Tim Burton und Mike Johnsons Tim Burtons Corpse Bride nach einem Drehbuch von John August, Pamela Pettler und Caroline Thompson mit Originalmusik von Danny Elfman markiert das 20. Jahr von Mr. Burtons konsequent exzentrischen Bemühungen mit Filmen, die beim jungen Publikum Anklang gefunden haben , und mit Bewunderern jeden Alters für die seltsamen, morbiden und geradezu seltsamen Tendenzen in seiner Arbeit. Auf Verbraucher-Berater-Ebene möchte ich zunächst sagen, dass Corpse Bride künstlerisch weitaus besser ist als Mr. Burtons Charlie and the Chocolate Factory, das Anfang des Jahres veröffentlicht wurde. Trotz all ihrer Verdienste deprimierte mich Corpse Bride jedoch unermesslich. Die Wahrheit ist, dass ich in meinem Alter den Andeutungen der Sterblichkeit zu nahe bin, um Mr. Burtons fröhliches Herumtollen auf dem Friedhof zu schätzen. Vielleicht sollte für ältere Kinobesucher wie mich ein Bewertungssystem entwickelt werden, um uns vor Mr. Burtons nüchternen Launen über Knochenskelette mit Maden in den Augen zu schützen. Jetzt, Mitte 40, ist Mr. Burton seiner Vorliebe für die kindlichen (wenn nicht gar kindischen) Elemente der Filmunterhaltung nie entwachsen.
Ich sage dies, weil bei der Vorführung von Corpse Bride, die ich besuchte, die Kinder im Publikum von den gruseligen Vorgängen viel mehr begeistert zu sein schienen als ich. Aber was erwartest du? Der Tod ist für sie weit entfernter als für einen alten Knacker wie mich. Auf jeden Fall scheint Mr. Burton, wie viele Filmemacher, eine vergleichsweise einsame Kindheit gehabt zu haben. Aufschlussreich ist in diesem Zusammenhang der biografische Eintrag aus Ephraim Katz’ The Film Encyclopedia:
1960 in Burbank, Kalifornien, als Sohn eines Mitarbeiters des Parks Department geboren, verbrachte er viele zurückgezogene Kindheitsstunden mit dem Anschauen von Cartoons und Horrorfilmen im Fernsehen und begann bereits in der Grundschule Cartoons zu zeichnen. Er gewann ein Disney-Stipendium, um am kalifornischen Institute of the Arts Animation zu studieren, und begann im Alter von 20 Jahren als Animatorlehrling bei Disney zu arbeiten. Erfolg hatte er mit seinem ersten eigenen Animationsfilm, dem sechsminütigen, preisgekrönten Kurzfilm Vincent, der seinem Kindheitshelden Vincent Price nachempfunden war und von ihm erzählt wurde. Er wandte sich Live-Action-Kurzfilmen zu und drehte eine Version von Hänsel und Gretel mit einer rein asiatischen Besetzung. Als nächstes führte er bei Disney Frankenweenie Regie, einer 30-minütigen Live-Action-Parodie von Frankenstein, in der das Monster ein Hund ist. Der Film, der für Kinder als zu gruselig erachtet wurde, wurde nie veröffentlicht, aber er führte dazu, dass Burton von Warner Bros. als Regisseur von Pee-Wees Big Adventure eingestellt wurde, der zu einem Kassenschlager wurde. Der für den Kindermarkt gedachte Film beeindruckte einige Kritiker mit seiner Originalität, seinem visuellen Erfindungsreichtum und seinem Blick für das Absurde, Qualitäten, die zu Burtons Markenzeichen wurden und in seinen nächsten drei Filmen stark sichtbar wurden: der Kassenschläfer Beetlejuice, der Blockbuster-Hit Batman und das vielbeachtete Erwachsenenmärchen Edward mit den Scherenhänden. Die Fortsetzung Batman Returns erweitert die seltsame Symbolik des Films von Kindheitsbildern und erwachsenen Obsessionen. Nach Batman Returns unterzeichnete er einen Vertrag über die Produktion von Filmen für Disney.
Ich habe Mr. Burtons Aufstieg als unbestreitbarer Autor verfolgt, auch wenn er bei seinen Produktionen nicht Regie führte, sondern aus großer Entfernung – so groß, dass ich mich für mein Leben an nichts erinnern kann, was ich jemals über ihn geschrieben habe. Ich mochte das Batman-Duo nicht und wurde von Edward mit den Scherenhänden und Beetlejuice leicht abgestoßen, obwohl ich mäßig beeindruckt war von den subtil zurückhaltenden Schauspielstilen von Johnny Depp und Michael Keaton.
