Es war eine große Neuigkeit, als Frank Ocean, R&Bs R&B-Generationseinsiedler, der an Salinger angrenzt, sich nach einer Eröffnungswoche, die ein absolutes PR-Desaster war, vom Headliner-Spot für Coachellas zweites Wochenende zurückzog. Ocean hat seit seinem schnellen Aufstieg zum Legendenstatus nur sehr wenige Live-Auftritte gegeben und dabei einen Hauch von Mystik bewahrt, an dem die meisten Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens im Zeitalter der sozialen Medien nicht festhalten können. In den frühen 2010er Jahren tourte er häufig mit dem Kollektiv Odd Future, aber nach Jahren des sparsamen Tourens schien ein Festivalauftritt 2017 in Helsinki seine letzte Show zu sein. Als Coachella Ocean als Headliner für beide Wochen ankündigte, kamen die Witze Schlag auf Schlag.
Ocean ist bereits notorisch privat und hat eine Vorliebe für kurze Shows und Absagen, aber es ist erwähnenswert, dass die ersten Reaktionen auf die Ankündigung überwiegend positiv waren. Fans mit dem Geld für die Teilnahme (Coachella-Tickets kosteten 500 bis 1.000 US-Dollar) waren gespannt auf die lang erwartete Rückkehr des Rapper, ebenso wie diejenigen, die vorhatten, den YouTube-Stream des Festivals einzuschalten. Angesetzt für den letzten Sendeplatz des ersten Wochenendes – ein Uhr morgens Eastern Standard Time an einem Sonntagabend – sollte Oceans Set ein bedeutsames Schaufenster sein. Stattdessen war es momentan nicht gerade berauschend.
Die Zeitleiste ist verschleiert, aber anscheinend brachen die Dinge in der Woche der ersten Show zusammen. Ocean erlitt Anfang der Woche eine leichte Fahrradverletzung, die angeblich seine extravaganten Pläne für die Show ruinierte, die eine Routine beinhaltete, bei der Dutzende von Ex-Hockeyspielern auf einer kunstvoll gestalteten Eisbahn mitten in der kalifornischen Wüste skaten würden.
Bitten von Oceans Team, die gesamte Aufführung in letzter Minute umzustellen, stießen auf taube Ohren, und aus Protest führte er ein kurzes Set auf, das ebenso viel DJing und Tanzen wie seine eigenen Songs beinhaltete, unerwartet unterbrochen durch die PDT um zwölf Uhr morgens Ausgangssperre. Ocean kam immerhin eine Stunde zu spät. Während die Fans auf den Beginn des Sets warteten, wurde auch bekannt gegeben, dass die Aufführung würde nicht auf YouTube gestreamt werden. Ticketinhaber konnten die Show immer noch genießen, aber alle zu Hause mussten sich das Set über illegale 240p-Streams und Instagram-Videos ansehen, die hastig heimlich von der Menge gepostet wurden.
Der Aufruhr war gewaltig und gipfelte in einem Tsunami von Diskursen gegen Frank Ocean. Beardos rannte zu Twitter, um Ocean für seine Eskapaden ein Gör zu nennen und die Menge nicht zu schätzen, die nach so vielen Jahren gespannt auf seine Rückkehr auf die Bühne wartete. Branchen-Nerds und Verschwörungstheoretiker glaubten, dieser „Vorfall“ sei ein weiterer Trick in einer langen Reihe von Stunts der PR-Maschinerie von Frank Ocean, um die Aufregung für sein hypothetisches nächstes Album zu steigern. Sie wiesen darauf hin, dass er die Show nicht live gestreamt hat, als Beweis dafür, dass er versucht, die Nachfrage nach seiner Musik zu steigern – etwas, das er eindeutig nicht braucht, wie der Hype um diese Show zeigt, obwohl Ocean mehrere Jahre ohne neue Musik auskommt Musikausgabe.
