Der britische Popsänger David Bowie im Konzert im Earl's Court, London während seiner Welttournee 1978. (Foto: Evening Standard/Getty Images)Abendstandard/Getty Images In meinen Songwriting-Kursen , lege ich eine Woche zu, in der die Schüler einen Story-Song schreiben sollen – ein Musikstück mit einem Charakter, der sich entwickelt und uns auf eine Art Reise mitnimmt. Die Schüler schauen mich im Allgemeinen mit schielenden Augen an. Einmal, als er die Aufgabe hörte, fragte ein Schüler: Du meinst, wie… Hackbraten ? Zu dem ein anderer fragte: Wer ist Hackbraten? Ein dritter klärte die Dinge auf, indem er anbot: Nein, er meint ein bisschen wie „Stan“ und bezieht sich auf den Eminem-Song aus ihrer fernen kollektiven Kindheit.
Ja. Wie Stan.
Im Moment neigen Songs – und ich verallgemeinere, obwohl populäre Charts dies belegen – dazu, sich auf einen bestimmten Moment zu konzentrieren und sich auf ein festes Gefühl auszudehnen. Beispielsweise, Adeles Hallo, Einer der beliebtesten Songs zum Zeitpunkt dieses Schreibens, drängt sich aus einem persönlichen Telefonat heraus, um ihre Angst über eine vergangene Beziehung zu offenbaren. Lieder mit einem breiteren Blickwinkel verwenden die erste Person Plural (wir) und richten sich direkt an das Publikum, in der Hoffnung, einen Sammelruf zu erzeugen – die allmächtige Hymne. (Der Refrain von Funs Hit von 2011 Wir sind jung kommt mir in den Sinn.) EDM und elektronische Genres umgehen das gesamte Konzept der Geschichte, indem sie entweder Texte vollständig eliminieren oder einen Gesangsteil zu einem gesampelten und wiederholten Hook verbannen. In diesem Fall dient die Musik als persönlicher Soundtrack, der sprachunabhängig interpretiert werden kann. Seine inhärente Unbestimmtheit ermöglicht es, zu skalieren, während andere es mit Bedeutung füllen, als wäre es die Audioversion von Facebook.
Das alles ist natürlich nicht neu in der Musik und ich ziehe auch keine soziologischen Schlüsse über meine Schüler oder ihre Generation generation manche haben . Mein Ziel im Unterricht ist es, einen Song zu finden, der gut funktioniert oder besser funktionieren könnte. Was die Techniken angeht, die meine Studenten anwenden, nun ja: Popmusik ist Mode und die Macht, zu verzaubern. Säume gehen hoch, Säume gehen runter. Wer wusste das besser als David Bowie?
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Hier schwebe ich in einer Blechdose
Weit über der Welt
Planet Erde ist blau
Und ich kann nichts tun
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Ich muss 11 oder so gewesen sein – sogar jünger? — als ich Space Oddity zum ersten Mal hörte. Es war nach dem Fußballtraining, und ich saß in einer überdimensionalen Badewanne mit hohen Porzellanwänden, an der ich mich hochzog, um auf den Radiowecker in der Nähe zu starren. Ich erinnere mich, dass ich das Gefühl hatte, als ob keine Musik mehr herausgekommen wäre und stattdessen ein Film angefangen hätte, sich neben meinen Stollen und meinem Trikot auf den Fliesenboden abzuspulen, während Bilder auf eine neue und unbekannte Leinwand in mittlerer Entfernung projiziert wurden. Mehr als die Musik, das Spiel oder die stimmlichen Fähigkeiten war ich von der Geschichte von Major Toms Weltraumreise gebannt und klopfte während des Gitarrensolos ungeduldig mit den Fingern auf die Wanne, als ob ich sagen wollte: Hör auf zu nudeln und mach weiter... WAS PASSIERT MIT MAJOR TOM!?
Wie bei allen großartigen Geschichten hat man nur eine Chance, über das Ergebnis so schockiert zu sein wie ich, aber wenn ich jetzt darüber nachdenke, kann ich einige der Techniken zusammenfassen, die Bowie verwendet hat, um den Song so brillant zu bevölkern. Ich frage mich, ob ich einige meiner Studenten dazu inspirieren kann, Story-Songs einen neuen Look zu geben, nicht aus Nostalgie oder weil ich denke, dass sie jetzt weniger überzeugende Musik schreiben, sondern einfach weil eine großartige Geschichte eine unglaubliche Kraft hat.
