Sweeney Todd | 2 Std. 45 Min. Eine Pause. | Lunt-Fontanne-Theater | 205 W. 46. Straße | (212) 575-9200
Er ist wieder da. Stephen Sondheims Meisterwerk über den „Dämonenfriseur der Fleet Street“ wurde gerade am Broadway wiedereröffnet, 44 Jahre nachdem es erstmals in der historischen Extravaganz unter der Regie von Harold Prince mit Angela Lansbury in der meiner Meinung nach größten Aufführung ihrer illustren Karriere vorgestellt wurde. Ich altere selbst, aber ich bin stolz zuzugeben, dass ich am Eröffnungsabend 1979 dort war und seitdem viele großartige Auftritte bejubelt habe.
Warum hassen die Leute Nickleback?
Die hässliche, ziellose, überladene und inkohärente neue Produktion im Lunt-Fontanne Theatre unter der katastrophalen Regie des überbewerteten Thomas Kail ( Hamilton ), ist keiner von ihnen. Dennoch scheint das jungfräuliche Publikum junger Leute, die die Show noch nie gesehen haben, es nicht zu bemerken oder sich darum zu kümmern, wenn sie Zeuge einer fehlgeleiteten Version eines echten Kunstwerks werden. Ich denke, jede Wiedergabe, egal wie mittelmäßig, eines seltenen, außergewöhnlichen und großartigen Musicals in einem Zeitalter von klangähnlichem Jukebox-Müll ist besser als keine.
Ich werde nie meinen ersten Kontakt mit der Sondheim-Oper vergessen, die so spektakulär ist wie die Aurora Borealis im Tal der Könige. Ich saß einfach da, überwältigt von der Größe des Ganzen, war mir bis nach dem letzten Vorhang nicht ganz bewusst, was ich sah, und selbst dann (und seitdem) haben sich Teile seiner umwerfenden Theatralik herumgetrieben, um mich zu verfolgen und zu begeistern . Sie können die Verzückung erneut einfangen, indem Sie sich die DVD der Originalproduktion ansehen, die Sie bei Amazon ausleihen und/oder kaufen können. Jeder, der dies tut, wird den epischen, monumentalen Umfang, die Vision und die Herausforderung erleben, die jahrzehntelang jedes andere Broadway-Musical in den Schatten gestellt haben, das auch nur versucht, einen Vergleich einzuladen.
Ich schrieb 1979, dass ich bezweifelte, dass die Welt jemals das Prachtvolle, Komplizierte sehen würde Sweeney Todd wieder in der monolithischen Form, in der es ursprünglich am Broadway präsentiert wurde. Mit der aktuellen Erweckung als Beweis hatte ich recht. Es ist widerlich, verschiedene Produktionen derselben Show zu vergleichen, aber in diesem Fall ist es unvermeidlich. Für den Anfang gibt es das Set. Ich bin mir nicht sicher, ob man die visuelle Extravaganz der Originalinszenierung als Set im traditionell akzeptierten Sinne des Wortes bezeichnen kann. Eugene Lee, Bühnenbildner, setzte sich nicht einfach an sein Zeichenbrett oder ließ einen Hammer und eine Schachtel Nägel holen. Er ging nach Rhode Island und kaufte eine Eisengießerei für 7.000 Dollar, gab dann 100.000 Dollar aus, um sie nach New York verschiffen zu lassen, wo es drei Wochen dauerte, bis sie auf der Bühne des Uris Theatre errichtet wurde. (Es wurde geschätzt, dass zum Zeitpunkt der Premiere am Broadway bereits 1,7 Millionen US-Dollar für die Produktionskosten ausgegeben worden waren.) Das Ergebnis war ein Panorama der industriellen Revolution im London des 19. Jahrhunderts, das eine verwüstete, rußbefleckte Ära wieder zum Leben erweckte deine Augen wie nie zuvor gesehen. Die Bühne war ein gigantischer Haufen aus Kesseln und Motoren und Nahtrohren, aus Schornsteinen, die vor einer gigantischen Kulisse aus Eisen, Ziegeln, Aluminium und Wellblech echten Rauch ausstießen.