Die flanelltragenden Kritiker wiesen auch darauf hin, dass Tausende von Gönnern beträchtliches Geld bezahlten, um das Set persönlich zu sehen, und ignorierten, dass ein guter Teil derer, die es taten war dort sofort verteidigt Ozean. Die Handvoll vernünftiger Erwachsener, die an diesen Gesprächen beteiligt waren, rechtfertigten Oceans Unberechenbarkeit, indem sie feststellten, dass er immer offen über seine Angst vor Auftritten gesprochen habe und dass dies seine erste Live-Show sei, seit er auf tragische Weise seinen jüngeren Bruder verloren habe. Tage später sagte Ocean seinen zweiten Coachella-Auftritt unter Berufung auf die oben erwähnte Fahrradverletzung ab. Cue frische Empörung.
Letztendlich sind die Fans unangemessen wütend auf einen Künstler, der genau wie der Rest von uns ein Mensch ist. Es ist nur richtig, dass dies aus einem Musikfestival hervorgegangen ist, das den Ruf hat, voller Eitelkeit und Seelenlosigkeit zu sein, wo viele Besucher – die die Miete einiger Leute bezahlt haben – sich nicht so sehr um die Musik als um das Image kümmern. Sie mögen die Idee bei Coachella zu sein und ein legendäres Set zu sehen, mehr als die Musik selbst, die einen perfekten Sturm erzeugt, der symbolisch für einen Bruchpunkt in der öffentlichen Wahrnehmung von Live-Musik steht.
Social Media frisst Live-Musik
Es ist wichtig, die Rolle zu beachten, die soziale Medien bei der Verdauung von Live-Musik spielen. Während es einige Fans gab, die bei der Show Ocean online tapfer verteidigten, stellten sie in der Diskussion eine kleine Minderheit dar. Sie wiesen auf eine hochwertige Setlist hin, die tiefe Tracks von enthielt Endlos, Soul-Cover und Jersey-Club-Remixe von Klassikern, deren Plädoyer für eine rationale Bewertung jedoch vom Twitter-Finger-Lynch-Mob übertönt wurden. In einer Erklärung zu seinem Coachella-Set gab Ocean eine vorausschauende Antwort, die den Moment zusammenfasst: „Es war chaotisch. [Aber] Chaos hat etwas Schönes.“
Die heutige Live-Musikszene ist eine veränderte Bestie aus den Konzerten und Aufführungen von gestern. Es war einst eine Arena für junge Künstler, um die Energie und das Charisma ihrer Musik vor ahnungslosen Ohren zu verkörpern… für Megastars, um eine Echtzeit-Krönung vor begeisterten Fans zu erleben… für Over-the-hill-Acts, um nostalgisch in die Vergangenheit zu blicken langjährige Unterstützer. Bei Musik ging es nie ausschließlich um die Live-Show, aber sie ist als kultureller Prüfstein und als Ergänzung zu Künstlerkatalogen allgegenwärtig.
Bevor die obsessive Musikarchivierung möglich war, war die einzige Möglichkeit, etwas über einige der einflussreichsten Musiker zu erfahren, sie hautnah zu erleben. Robert Johnson, der sagenumwobene Mississippi-Delta-Blueser, dessen urbane Legende behauptet, er habe seine Seele dem Teufel im Austausch für ehrwürdige Fähigkeiten auf der 12-saitigen Gitarre verkauft, hat in seinem ganzen Leben nur 29 Songs aufgenommen. Selbst diese Aufnahmen, die von Ikonen wie Keith Richards und Eric Clapton als ihre größten Einflüsse bezeichnet wurden, waren der Öffentlichkeit erst Jahrzehnte später ohne Weiteres zugänglich. Das Wort von Johnsons Legende wurde durch das Murmeln von Bargästen in Juke-Lokalen im gesamten Delta getragen, die ihren Ohren nicht trauten. Aber das reichte aus, um Johnsons Namen in die Rock’n’Roll-Folklore zu katapultieren.