Corpse Bride entpuppt sich als eine schwerfällige Mischung aus Puppenspiel und Animation, die technisch viel zu komplex und mühsam für diesen hoffnungslos luddite Rezensenten ist, der diese Rezension auf einer tragbaren Smith-Corona SCM Classic 12 Schreibmaschine hämmert. Ich weiß nur, dass alle Charaktere, lebend und tot, riesige Augen und unförmige Körper haben. Die Stimmen liefert Johnny Depp als Victor Van Dort, der unglückselige Bräutigam, der sich gleichzeitig mit zwei Frauen verlobt, von denen nur eine lebt: Helena Bonham Carter als Corpse Bride und Emily Watson als Victoria Everglot, die Lebende werdende Braut. Victors Eltern werden von Tracy Ullman als Nell Van Dort und Paul Whitehouse als William Van Dort gesprochen, Victorias Eltern von Joanna Lumley als Maudeline Everglot und Albert Finney als Finnis Everglot. Richard E. Grant ist die immer höhnische Stimme des totalen Bösewichts Barkis Bittern. Christopher Lee klingt wie der grotesk dominante Pastor Galswells, und der Komponist Danny Elfman (der seit Beginn seiner Karriere bei Mr. Burton war) singt die Stimme von Bonejangles, dem Anführer der Graveyard-Band.
Die Handlung, so wie sie ist, hängt von Victors extremer Ungeschicklichkeit bei der Hochzeitsprobe ab, die ihn zwingt, demütigend auf einen bewaldeten Friedhof zu fliehen, wo er Victorias Ehering fälschlicherweise auf einen Ast legt, der sich plötzlich in die Hand und den Finger der Leichenbraut verwandelt , und die Braut selbst tauchte in ihrer ganzen kargen Skelettgestalt aus dem Grab auf, in dem sie schmachtete, seit sie von ihrem bösen, vermögenssuchenden Bräutigam ermordet worden war. Es gibt zunächst einen Hauch von Ichabod Crane in Victor Van Dort, aber mit viel breiteren Anschlägen hysterischer Nervosität. Im weiteren Verlauf der Geschichte bietet die lyrische Weite von Mr. Elfmans Musik jedoch einen süßen Hintergrund, der als Kontrapunkt zu den begleitenden grausigen Details verfallender und zerfallender Körperteile dient. In der Tat, wenn Corpse Bride überhaupt funktioniert – und ich bin mir nicht sicher, ob dem so ist – ist es ein beißendes Musical, das nicht ohne Witz und ein gewisses Maß an emotionalem Engagement ist.
Alle drei Hauptfiguren wechseln sich à deux für streckenweise zweihändige Klavierwerbung ab, aber die Grenzen zwischen dieser Welt und der nächsten verschwimmen immer mehr. Dies gilt insbesondere dann, wenn der Refrain der Bonejangles (sozusagen) die Show stiehlt mit ihrem wiederkehrenden Refrain zu jeder zunehmend traurigen Strophe der Geschichte der Corpse Bride in Remains of the Day.
Es geht so: Stirb, stirb, wir sterben alle / Aber ziehe kein Stirnrunzeln, denn es ist wirklich O.K. / Sie könnten versuchen, sich zu verstecken und Sie könnten versuchen, zu beten / Aber wir alle enden am Ende des Tages. Jetzt weiß ich, dass irgendwo in mir ein kleiner Mann nickt, der der existenziellen Wahrheit des Refrains zustimmt, aber ich verbiete diesem kleinen Mann absolut, im Einklang mit den Bonejangles-Sängern zu klatschen. Was als nächstes in der Erzählung folgt, ist so sauber und süß wie ein Kinderreim. Normalerweise hätte ich die Auflösung dieses bizarren Dreiecks für so sentimental erfunden, dass es ein Beispiel dafür wurde, Ihren Kuchen (oder Ihre Leiche) zu haben und ihn auch zu essen. Trotzdem steht Mr. Burton, wenn auch verspätet, auf der Seite des Lebens und der Liebe, und ich hätte es nicht ertragen, wenn er es nicht getan hätte. Also genieße Corpse Bride, wenn du kannst. Ich tat es nicht, obwohl ich zugeben musste, dass es für das, was es war, ziemlich gelungen war.
Papas Mädchen
Keane von Lodge Kerrigan ist nach seinem eigenen Drehbuch der dritte eigenständige und hoch angesehene Erzählfilm aus der ersten Person, den Herr Kerrigan in den letzten 11 Jahren gedreht hat. Er debütierte mit Clean, Shaven (1994), einer genauen Studie eines schizophrenen Charakters namens Peter (Peter Greene), der nach seiner Entlassung aus einer psychiatrischen Anstalt umherirrt und versucht, einen Sinn für seine Existenz zu finden. Unterdessen wird seine kleine Tochter von ihrer Mutter, einer Polizistin, zur Adoption freigegeben, die vermutet, dass Peter der brutale Mörder eines anderen kleinen Mädchens ist und ihm auf der Spur ist.
