Ein bemerkenswerter Dokumentarfilm feiert Little Richards revolutionäre Kunst und Existenz

Im Jahr 1962 hatte Musikmanager Brian Epstein die brillante Idee, eine damals wenig bekannte Band, die er unter Vertrag genommen hatte, The Beatles, dem bereits legendären Musiker Little Richard vorzustellen, der eine stürmische UK-Tour machte, um schnell etwas Geld zu verdienen.

„Es ist für die Leute schwer vorstellbar, wie begeistert wir vier waren“, erinnert sich John Lennon in einem der fast unzähligen Archivinterviews, die den Großteil von Lisa Cortés bemerkenswertem Dokumentarfilm ausmachen Little Richard: Ich bin alles. „Wir waren fast wie gelähmt vor Anbetung.“

Die Schockstarre der Jungs kann man nachvollziehen. An diesem Punkt seiner völlig transformativen und schockierend auf- und absteigenden Karriere hatte Little Richard nicht nur auf die geilen Rave-Ups verzichtet, die ihn Mitte der 50er Jahre zu einer Sensation gemacht hatten, sondern stattdessen das Evangelium von Jesus Christus studiert und gepredigt veranstaltete auch Verbrennungen seiner eigenen bahnbrechenden Platten, die den Grundstein für die Rockmusik, wie wir sie kennen, gelegt hatten. Die Beatles trafen nicht einfach nur ihr Idol; sie waren Zeugen des zweiten Kommens.

Wenn die Absicht von Cortés' Film lediglich darin bestünde, die Tiefe von Little Richards Einfluss auf die Generation von Rockern zu zeigen, die seinen Platz in den Charts einnehmen und sich gleichzeitig seinen rechtmäßigen Platz als Architekt des Rock & Roll sichern würden, wäre dies jedoch lobenswert vielleicht etwas langweilig. Aber Cortés – der Co-Regisseur war All In: Der Kampf für die Demokratie, ein Erforschung der langen Geschichte der Wählerunterdrückung in den Vereinigten Staaten – hat ein größeres und dringenderes Ziel im Sinn.

Der Film, einer der sehenswerten Dokumentarfilme aus einem gestapelten Programm beim diesjährigen Sundance Film Festival, verwendet Richards Geschichte, um zu zeigen, wie Queerness und Blackness in der amerikanischen Kultur und Gesellschaft, insbesondere im Süden, funktioniert haben. Dabei hilft uns der Film, einen nationalen Moment der Aufregung und Angst um beide Identitäten zu verstehen und zu steuern, der größtenteils von rechten Politikern und den sie unterstützenden Interessen erfunden wurde.

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Aber während das Thema ihres Films seine extravagante Art, seinen kirchlichen Gesang und sein perkussives Klavier nutzte, um etwas völlig Neues zu erfinden, blieb Cortés beim Bewährten und Wahren.

Sie verlässt sich stark auf die prägnanten Erkenntnisse eines Traumteams von Akademikern, darunter die Soziologin und Georgetown-Professorin Zandria Robinson, die Vorsitzende der Yale Theatre Department Tavia Nyong’o und die Juilliard-Ethnomusikologin Fredara Hadley. (Das Übergewicht professoraler Redner, die über eine einzelne übergroße Persönlichkeit sprechen, verleiht Cortés Film manchmal das Gefühl einer College-Fakultätsversammlung, bei der jüngere Mitglieder über einen langjährigen Professor zwitschern.)

Mick Jagger ist vor Ort, um sowohl Rockstar-Glanz als auch einen Bezugsrahmen aus erster Hand zu bieten: Die Rolling Stones, damals, als sie hauptsächlich eine Blues-Coverband waren, eröffneten 1963 sechs Wochen lang für Little Richard. (Jaggers berühmte Bewegungen und seine Fähigkeit zu befehlen a stage wurden teilweise von Little Richard inspiriert.)

Die queeren Ikonen John Waters – der seinen berühmten Bleistiftschnurrbart in den letzten fünf Jahrzehnten hauptsächlich als Hommage an Little Richard pflegte – und Billy Porter geben einen scharfen Einblick in die direkte Art und Weise, wie der Einfluss des Tutti-Frutti-Sängers sogar in der heutigen Popkultur zu sehen ist wenn Little Richard zu Lebzeiten seine eigene Sexualität abgelehnt hätte. „Er war sehr gut darin, andere Menschen durch sein Beispiel zu befreien“, erklärt Jason King, Vorsitzender des Clive Davis Institute of Recorded Music an der NYU. „Er war nicht gut darin, sich zu befreien.“

Ein Zitat von Porter – „Manchmal ist einfach Existieren ein revolutionärer Akt“ – erinnert an Marlon Riggs’ bahnbrechenden experimentellen Dokumentarfilm von 1989 Zungen gelöst und sein oft wiederholtes Mantra „Schwarze Männer, die schwarze Männer lieben, ist ein revolutionärer Akt.“ Riggs‘ Film befasste sich auch mit der sich ständig weiterentwickelnden Schnittstelle von Blackness und Queerness, tat dies jedoch mit einer sengenden Intimität und einem formbrechenden Erkundungsgeist, der Cortés‘ Film mit seiner extremen Abhängigkeit von dokumentarischen Konventionen oft fehlt.

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Glücklicherweise ist Cortés‘ Thema – ein queerer, wiedergeborener Christ, der von Geburt an behindert war (ein Bein war länger als das andere, was zu seinem unnachahmlichen Gang beitrug), der in einem von Rassismus geprägten Land lebt – ungefähr so ​​weit von der Konvention entfernt wie einer bekommen kann. Durch die schlüpfrige Kraft seiner einzigartigen Musik und die unbestreitbare Überschwänglichkeit seiner Seele hat er die Fähigkeit, selbst die kleinsten Räume in etwas Kraftvolles, Entscheidendes und etwas ganz anderes zu verwandeln, als Sie es jemals zuvor gesehen haben.

Beobachter-Rezensionen sind regelmäßige Einschätzungen zu neuem und bemerkenswertem Kino.