Das ist die Kraft der Live-Musik. Wenn es wirkungsvoll ist, erzeugt es Bewunderung und drängt Künstler in ein mythisches Reich. Als der Rock 'n' Roll heranreifte, wurden bestimmte Acts durch ihre Konzerte in der Überlieferung zementiert. Die Rolling Stones wurden zur Quintessenz der Rockband durch Tour-Possen und Showmanier, die sechs Jahrzehnte überdauert haben. So auch die Grateful Dead, Amerikas führende Live-Musiker, die Mitte der 1960er Jahre begannen, jeden Tag auf Hauspartys während Ken Keseys Kool-Aid-Tests zu spielen und seitdem nicht mehr aufgehört haben, effektiv die Jam-Band zu gründen und eine Community aufzubauen, die größer ist als die Band selbst, ein Gigant, der bis heute die Popkultur durchdringt. Andere berühmte Acts wie Bob Seger und die Allman Brothers nahmen ihre besten Alben live auf.
Live-Musik aus diesen Jahren fühlt sich weniger monumental und zugänglicher an – ein Novum gegenüber einem notwendigen Aspekt des musikalischen Zeitgeists. Denken Sie an einige der besten Alben der Live-Musik und ihre legendären Momente. Ein Zuhörer kann einen Blick auf eine Band erhaschen, die ihre Standards übertrifft. Oder vielleicht hören sie, wie die Band einen klassischen Song anders interpretiert, sehr zur Überraschung einer begeisterten Menge. James Browns Lebe im Apollo oder MC5 Raus mit den Marmeladen in den Sinn kommen. Denken Sie jetzt darüber nach, was sie gemeinsam haben. Keiner von ihnen ist auch nur annähernd neu. Ich verbrachte Tage damit, mein Gehirn für den letzten zu zerbrechen wirklich legendäres Live-Album. Meine beste Vermutung? Wahrscheinlich etwas aus der Zeit von MTV Unplugged – vielleicht Alice in Chains von 1996. Aus dem 21. Jahrhundert kommt mir da nichts in den Sinn.
Es ist nicht so, wie Live-Shows geworden sind schlecht. Ich bin in der Internet-Ära aufgewachsen, nach dem Tod des Live-Albums, und habe unzählige tadellose Darbietungen gesehen. Was sich geändert hat, ist, dass das Werbepotenzial einfach nicht dasselbe ist. Die Erstellung und der Verkauf von Alben werden weitgehend von den Marktanforderungen diktiert, und zum ersten Mal in der jüngeren Musikgeschichte scheint sich niemand um das Live-Album im Zusammenhang mit dem künstlerischen Erfolg zu kümmern. Angehende Musiker nicht mehr brauchen sich auf Live-Shows zu verlassen, um ihre Marke aufzubauen. In jeder anderen Ära mussten Bands ihren Stolz schlucken und lokale Gigs spielen, um sich einen Namen zu machen. Die Beatles spielten Bars in Hamburg, Deutschland, um sich vor Veranstaltern zu präsentieren. Bob Dylan spielte bis spät in die Nacht in Kaffeehäusern im New Yorker Greenwich Village, um sich in die Folkszene einzufügen.
Auch in den letzten Jahren haben legendäre Rapper aus dem New York der 90er—wie Biggie und Big L—ihre MC-Fähigkeiten in Rap-Battles vor den Machern der Branche an den Straßenecken verfeinert. Heutzutage können Künstler effektivere Wege gehen, einschließlich der Veröffentlichung ihrer Tracks auf Streaming-Sites und dem Start von Werbekampagnen in sozialen Medien. Es ist nicht so, dass junge Acts besonders gegen Live-Musik sind, aber alles zu tun kostet mehr Geld als früher. Gelder auf dem Weg zum potenziellen Erfolg sind wahrscheinlich besser angelegt, um moderne Technologie zu nutzen, als Live-Shows nach Live-Shows zu hämmern, zumindest für junge Künstler.
