zu Mr. Mansons Lieblingssong von John Lennon, Working Class Hero, die einzige wirklich akustische Nummer des Abends, wie sich herausstellte. Dies ist ein wunderschönes Lied - traurig und ernst, und Mr. Manson verdient eine Belobigung, nur weil er es mag, wenn man bedenkt, dass es zweifellos die rechten Werte verletzt, die er angeblich so hoch hält. Andererseits war er vielleicht nur ironisch.
Überzeugend konnte er den Song jedenfalls nicht covern. Er hat sich angeschnallt. Er jaulte. Er gestikulierte. Und als er richtig aufgeregt war, fügte er das Wort 'Fucking' hinzu. Armer John Lennon.
Als er fertig war, sagte Mr. Manson: Dieses nächste Lied ist weitaus deprimierender und beleidigender als alles, was ich hätte schreiben können. Das ist jetzt ein großes Lob. Aber es stellte sich heraus, dass es sich bei der Nummer um Suicide Is Painless von Johnny Mandel handelte – das Thema von M*A*S*H. Während Mr. Manson ununterbrochen jammerte, kamen ihm Bilder von Radar in den Sinn, die gezeichnet und geviertelt wurden, einen Teddybären in der Hand. Aber das wäre Mr. Manson zu witzig gewesen, der es sang wie einer dieser japanischen Lounge-Acts, die die Worte zu amerikanischen Liedern auswendig lernen, sie aber nicht verstehen.
Mr. Manson endete mit einem der Tracks von Holy Wood, Count to Six and Die. Es war eigentlich der Höhepunkt der Show. Schließlich zeigte er etwas Zurückhaltung, als er eine düstere Melodie über einen skelettartigen Gitarrendrohne goss. Nichts Besonderes – nicht einmal Schlagzeug. Nur der satanisch verweichlichte Mr. Manson, der schüchtern singt.
Und das war es. Vier Lieder, keine Zugaben und Mr. Manson trank in einem privaten Raum. Auf dem Weg nach draußen grinste ein Goth-Junge. Was für ein Riss! er sagte. Vier Lieder? Ich habe gestern acht Stunden in der Schlange gewartet, um in diese Show zu kommen! Worüber war er so glücklich? Ich habe die Worte zu „Held der Arbeiterklasse“ verstanden, sagte er und hielt Mr. Mansons Spickzettel hoch. Das Wort Ficken war nirgendwo zu finden.
-Ian Blecher
Pryor-Rückhaltung
In seiner HBO-Serie verspottete Chris Rock kürzlich den schwarzen Komiker-Konzertfilm Kings of Comedy mit einem Stück namens Chiefs of Comedy. Darin spielten eine Reihe von Indianerkriegern Schtick für das Nachtclubpublikum, und jeder endete mit der gleichen Pointe - so etwas wie: Und dann haben die Motherfucker unser Land gestohlen! Sein Punkt schien zu sein, dass schwarze Wut genauso generisch werden kann wie jede andere Stand-up-Routine.
Mr. Rock gehört zu den wenigen schwarzen Superstars, die mutig genug sind, um solche Wahrheiten auf seine Kollegen zu richten. Er ist Richard Pryor am nächsten, aber er ist nicht so nah. Mr. Pryor verteilte es gleichermaßen an Männer, Frauen, Weiße, Schwarze, Prediger, Junkies, Tiere und vor allem sich selbst. Und er lotete die dunkle Seite aus, die nur wenige anzusprechen wagen. Wie Morgan Freeman es in seinem Booklet-Testimonial schreibt, während er Mr. Pryor zuhört, lachen Sie, bis Sie weinen, und schließlich weinen Sie einfach nur.
Durch Multiple Sklerose geschwächt, konnte Mr. Pryor seit einem Jahrzehnt nicht auftreten, aber sein Schatten ist immer noch groß, aus Gründen, die beim Hören der neuen neun-CD-Box seines Werks nicht ohne weiteres ersichtlich sind … And It’s Deep Too! Die kompletten Warner Brothers Aufnahmen 1968-1992 (Warner Archives/Rhino). Die Hälfte von Herrn Pryors Genialität lag in seiner Körperlichkeit: seinem geschmeidigen Körper, seinem ausdrucksstarken Gesicht, seiner Fähigkeit, alles zu verkörpern – sogar einen Automotor. Die Co-Produzenten der Box, Reggie Collins und Steve Pokorny, entschuldigen sich in ihrer einleitenden Bemerkung: Diese Aufnahmen erzählen nur die halbe Wahrheit. Wie seine Konzertfilme bezeugen, war Richard einer der visuellsten Komiker, der jemals auf einer Bühne stand.
