Ein Konzert zu nennen, vor allem das eines Sängers religiöser Lieder, ist eine Offenbarung jenseits aller Klischees. Doch es gibt keinen besseren Begriff, um das erste Mal zu beschreiben, als ich den verstorbenen Nusrat Fateh Ali Khan sah.
In seiner Blütezeit war der pakistanische Qawwali-Sänger einer der leidenschaftlichsten und einfallsreichsten Sänger seiner Zeit, und an diesem Abend im Oktober 1992 sang er im Sanders Theatre in Cambridge, Massachusetts, mit voller Hingabe seine Sufi-Andachtsmusik. Qawwalis Ziel ist es, die Menschen Gott näher zu bringen, und zu hören, wie Mr. Khan mit rhythmischem Flair wild kreischende Zeilen schmettert, war klar, dass eine Art Transzendenz stattfand . Einige Leute waren so aufgeregt, dass sie den Feueralarm auslösten und das Gebäude evakuiert werden musste. Es verging fast eine Stunde, bis wir wieder hinein durften, aber in der Zwischenzeit ging niemand nach Hause.
Ich sah Mr. Khan noch zweimal im Konzert, 1995 in der Town Hall – wo ich neben dem tollwütigen Fan Jeff Buckley saß – und 1996 in Radio City. Bei dieser späteren Show war klar, dass etwas nicht stimmte. Mr. Khan war jetzt so schwer, dass ihm auf der Bühne geholfen werden musste. Seine Leistung war zwar mit Genialität gespickt, aber vergleichsweise verhalten. Innerhalb eines Jahres waren seine Nieren einem langjährigen Diabetes erlegen. Er war 49 Jahre alt.
Kurz vor seinem Tod betrat Herr Khan mit Produzent Rick Rubin das Studio, um acht Tracks aufzunehmen, die gerade als Doppeldisc-Set veröffentlicht wurden, The Final Studio Recordings (American/Legacy). Mr. Rubin mag eine seltsame Wahl für ein Qawwali-Album erscheinen, aber seine jüngste Arbeit mit Johnny Cash zeigt, dass er es unterlässt, traditionelle Musik zu verwässern. Der Klang hier ist knackig, und Tabla und Harmonium – die einzigen Instrumente neben der Stimme – werden in der Mischung hoch gepumpt, um so besser zu hören, wie sie jeden Ton der Improvisationsflüge des Sängers zart beschatten.
Mit ein paar erhabenen Ausnahmen legt sich Mr. Khan für den größten Teil der ersten CD zurück und überlässt den größeren Anteil des stimmlichen Feuerwerks seinem jüngeren Bruder Farroukh Fateh Ali Khan und seinem Neffen Rahat Nusrat Fateh Ali Khan. (Der Familientradition entsprechend hatte Mr. Khan bereits Rahat zu seinem Nachfolger ernannt. Er hat gerade ein ausgezeichnetes eigenes Album veröffentlicht, ebenfalls auf American und produziert von Mr. Rubin; er wird am 13. Juni im Bowery Ballroom auftreten.) Auf der zweiten Scheibe scheint Mr. Khan mit seiner Aufgabe warm zu werden und feuert waghalsige Scat-Gesänge ab, während der Refrain hinter ihm immer leidenschaftlicher wird. Es ist wunderbares Zeug, aber es dauert eine Weile, bis es dazu kommt.
Mr. Khan war von seiner besten Seite, wenn er seine raue, gefühlvolle Stimme bis zum Zerreißen und darüber hinaus trieb, aber als er diese Tracks aufnahm, war er zu krank, um dies konsequent zu tun. Neulinge im Werk dieses bemerkenswerten Mannes sollten zuerst Shahen-Shah , sein Debüt von 1989 bei Real World, oder eine der fünf En Concert à Paris-CDs bei Ocora finden. Im Gegensatz zu den nur sehr guten Final Studio Recordings enthalten diese Alben die Art von Musik, die Feueralarm auslöst.
–Mac Randall
The White Stripes: Große weiße Mopes
Da muss was im Schlitz sein. Der Mittlere Westen pumpt seit den 50er Jahren Autos und Getreide und gefährliche Chemikalien sowie Ernte für Ernte pastöser Heusaaten aus. Es ist auch der Teil des Landes, der sich am härtesten an eine freche, düstere Form von weißem Rock geklammert hat – egal, dass die meisten Acts Engländer waren. In den frühen 1970er Jahren hatten sie sich alle für ein langes Gasfest eingelebt, das noch nicht ausgelaufen ist. Der MC5. Die Stooges. Neil Jung. Black Sabbath. Die Liste geht weiter, und die meisten Walking Dead sind immer noch unterwegs.
Es ist also an der Zeit, dass wir eine neue Reinkarnation haben, um die Herzen und Köpfe unserer kulturell ausgehungerten Jugend zu wecken. Trotz all der Velveeta, die der Mittlere Westen hervorgebracht hat, kommt manchmal ein feiner Limburger heraus – roh, scharf, irgendwie schlampig. Das sind die weißen Streifen.
Seit ihrem lebhaften Showcase beim South by Southwest Music Festival in Austin im März hat sich dieses Bruder-Schwester-Duo aus Detroit an die Spitze eines neuen Garagenrock-Trends gedrängt. Wird Garagenrock das nächste große Ding der Musik sein? fragten sich kürzlich die Witzbolde bei Entertainment Weekly. Ach komm schon. Jeder hat von dem Vogel gehört. Das Wichtigste, was man über Garagenrock sagen kann, ist, dass es nie etwas Neues gab; es wird immer in einem blechernen, abgespeckten, bluesbasierten Skronk genossen. Sänger Jack White, der Gitarre und Klavier spielt, während seine große Schwester Meg wie ein Sasquatch Schlagzeug hämmert, scheint das in seinen Knochen zu wissen.