Einwandfrei und zunehmend unzugänglich
Außerdem sind Konzerte weniger zugänglich als je zuvor. Während der Spätkapitalismus voranschreitet und moderne Technologie die Welt dezentralisiert, ist Musik nicht mehr lokal. Es gibt zu viel Entregionalisierung in den Underground-Szenen. Wenn Sie Ende der 60er Jahre in die Live-Musikszene eintauchen wollten, konnten Sie per Anhalter nach San Francisco fahren. Wenn Sie in den späten 80ern und frühen 90ern etwas im Grunge sein wollten, konnten Sie ein One-Way-Ticket nach Seattle buchen. Diese „dritten Räume“ der Musik existieren heute nicht mehr, weil es keine stationäre Gemeinschaft mehr um sie herum gibt, die ihre Bedürfnisse erfüllt. Neue Acts treten vielleicht in ihren Heimatstädten auf, aber es gibt keine eng verbundenen Fankulte mehr, die die Szene finanzieren und das Evangelium verbreiten.
Fahrkartenpreise sind auch Straßenraub, und das in den letzten zwei Jahrzehnten in zunehmendem Maße. Der erste national besorgniserregende Moment kam 1992, als Pearl Jam die größte Band der Welt war. Ticketmaster , der beliebteste Ort, um Tickets für jede Veranstaltung zu bekommen, wurde 1982 gegründet und hatte Anfang der 90er Jahre begonnen, die Branche zu monopolisieren. Davor war der Ticketkauf vor Ort nicht einfach – die Nachfrage war immer dazu geneigt, das Angebot zu übersteigen, was zu Ausverkäufen führte –, aber es war immer erschwinglich. Mitte der 90er verlangten Legacy-Acts wie Billy Joel und The Eagles mehr als 100 US-Dollar pro Ticket, eine Zahl, die eher den heutigen Preisen entspricht.
wie man mit psychopathen umgeht
Der brennende Hass von Pearl Jam-Frontmann Eddie Vedder auf Ticketmasters räuberische Praktiken spitzte sich zu, als das Unternehmen Gebühren für Freikarten für die Homecoming-Shows der Band in Seattle erhob. Die Rechtsstreitigkeiten zwischen Pearl Jam und Ticketmaster dauerten jahrelang, aber leider konnte Pearl Jam das Monster nicht besiegen. Es war zwecklos, gegen einen Monolithen zu kämpfen, der Geschäfte mit so vielen regionalen Veranstaltungsorten hatte. Ab einem bestimmten Punkt wurde es für Pearl Jam schwierig, vernünftige Veranstaltungsorte zu finden, also stellten sie ihre Beschwerden ein. Schließlich wurde die Untersuchung des US-Justizministeriums wegen unfairer Preistreiberei eingestellt, und Pearl Jam begann 1998 erneut mit Ticketmaster zusammenzuarbeiten.
Im Laufe der Jahre sind die räuberischen Gebühren von Ticketmaster gewachsen und schwären wie eine unaufhaltsame Infektion. Allein im letzten Jahr wurde die Aufregung vor einigen der am meisten erwarteten Tourneen durch die Gier des Unternehmens gedämpft. Die Gebühren für Beyoncés Tournee 2023 sind so ausgefallen geworden, dass sich einige Amerikaner stattdessen dafür entscheiden Fliegen Sie nach Übersee und sehen Sie Beyoncé auf ihrer europäischen Etappe zu einem ähnlichen Preis. Taylor Swift verklagte Ticketmaster wegen wettbewerbswidriger Praktiken, nachdem es Swifties auf der ganzen Welt unmöglich war, Tickets zu einem angemessenen Preis zu sichern, und führte an, dass die Plattform Konzertbesucher zwingt, ihre Website zu nutzen, damit sie Preise aushebeln können. Sogar Robert Smith, der normalerweise zurückhaltende Frontmann von The Cure (die ihre erste Amerika-Tournee seit Jahren antraten), hat genug von Ticketmaster. Im Vorfeld der Tour wollte The Cure die Preise erschwinglich und fair halten, indem es auf dynamische Preise und übertragbare Tickets verzichtete – ein Schritt, um den ausgehungerten Wiederverkaufsmarkt zu unterdrücken. Aber als die Fans Tickets kauften, stellten sie fest, dass Ticketmaster trotz günstiger Ticketpreise immer noch erpresserische Gebühren verlangte; Einige Fangebühren kosten mehr als das Ticket selbst. Bis heute ist Smith der einzige Musiker, der einen moralischen Sieg gegen den Ticketgiganten errungen hat, da Ticketmaster öffentlich beschämt wurde, den Fans einen Teil ihrer Gebühren zurückzuerstatten.