Bodenkontrolle an Major Tom
Ein Fluch des Story-Songwritings ist der Dialog zwischen zwei Charakteren – weil man keine Anführungszeichen oder Zeilenzwischenräume singen kann, muss man wertvolle Zeit damit verbringen, den Hörer daran zu erinnern, Er sagte_____/Sie sagte_____ usw. Sie sagte, sie sagte in den Sinn kommt), ist es anstrengend, eine Geschichte gerade zu halten.
Durch die Simulation von Zwei-Wege-Funkgesprächen macht Bowie diese geschäftige Arbeit nicht nur zu einem die Geschichte bereichernden Detail, sondern hält die Charaktere dabei auch perfekt aufeinander abgestimmt. Er beginnt jede Strophe mit demselben Gerät, und am Ende des Songs ist es ein Refrain für sich selbst – ein Hook, in der Terminologie der Popmusik. Als Ergebnis ist es eine der bekanntesten Eröffnungszeilen in der Popmusik.
Countdown beginnt, Motoren an
Der überspielte Countdown zum Start dient einem doppelten Zweck, da er ein wichtiger Teil der Geschichte ist, aber auch ein klassisches Gerät: die Verwendung von Sequenzen. Von den Jackson 5 A, B, C , zu Feists 1 2 3 4 , Songwriter sind immer auf der Suche nach Sequenzen, die bereits tief verwurzeltes Wissen in den neuen Kontext des Songs ziehen. Für Bowie saß die Sequenz da, und indem er sie im Hintergrund seiner Refrains verwendet, anstatt die volle Aufmerksamkeit darauf zu lenken, überlagert er zwei Hooks, die innerhalb der Geschichte mühelos durchkomponiert werden.
Der Knaller: Die instrumentale Darstellung des Raketenstarts ist für mich einer der großen Momente der Pop-Art. Es vereint Chaos, Ehrgeiz, Handlung, die beliebte Faszination für die Raumfahrt und die sich erweiternden Grenzen dessen, was eine Rockband tun kann. Ich kann mir nur vorstellen, was Andy Warhol gedacht haben muss, als er es zum ersten Mal hörte. Aber anstatt in grundlose Selbstbefriedigung zu verfallen, halten alle Ideen zusammen, dank der präzisen Erzählung, die Bowie etabliert hat. Die Story lässt es zu, ebenso wie die triumphale Auflösung und die urkomisch krassen Glückwünsche von Ground Control:
Und die Zeitungen wollen wissen, wessen Hemden du trägst
Sein schneller Schlag auf die Konsumkultur und sein Augenzwinkern dem Hörer kontextualisieren uns als Teil der Fahrt. Wie schnell eine kolossale menschliche Leistung auf die Gier des Marktes reduziert wird – aber andererseits sind wir damit aufgewachsen, NASCAR-Fahrer zu beobachten, die gesponserte Milch im Siegerkreis verschlingen, und Olympioniken, die die Tugenden anpreisen, kurz nach der Eroberung in Disney World zu gehen das Gold. So seltsam er an der Oberfläche wirkt, erinnert Bowie uns daran, dass er einer von uns ist – ein Außerirdischer, der es schafft, sich nicht zu entfremden.
Hier schwebe ich in einer Blechdose 
Mondlandefähre Apollo 11. (Foto: NASA)
Space Oddity nimmt beim Schreiben zwei wesentliche Atemzüge, die im Allgemeinen als Brücken oder B-Teile bezeichnet werden. Oftmals geben diese Abschnitte dem Hörer einen anderen Blickwinkel, um das Geschehen im Lied zu betrachten. Bowie verwendet sie, um das musikalische Arrangement zu erweitern und Toms internen Monolog bereitzustellen. Bei all dem Geplapper mit Ground Control ist er der Einzige dort oben, mit Momenten, um über das Ausmaß unserer Spezies angesichts des Universums nachzudenken. Wie Jodie Foster es 1996 in dem von Carl Sagan inspirierten Film ausdrückte: Kontakt , Sie hätten einen Dichter schicken sollen. In Space Oddity hat Bowie tatsächlich einen geschickt.