Mr. Kerrigans zweiter Spielfilm, Claire Dolan, war eine geradlinigere und weniger zweifelhafte Erzählung als Clean, Shaven, da er der Titelfigur, gespielt von der verstorbenen Katrin Cartlidge, auf ihren ernannten Runden als hochpreisiges Callgirl folgte, das in verschiedene Schauplätze zwischen New Jersey und New York, einer Region, die zu Mr. Kerrigans Wahlrevier geworden ist. Es ist eine vergängliche Welt von Motels, billigen Bars und One-Night-Stands.
Keane ist Clean, Shaven in seiner weitschweifigen Unschärfe näher als Claire Dolan von dem Moment an, als es etwas mysteriös im Busbahnhof der New Yorker Hafenbehörde beginnt, wo William Keane (Damian Lewis) verzweifelt nach seinem 6-Jährigen sucht Tochter, die seit sechs Monaten vermisst wird, nachdem sie Berichten zufolge in Keanes Obhut im Busbahnhof verschwunden war. Das behauptet zumindest Keane, als er völlig Fremde mit einem Bild seiner Tochter und einem verblassten Zeitungsausschnitt ihres Verschwindens knöpft, die wir beide nie selbst sehen, was zu dem Verdacht führt, dass die ungepflegte und scheinbar wahnsinnige Keane das erfunden hat ganze Geschichte. Zum einen wird er ständig murmelnd oder sogar laut schreiend gezeigt, während er von der Handkamera des Kameramanns John Foster unerbittlich verfolgt wird, die nah an Keane bleibt, aber nicht nah genug, um das Publikum mit seinem Standpunkt zu identifizieren. Es ist, als ob eine dritte unsichtbare Person Keane aus irgendeinem unbekannten Grund im Auge behält.
Mr. Lewis, ein hochtalentierter britischer Schauspieler, zeigt einen makellosen amerikanischen Akzent in einer hyperwellesschen Monopolisierung von Bildschirmzeit und Bildschirmraum. Gerade als er begonnen hat, unsere Geduld zu erschöpfen, indem er mit einem Mann, von dem er sinnlos verdächtigt, seine Tochter entführt zu haben, eine alberne Schlägerei an einem Taxistand anzettelt, beginnt sich die Verschwörung beträchtlich zu verdichten, als er eine vom Glück verunglückte alleinerziehende Mutter trifft. Lynn Bedik (Amy Ryan) und ihre 7-jährige Tochter Kira (Abigail Breslin) in seinem Hotel. Keane ist sichtlich fasziniert von dem kleinen Mädchen, möglicherweise weil sie ihn an seine eigene verlorene Tochter erinnert, und möglicherweise auch, weil er ein gefährlicher Pädophiler ist, der Fantasien über eine lange verlorene Tochter hat.
Wir haben gesehen, wie Keane eine Koks-schnüffelnde sexuelle Begegnung mit einer ansonsten nicht identifizierten Frau hatte, aber sein Mangel an sexueller Potenz bei dieser Begegnung weckt einen noch spannenderen Verdacht auf seine sexuellen Perversitäten. Als Lynn Keane bittet, auf ihre Tochter aufzupassen, während sie die Stadt verlässt, um von ihrem Ex-Mann Unterhaltsgeld zu bekommen, steigt die Spannung merklich, als Keane und Kira sich wie ein hingebungsvoller Ersatzvater und eine absolut vertrauensvolle Ersatztochter verbinden. Als Kira, gut gespielt von der absolut liebenswerten Ms. Breslin, versucht, den mutlosen Keane aufzuheitern, macht er nie die falschen oder verdächtigen Schritte, die wir ängstlich erwarten. Ich kann nicht sagen, ob Mr. Kerrigan mit uns im Publikum schmutziges Billard spielt oder nicht. Kindesmissbrauch ist immer noch ein ernstes Tabu, sowohl auf als auch außerhalb der Leinwand, aber die jüngsten Filme haben die Grenze überschritten (insbesondere im Independent-Sektor), und auf jeden Fall können wir uns nie sicher sein, ob eine Figur in eine mentale Form zu gehören scheint Institution.
Tatsächlich möchte ich die Spannung nicht kurzschließen, indem ich Ihnen erzähle, was am Ende passiert. Dennoch kann ich einige auteuristische Spekulationen über eine kryptische biografische Notiz nicht vermeiden, die Herr Kerrigan in die Produktionsnotizen für den Film aufgenommen hat: Er lebt mit seiner Tochter Serena in New York City. In seinem ersten Film Clean, Shaven hat der Protagonist das Sorgerecht für eine Tochter verloren und wird des Mordes an der Tochter eines anderen verdächtigt. In Claire Dolan will die Protagonistin die Prostitution aufgeben, um ein eigenes Kind zu bekommen. Und in Keane wird eine möglicherweise echte Tochter im selben Busbahnhof fast wie von Zauberhand durch eine Ersatztochter mit einem auffallend ähnlichen Rucksack ersetzt.