Dann ist da noch die Pandemie, der Elefant im Raum, dessen Auswirkungen immer noch in der Live-Musik zu spüren sind. Die Veranstaltungsorte sind wieder geöffnet, aber die Beschränkungen der sozialen Distanzierung haben die Dynamik des Mediums vorübergehend zunichte gemacht. Trotz der wahrgenommenen Aufregung um die Rückkehr von Live-Musik und den verbesserten Ticketverkauf in einer sogenannten Post-COVID-Welt haben Konzertveranstalter a festgestellt Verlangsamung des Ticketverkaufs aufgrund von Übersättigung und exorbitanten Preisen. In einem Land, in dem alle pleite werden, sind massive Gebühren und ständig steigende Ticketkosten schwer zu rechtfertigen. Angesichts dessen und der erhöhten Angst vor potenziell unsicheren Praktiken (wie das Packen in dunkle und verschwitzte Tanzlokale wie Thunfisch, gedankenloses Grooven, während Keime und Bakterien durch den Raum wirbeln), ist es schwer zu quantifizieren Exakt wie COVID Live-Musik verändert hat, aber es kann nicht gut sein.
Es ist wichtig zu beachten, dass Live-Streaming-Shows, die in den letzten Jahren alltäglich geworden sind, sind eine objektiv gute Sache . Es ist eine zugängliche und erschwingliche Möglichkeit, Live-Musik zu den Massen zu bringen. Das heißt: Tausende von jungen Indie-Rock-Fans konnten ihre geliebte Boygenius-Supergroup auf der YouTube-Seite von Coachella sehen, viele, wenn nicht die meisten von ihnen, konnten sich keine Tickets leisten.
Teenager-Indie-Rock-Fans sind nicht allein. Über alle Genres hinweg kann der Jedermann zunehmend nicht mehr so häufig zu Shows gehen wie früher. Während seines Studiums war mein Vater ein absoluter Deadhead, der seine Sommer damit verbrachte, Grateful Dead in ganz Amerika zu verfolgen. Ich kann mir nicht vorstellen, wie jemand das jetzt als Student tun könnte, wenn er nicht einen unangemessen großen Prozentsatz seines Geldes dafür aufwendet, Live-Musik zu sehen. Die Reichen werden reicher, die Armen werden ärmer, und jüngere Generationen in den Entdeckungsphasen des Lebens haben weniger freie Mittel als je zuvor. Pearl Jam, Taylor Swift, Beyoncé und The Cure sind einige der berühmtesten Künstler der Welt. Es sollte nicht so schwierig sein, Live-Musik zu sehen. Spotify, ein weiteres Übel, das zu beklagen Tausende von Worten erfordern würde, kostet zehn Dollar im Monat. Das ist ein budgetorientierter Preispunkt, der für die Massen attraktiv ist – mich eingeschlossen –, da Live-Events nicht mehr zugänglich sind.