Abgesehen von ihrer modischen Vorliebe, sich nur in Weiß oder Rot zu kleiden und die heiligen Namen von Blind Willie McTell und Loretta Lynn zu beschwören, wirken die White Stripes auf ihrem dritten Album White Blood Cells (Sympathy for the Record Industry) erfrischend ungekocht mit einem ein Hauch der Buzzcocks hier (Fell in Love With a Girl), ein Vintage-Iggy Stooge-Blöcke dort (Expecting) und einige der besten Crunge-Riffs, seit Jimmy Page seine Eingeweide noch unter Kontrolle hatte. Und sie tun dies, ohne etwas von dieser müden Scuzz-Rock-Tude zu projizieren, die von Mr. Blues Punk Hissef, Jon Spencer, ausgeht.
Nun, es tut mir leid / Aber ich interessiere mich nicht für Goldminen, Ölquellen, Schifffahrt oder Immobilien, verkündet Jack White (wenn auch mit Texten, die von Citizen Kane übernommen wurden) während eines Zwischenspiels in The Union Forever. Was wäre ich gerne gewesen? / Alles was du hasst. Die White Stripes klingen, als ob ihre Träume noch nicht zerstört wurden, und das ist eine großartige Möglichkeit, durchs Leben zu gehen.
–Jay Stowe
Die White Stripes spielen vom 16. bis 17. Juni im Bowery Ballroom und am 18. Juni in der Mercury Lounge.
Ron Sexsmith: Kleiner Junge, blau?
In Filmen passiert es ständig: Der sanftherzige Dichter mischt sich mit dem dunkelbeseelten Rebellen, und bevor man Sal Mineo sagen kann, taumelt das kleine Lamm in einer Lederjacke durch seine Heimatstadt und stinkt nach Bourbon-Atem und Groschen-Nihilismus. Bevor du dein Popcorn aufgegessen hast, ist er tot – ein Symbol für verlorene Unschuld oder so ein Mist.
Dieses Szenario kam mir in den Sinn, als ich sah, dass der dunkle Prinz von Nashville, Steve Earle, den babygesichtigen Barden von Ontario Ron Sexsmiths neuem Album Blue Boy (Spinart) produziert hatte. Eigentlich war meine erste Reaktion: faszinierende Kombination. Für Singer-Songwriter gehören Mr. Earle und Mr. Sexsmith zu den Besten, die wir haben, Jungs, die konsequent Vier-Minuten-Welten erschaffen, die so emotional lebendig erscheinen wie die, die sich vor unserer Wohnungstür abspielt.
Dann fiel mir ein, dass diese Männer deutlich unterschiedliche Weltanschauungen haben. Mr. Earle ist ein Pragmatiker – sein letztes Album enthielt einen schönen Song namens I Don’t Wanna Lose You Yet – während Mr. Sexsmith ein Optimist bleibt, selbst wenn er im Schatten scheitert. Soweit ich das beurteilen kann / Auch die Dunkelheit / Trägt eine dünn verhüllte Verkleidung, sang er auf seinem exzellenten zweiten Album Other Songs.
Die gute Nachricht ist, dass Mr. Sexsmith kein Mineo auf Blue Boy zieht. Mr. Earle bringt seine Liebe zu mehrschichtiger Beatles-Psychedelia, Reggae und Snare-Drums hinein und verpasst Mr. Sexsmith einen musikalischen Tritt in die Hose. Obwohl das Album seine düsteren Momente hat (hört euch Parable an, in dem sich der arme Verlierer fragt: Was wäre, wenn dieser schlechte Gewinner / Were einen kleinen Unfall haben?), aber Mr. Sexsmiths schlichte Romantik setzt sich durch.
Dieser Kampf zwischen Dunkel und Licht findet sich auf dem allerersten Track, This Song, wieder. Mit einer Stimme, die wie eine sanfte Mischung aus Van Morrison und Chet Baker klingt, singt Mr. Sexsmith davon, ein fragiles Lied in diese Welt zu bringen und fragt immer wieder: Wie kann dieses Lied überleben? Aber er erklärt auch: Ich werde dieses Lied niemals allein lassen / Ich werde es behalten / Sicher und warm / Denn Hass ist stark / Und die Dunkelheit gedeiht.
Nicht jeder Song auf Blue Boy ist ein Juwel. Die traurige Orgel- und Gitarrenlinie von Cheap Hotel klingen großartig, aber die Texte über eine Frau, die vor ihrem gewalttätigen Ehemann flieht, fühlen sich blass an. Aber es gibt keine wirklichen Klunker. Mr. Sexsmith packt seine wunderbar einfachen Texte weiterhin mit kleinen Überraschungen. Auf Fallen zum Beispiel benutzt er das Bild des Herbstlaubs, um nicht das vorhersehbare Todesgespenst zu symbolisieren, sondern eine intensive Liebe: Und die Blätter haben den Halt verloren / Von den Zweigen wie immer / Die uns mit Gold zurücklassen / Und weinfarben Wege / Genauso habe ich mich in dich verliebt.
Es gibt Momente – wie bei Don’t Ask Why und Just My Heart Talkin’ –, in denen die Musik so sehr nach Mr. Earle klingt, dass man fast erwartet, seine weltmüde Stimme über den klirrenden Gitarren zu hören. Dann taucht Mr. Sexsmith auf und lässt Sie glauben, dass Optimisten in einer gefährlichen Welt agieren können.
- Frank DiGiacomo