Die Obsession mit Töchtern ist plausibel, aber die mobile Einsamkeit der Protagonisten von Mr. Kerrigan wirft verschiedene Fragen über die Vision des Autors von Leben und Gesellschaft auf. Es scheint, dass wir alle in einem Meer gemeinschaftlicher Gleichgültigkeit schwimmen, und ich denke, dies ist eine ebenso treffende Beschreibung der heutigen Welt wie jede andere.
Mehr Wilder
Some Like It Wilder: The Complete Billy Wilder, eine 26-Film-Retrospektive, setzt ihren Lauf im Museum of the Moving Image (35th Avenue in der 36th Street, Astoria) mit A Foreign Affair (1948) fort, Wilders rauer Rückkehr nach Berlin nach dem Krieg, in dem Marlene Dietrich als reuelose Nazi gegen die Realität geworfen wird und Jean Arthur als republikanische Kongressabgeordnete aus Iowa in einem ungleichen sexuellen Wettbewerb mit Dietrich um die Liebe eines korrupten amerikanischen Soldaten (gespielt von John Lund) brutalisiert wird. Ebenfalls prominent in der Besetzung ist Millard Mitchell als komischer, sachlicher Kommandant. Dietrich singt Schwarzmarkt und Ruinen von Berlin. Das urkomische Drehbuch wurde Wilder, Charles Brackett und Richard Breen zugeschrieben, und das Filmmaterial des zerbombten Berlins vor Ort machte seine eigene trockene Aussage. (Samstag, 24. September, 14 Uhr)
Stalag 17 (1953) war angeblich Donald Bevans und Edmund Trzcinskis Broadway-Bühnenhit überlegen. In der Verfilmung von Wilder und Edwin Blum (die für William Holden einen Oscar gewann) wird der anfangs stachelige Antiheld in einem Nazi-Kriegsgefangenenlager, dem erwähnten Stalag 17, unerwartet heroisch Comedy-Team von Robert Strauss und Harvey Lembeck (wieder auf der Bühne), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian und Gil Stratton Jr. sowie den brillant gespielten und witzig geschriebenen Bösewichten von Otto Preminger (as der sardonische Lagerkommandant) und Sig Ruman (als trügerisch jovialer Kasernenwärter). Trotz der späteren Hogan’s Heroes – der geschmacklosen Sitcom, die vom Erfolg des Films inspiriert wurde – bleibt Stalag 17 eine von Wilders resonantesten Mischungen aus Komödie und Melodram. (Sonntag, 25.09., 14:00 Uhr)
The Front Page (1974) ist – leider – Wilders müdes Remake von Howard Hawks His Girl Friday (1940), das (mit Cary Grant und Rosalind Russell) die ursprüngliche Kumpel-Kumpel-Romanze der Ben Hecht-Charles MacArthur 20-Bühne geschickt heterosexualisiert hatte Komödie sowie die Lewis Milestone-Filmversion von 1931 mit Adolphe Menjou und Pat O'Brian (nachdem Produzent Howard Hughes Berichten zufolge Clark Gable und James Cagney in den frühen Phasen ihrer Karriere für die Hauptrollen abgelehnt hatte). In der Wilder-Version stellen Jack Lemmon und Walter Matthau die altehrwürdige Buddy-Buddy-Tradition wieder her. (Samstag, 1. Oktober, 14.00 Uhr)
The Apartment (1960), das in einem restaurierten 35-Millimeter-Dolby-Digital-Print gezeigt wird, gewann wohlverdiente Oscars für den besten Film, das beste Drehbuch (Wilder und IAL Diamond), den besten Schnitt (Daniel Mandell) und die beste Art Direction – Set Decoration ( Alexandre Trauner und Edward G. Boyle). Unverdient war Shirley MacLaines Oscar-Verlust als beste Hauptdarstellerin; Ihre gewinnende Bad-Girl-Performance war Elizabeth Taylors lächerlichem Callgirl in Daniel Manns Butterfield 8 unendlich überlegen, für die Frau Taylor einen ihrer regelmäßigen Hollywood-Preise gewann, um ihrer zynischen Erwerbssucht und gut geölten Werbemaschinerie Tribut zu zollen. Fred MacMurray trägt die undankbare Rolle des betrügerischen Ehemanns und gemeinen Ehebrechers, aber Jack Lemmon und Ms. MacLaine sind geradezu exquisit in ihren gemeinsamen Verwundbarkeiten, über die sie schließlich in einer spektakulären Kamerabewegung triumphieren. (Samstag, 1. Oktober, 16 Uhr und Sonntag, 14. Oktober, 16.30 Uhr)