Das Streben nach Perfektion hat zur Kommerzialisierung geführt
Die zunehmende Unzugänglichkeit von Live-Shows verändert die Art und Weise, wie wir mit Live-Musik interagieren, vollständig. Es geht weniger um das organische, immersive Erlebnis ohne Erwartungen, sondern mehr um den Moment selbst. Viele Fans sehen Live-Musik nicht oft. Wenn sie also das Geld ausgeben, um zu einer Show zu gehen, können die Erwartungen unangemessen hoch werden. Wir wollen unbedingt, dass Konzerterlebnisse perfekt, spirituell und fotogen sind; etwas, das wir in den sozialen Medien posten können, um Eifersucht zu wecken. Wir beginnen, Künstler eher wie kommerzielle Produkte zu behandeln, die uns etwas von greifbarem Wert bieten müssen, im Gegensatz zu einem Rätsel, einem individuellen Lebewesen. Dabei werfen wir die Einzigartigkeit beiseite, die uns überhaupt zu ihrer Musik hingezogen hat.
Aus der Perspektive des Künstlers verliert das Touren seinen Glanz und der Anreiz, eine großartige Live-Performance hinzulegen, verschwindet. Es gibt nichts, was den Ärger des Tourlebens ausgleicht: die Ausgaben, die Monate unterwegs, die unversöhnlichen Fans und die Gebühren von Anbietern und Veranstaltungsorten. Es gab eine Zeit, in der die Wertschätzung der Fans und der Mangel an starren Erwartungen eine Band am Laufen halten konnten, aber in diesem dystopischen Social-Media-Zeitalter, in dem alles einen Sponsor hat und es nur um Geld geht, reichen die Überreste einer tollwütigen Fangemeinde möglicherweise nicht aus, um sich zu bewegen Die Nadel. Es scheint mehr denn je, dass größere Acts auf Festivals mit Massenpräsenz und großen Budgets für den Gehaltsscheck kassieren. Wer kann es ihnen verübeln? Sets sind in der Regel kürzer, Sie müssen weniger davon in einem Jahr für die gleiche Menge an Publicity machen, und sie sind gute Networking-Events in einem Raum, der kommunale Dezentralisierung erfahren hat.
Zum Glück ist Live-Musik nicht tot noch und wird wahrscheinlich in irgendeiner Form für immer weiterleben. Solange Geld drin ist, geht die Show weiter. Eine Entgegnung zu meinem vorherigen Punkt, dass Live-Shows für junge Künstler mit kleinem Budget unwirksam sind, ist, dass Live-Shows finanziell weniger räuberisch sind als Streams, die Künstlern fast kein Geld einbringen. Live-Shows sind zwar per se keine Cash-Cows für junge Acts, aber Künstler haben zumindest die Chance, einen größeren Teil der Gewinne zu sehen. Natürlich gibt es bessere Möglichkeiten, den Geist der Showkunst und der musikalischen Darbietungskunst am Leben zu erhalten, als Gewinnanreize, aber es ist besser als nichts. Live-Musik ist für das Gefüge der Musik selbst und für die Popkultur als Ganzes von wesentlicher Bedeutung, und wir müssen sie als solche wertschätzen. Ein Teil der Mystik hinter den größten Schöpfern des Mediums ist ihre Exzentrizität, Kreativität und Unberechenbarkeit. Sie sind Mysterien, und ihre Einzigartigkeit scheint auf der Bühne durch und bestätigt entweder Ihren Glauben an die Schönheit der Kunst oder ändert Ihre Vorstellung davon, was der Künstler zu tun versucht, vollständig.
Live-Musik ist viszeral. Es ist nötig. Theater ohne Aufführungen ist nur ein Konglomerat von Wörtern auf einer Seite. Architektur ohne Gebäude ist nur eine Blaupause. Was sollen wir damit machen? Ich kann mich nicht erinnern, dass ich es jemals bereut habe, Live-Musik gesehen zu haben, und ich bezweifle, dass dies in absehbarer Zeit wieder passieren wird.