Sag meiner Frau, dass ich sie sehr liebe
Sie weiß!
Indem er Tom zu einem verheirateten Mann macht, steigt seine Verletzlichkeit immens, denn jetzt hängt auch die Liebe an den dünnen Fäden und der kruden Technologie eines jungen Raumfahrtprogramms. Als Zuhörer wissen wir, dass, wenn diese Fäden reißen, der Schaden sowohl irreversibel ist als auch persönlich . Major Tom hat ein ganz anderes Leben – einen Rasen zu mähen, Bilder auf seinem Kaminsims, vielleicht Kinder –, die in einem einzigen Couplet impliziert werden. Dies ist ein reines Seifenopern-Drama, das den Einsatz der Mission erhöhen soll, und Bowie, selbst Schauspieler, kannte seinen Reiz. Wenn die heutigen Songwriter aufgehört haben, diese Art von melodramatischen Knöpfen zu drücken, seien Sie versichert, dass Hollywood dies nicht getan hat: The Power of Love brennt im Zentrum der jüngsten Sci-Fi-Blockbuster Der Marsianer und Interstellar , und das Publikum – vor dem Bowie spielte – hat es offensichtlich nicht satt.
Planet Erde ist blau
Und ich kann nichts tun
Bowie kehrt zum philosophischen Abschnitt B zurück, als er erkennt, dass seine Mission zum Scheitern verurteilt ist, aber jetzt haben die wiederholten Zeilen eine neue, tragische Bedeutung: Zuerst denkt er darüber nach, wie belanglos er sich vor dem weiten Hintergrund des Universums fühlt; im zweiten gibt er zu, dass er nichts tun kann, um sich davor zu bewahren, davon verschluckt zu werden. Dies ist die eigentliche Definition der Songentwicklung: einen sich wiederholenden Abschnitt zu haben, der etwas Neues bedeutet, wenn die Reise des Songs ihren Höhepunkt erreicht hat.
Das andere: Bowie zeigt eine leicht sadistische Seite, indem er Toms Schicksal nie vollendet: Anstatt uns einen letzten, auflösenden Akkord zu geben, verblasst der Song ins Leere und lässt Major Tom für die Ewigkeit drehen. Seine Abfahrt dauert eine volle Minute oder 20 % der ganzes Lied , und nachdem wir mit ihm - dem zerbrechlichen, verheirateten Mann, der fast ein Held war - mitgefühlt haben, haben wir keine andere Wahl, als zu erkennen, dass sein Schicksal letztendlich unser Schicksal ist.
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Das ist sowas ein Story-Song kann, und das ist der Grund, warum ich die Idee meinen Schülern vor Augen geführt habe, trotz der aktuellen Trends. Es ist nicht so, dass wir unseren kollektiven Appetit auf großartige Charaktere und archetypische Handlungen verloren haben. Wir haben keine Lust auf neue Geschichten, und wir sind nicht einmal müde von den alten, denn die Krieg der Sterne Franchise erinnert uns regelmäßig daran. Vielleicht wurden die heutigen David Bowies zu anderen, innovativeren und geschichtenfreundlicheren Formen gelockt – Webserien, Podcasts, Videospiele und so weiter. Vielleicht wird unsere Aufmerksamkeitsspanne in unseren datenüberfluteten Tagen keinen weiteren Handlungsstrang aufnehmen. Aber irgendwo im Äther der Popmusik könnte der Story-Song noch seine schlummernde Kraft behalten und wartet auf die Mode des Augenblicks. Saumlinien sind entschieden unten. Vielleicht bedeutet das, dass es für sie nur einen Weg gibt.
Mike Errico ist Aufnahmekünstler, Autor, Produzent, Musikbetreuer und Dozent, mit sowohl von der Kritik gefeierten Veröffentlichungen als auch umfangreichen Kompositionskrediten in Film und Fernsehen. Er hat Songwriting in Yale und Wesleyan unterrichtet und unterrichtet derzeit am Clive Davis Institute of Recorded Music der NYU. Neben seiner Musikkarriere war Errico leitender Online-Redakteur von Mixer Magazin und ist ein Beitrag zu Gitarrenwelt , ASCAPs Wiedergabe Magazin und Cuepoint. Bitte bleiben Sie in Kontakt per unterschreibt seine Mailingliste .