Dass vier dieser neun CDs lediglich Soundtracks aus diesen Konzertfilmen sind, wirft eine Frage auf, die seit dem Aufkommen des Kabelfernsehens exponentiell gewachsen ist: Was ist der Sinn eines Comedy-Albums in der heutigen Zeit?
In den Tagen vor HBO und Comedy Central waren Alben die einzige Möglichkeit, einen Nachtclub-Comedian einem breiteren Publikum vorzustellen. Bestimmte Acts wie Cheech und Chong und das Firesign Theatre verwendeten sie als einzigartige Kunstform für radioähnliches Material, das nicht live aufgeführt werden konnte.
Für Mr. Pryor, der als Möchtegern-Bill Cosby in Jackett und Krawatte zum Star wurde, waren Schallplatten eine Möglichkeit, das schlüpfrige, persönliche Material zu verbreiten, das er im nationalen Fernsehen nicht machen konnte: die Erkundung seiner bewegten Vergangenheit ( Aufwachsen in einem Peoria-Bordell) und Gegenwart (Drogen, Gerichtsstreitigkeiten, mehrere Ehefrauen). Aber die Zeit hat ihn weniger aufrührerisch gemacht, zum Teil, weil die Worte allein – besonders in Charakterroutinen wie Mudbone, seinem alten Wino – nicht ausreichen. Es ist schwer vorstellbar, dass die heutige visuell erzogene, rap-weise Generation still sitzt, um sie zu genießen.
Sicherlich verdient Mr. Pryor es, sein Werk erhalten zu lassen, und die Box markiert die erste Veröffentlichung des Großteils dieses Materials auf CD. Es gibt auch ohne die Visuals einige erstaunliche Momente. Aber dieses Set hätte so viel mehr sein können, als es ist, besonders wenn man Rhinos starke Erfolgsbilanz als Archivar bedenkt.
Es muss einen rechtlichen Grund geben, dass … und es ist auch tief! sammelt nur Warner Brothers-Aufnahmen; das bedeutet, dass unter anderem sein klassisches Album Craps (After Hours) - derzeit auf CD von PGD/Polygram erhältlich - nicht hier ist. Es gibt nur eine CD mit bisher unveröffentlichtem Material, meist unbefriedigende Ausschnitte aus den 70er und frühen 80er Jahren, plus eine Routine vom Oktober 1992 über das Leben mit Multipler Sklerose, in der Mr. Pryor erbärmlich darauf reduziert wird, über seine Inkontinenz zu scherzen.
Ich hätte einen echten Museum of Television and Radio-Ansatz bevorzugt: frühe Ed Sullivan-Auftritte, die klassische Saturday Night Live-Wortassoziationsskizze mit Chevy Chase und alles, was als Audiotracks aus Pryors eigener TV-Serie, Specials und der Arbeit mit Lily Tomlin funktioniert hätte .
Auch die Verpackung lässt zu wünschen übrig. Es gibt ein ungeschicktes Faltregal aus Karton, das die uninspirierten Miniaturhüllen des Box-Sets hält. Die Broschüre sieht aus, als ob sie von einem Jahrbuchstab einer High School entworfen wurde; die Aussagen von Prominenten (und der Ex-Frau und aktuellen Managerin Jennifer Lee) sind häufig eigennützig; und die Zeitleiste geht detaillierter auf das Privatleben von Herrn Pryor als auf seine Arbeit ein. Es ist frustrierend zu lesen, dass es in der Mike Douglas-Show 1974 einen wütenden Wortwechsel zwischen dem jungen Komiker und Milton Berle gab, ohne zu erfahren, was es war. (Oder noch besser, es zu hören.)
Auf der CD mit neuem Material sinniert Mr. Pryor, dass er nicht mit acht Milliarden Motherfuckern, die auf Harfen üben, in den Himmel kommen will, während alle in der Hölle Miles [Davis] und Scheiße hören. Wo auch immer er landet, sein einzigartiges Genie hat ihm die Unsterblichkeit hier auf Erden eingebracht.
-David Handelman
