Puccini begann Die Schwalbe im Jahr vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs. Als er 1916 seinen Abschluss machte, war Italien nicht nur in den Krieg eingetreten, sondern hatte auch die Seiten gewechselt. Im Jahr 1914 war Italien historisch mit Deutschland und Österreich-Ungarn verbündet, hatte jedoch seine Neutralität erklärt. 1915 trat Italien mit Großbritannien, Frankreich und Russland der Triple Entente bei. La Rondines Die seltsame Mischung aus Sentimentalität und Zynismus passt scheinbar nicht zum größeren internationalen Kontext. Auch die Oper wechselt die Seiten, beginnt als Komödie und endet dann abrupt als Tragödie – mit einer weinerlichen Trennung statt eines Todes. Puccini war mit dem Ende unzufrieden; er schrieb es in den fünf Jahren nach seiner Uraufführung im Jahr 1917 zweimal um.
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Nicolas Joëls Inszenierung von 2008 umgeht den Krieg und spielt in einer Reihe dekadenter Art-Deco-Räume, die in ein Meer aus Grün, Blau und Gold getaucht sind. Eineinhalb Jahrzehnte später sind die Sets prächtig, wirken aber etwas veraltet. Die Inszenierung fühlt sich sehr an die Bush-Ära an: Es gibt ein bisschen Prunk der Wohlstandskultur vor dem Crash, ein bisschen Swing-Dance-Revival im Ballett, ein bisschen Club-Schmuddeligkeit mit der Discokugel in der Barszene (aber historisch korrekt: die Die Discokugel wurde im selben Jahr patentiert, in dem diese Oper uraufgeführt wurde!). Aber in einer Oper, in der es so sehr um Geld geht – und nicht nur um die Fantasie der glamourösen „hungernden“ Künstler, die die Bevölkerung bevölkern La Boheme, aber die Realität des Versuchs, ohne Geld zu lieben – die Groß Kurz Insgesamt wirkt Joëls Inszenierung wie ein interessantes Beispiel einer frühen Oper.
Diese Wiederaufnahme zeichnet sich durch vier Uraufführungen aus, drei davon im Hauptquartett: Jonathan Tetelmen als Roger, Emily Pogorelc als Lisette, und Bekhzod Davronov als Prunier. Die Hauptdarsteller agierten jugendlich, in einer erfrischenden Abwechslung, und diese Energie wurde durch eine elterliche Stimmung des Publikums ergänzt. Viele Arme hielten Blumensträuße, die bereit waren, den Sängern beim Vorhang zuzuwerfen. Alle drei haben es gut gemacht.
Bekhzod Davronov hatte als Prunier das turbulenteste Debüt und weckte in mir die größte Neugier, mehr vom usbekischen Tenor zu hören. Seine Stimme ist für dieses Haus eher heller und er hatte oft Mühe, gehört zu werden, besonders im ersten Akt. Manchmal klang der Tenor etwas angestrengt, aber als er durchbrach, wurden wir mit einem butterweichen, aufrichtigen Klang verwöhnt, der einen zweiten Versuch wert war.
Die bezaubernde Sopranistin Emily Pogorelc zeigte sich in der Rolle der Lisette als talentierte Komikerin. Sie huscht auf und von der Bühne, nimmt Posen ein und schwebt vor lauter Energie fast in der Luft. Ihr Auftritt war durchaus sehenswert und zielstrebig, selbst wenn sie zu sehr in Slapstick abdriftete. Ihre Stimme war schlank und spitz, eine silberne Nadel, die das Orchester durchdrang. Sie hat ein schönes Instrument; Man hofft, dass zukünftige Auftritte etwas mehr Wärme und Fülle ermöglichen, um ihren Sound abzurunden.
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Von allen Newcomern schnitt der Tenor Jonathan Tetelman am besten ab. Als Ruggero war er sowohl schneidig als auch sanft, vollkommen schüchtern und bedauernswert untröstlich. Seine Stimme ist konsequent, aber dennoch geschmeidig, mit einem nach vorne gerichteten Summen, das seinen Klang weit ins Haus trägt. Es besteht eine leichte Tendenz, hohe Töne hervorzuheben, aber es fühlt sich an wie ein jugendlicher Tick (und die hohen Töne sind absolut solide). Tetelman macht das mehr als wett; Seine Anwesenheit ist so einladend, dass ich ihn jedes Mal vermisste, wenn er die Bühne verließ.
Engel Blau , deren eigenes Met-Debüt als Mimí erst vor sieben Jahren stattfand, hat sich inzwischen vom Einfallsreichtum zum Anspruchsvollen entwickelt. Nur sie fühlte sich vollkommen in ihre Rolle als Magda eingelebt und fühlte sich auf der Met-Bühne vollkommen wohl. Blues satte, klagende Stimme und ihr bemerkenswertes Bühnengesicht – strahlend, transparent und beweglich – haben die einzigartige Qualität, die Charaktere, die sie spielt, zu erheben; Die Flachen erhalten Tiefe, die Strengen gewinnen an Weichheit und die Naiven gewinnen an Intelligenz. Sie passt in dieser Hinsicht perfekt zu Magda und hat viel dazu beigetragen, das emotionale Schleudertrauma der Figur in Einklang zu bringen. Ihr „Chi bel sogno di Doretta“ war überraschenderweise nicht der gesangliche Höhepunkt von Blues Abend. Während die erste Arie dazu in der Lage war, nutzte ihre zweite Arie ihre Fähigkeit, von gemütlichen Tiefen zu schwebenden Höhen zu wechseln, besser aus.
Hoffe Scappucci hielt alles am Laufen; Sie verfolgt eine klare Herangehensweise an Puccini, die seine Partitur klarer als sonst klingen lässt; sowohl die Tanzrhythmen als auch die wunderbaren Aureolen von Streichern und Harfe wirkten konzentriert und lebendig. Sie bewegte sich energisch. Wie konnte sie das nicht? Die Partitur ist wunderbar; seine Großzügigkeit ist das stärkste Gegenargument zum Pessimismus des Librettos.