Was passierte, war England im Jahr 1840, eine Zeit des Elends, des Schmutzes, der Armut und der Verzweiflung, als London von Historikern als eine schwarze Kloake der sich windenden Menschheit angesehen wurde, die Ungeziefer sammelte und Verbrechen unsterblich machte, ohne einen Ausweg für aufgestaute emotionale Turbulenzen außer Gewalt. Im Zentrum dieses menschlichen Holocausts häufte eine Gruppe düsterer Totengräber aus einem offenen Mannloch Erde auf den Boden in der Mitte der Bühne, während ein Mann in einer langen Weste auf einer riesigen Pfeifenorgel ein Klagelied spielte. Sweeney erhob sich in einem unheimlichen grünen Licht aus dem Grab und trat zum ersten Mal auf, und die Bühne war bereitet für die Opernlegende, die sich zu entfalten begann – eine Geschichte, die Londoner Kindermädchen über Jahrzehnte rebellischen Kindern erzählten: „Geh jetzt schlafen, oder Sweeney Todd wird dich kriegen, wenn du nicht aufpasst!“
Nichts davon passiert in der neuen Produktion, obwohl die Geschichte genauso Teil der britischen Mythologie bleibt wie Jack the Ripper, dies ist seine Legende, erzählt in Gesang und Dialog und Pantomime, und es ist keine schöne Geschichte für schwache Nerven . Die Geschichte, die Stephen Sondheim mit Hilfe von Hugh Wheelers reich besticktem Buch so unverschämt vertont hat, handelt von der Ungerechtigkeit, die einem Friseur namens Benjamin Barker zugefügt wurde, der einst eine schöne Frau und eine schöne Tochter hatte, aber von einem Bösen ins Gefängnis geschickt wurde Richter, der seine Frau für seine eigenen geilen Zwecke wollte. Barker kehrt nach 15 Jahren zurück, ein entflohener Sträfling mit der neuen Identität von Sweeney Todd und einem Masterplan für Rache an den Schurken, die sein Leben zerstört haben. Sweeney richtet oben über dem Kuchenladen einer Schlampe namens Mrs. Lovett einen neuen Friseurladen ein, wiegt seine Kunden mit musikalischen Kadenzen in einen entspannten Zustand, schlitzt ihnen mit der Geschwindigkeit eines Zahnarztbohrers die Kehle auf, lässt sie über eine Rutsche in Mrs. Lovetts Öfen, und sie backt daraus Fleischpasteten, um die hungernde Bevölkerung der Londoner Slums zu ernähren. Wahnsinnige Bettler, einbeinige Freaks, knurrende Prostituierte, gepuderte Dandys, Matrosen vom Kai, Verrückte aus Fogg's Asylum und eine Phalanx kriechender, schleichender Menschen dringen in die Erzählung ein und fegen sie in Crescendo, wobei sie Grand Guignol und Grand Opera verschmelzen, um a zu erzählen weitläufige Geschichte von Mord und Chaos in den Tagen der Seuchenkrankenhäuser und einer Bevölkerung, die gefährlich in Richtung politischer Anarchie rast. Obwohl die Geschichte Jack the Ripper and the Elephant Man um 40 Jahre vorausgeht, haben Sondheims Partitur und eine Vielzahl titanischer Darbietungen diese kaltblütigen Tage des Terrors brillant nachgebildet.
In der neuen Produktion gibt es nur Chaos und nur eine Leistung, die ernsthafte Aufmerksamkeit verdient, in Josh Grobans erschreckender Darstellung der Titelrolle. Erstaunlicherweise zeigt er das Herz, das in der Seele eines Vampirs schlägt, sowie die Reißzähne. Es wäre einfacher gewesen, die Bühne mit Blut zu bespritzen, während man vor Freude in den Wahnsinn getrieben wird, aber Groban verzichtet auf billige Effekte, um uns zu zeigen, was Schmerz und Verzweiflung getan haben, um ihn auf teuflische Weise in den Zustand der Schurkerei zu treiben. Und Junge kann er singen! Er ist der einzige in der Besetzung, der deutlich gehört und zusammenhängend verstanden werden kann, wobei jeder Ton und jede Silbe einen Platz haben.
Unglücklicherweise ist er nicht ebenbürtig mit Co-Star Annaleigh Ashford, deren Mrs. Lovett in einem falschen Cockney-Akzent wimmert und stottert, der ein Wörterbuch verlangt. Ermutigt, gnadenlos zu zucken und zu hampeln, singt sie laut, aber mit irritierender Unverständlichkeit. Sie setzt auf Lacher statt auf Klarheit und bekommt sie auf Kosten der Bedeutung. Bei einem Showstopper wie „A Little Priest“, in dem der Wahnsinnige und das alte Weib durch den Kuchenladen tanzen und bestimmen, welche Art von ekelhaftem Gebäck sie aus den Körpern ihrer zukünftigen Opfer machen sollen, ist die urkomische Klugheit von Sondheims Texten immer noch einzigartig. Wie schön wäre es, wenn wir sie verstehen könnten. Für Angela Lansbury schrieb Sondheim eine mörderische Rolle, die stimmlich und dramatisch äußerst anspruchsvoll war, mit einer Bandbreite, die Koloraturschönheit sowie komisches Timing erfordert. Ms. Ashford findet es unmöglich, in einem sehr hohen Oktavbereich schnell zu singen, ihren Cockney-Akzent beizubehalten und gleichzeitig mit einer endlosen Anzahl von Requisiten zu arbeiten. Rezitativ ist kein Stil in ihrer Komfortzone. Das Ergebnis: Ganze Sätze und fast alle ihre Songs wirken ebenso sinnlos wie unverständlich.
Sie ist nicht allein. Mit Ausnahme von Josh Groban befindet sich der Rest der Besetzung ebenso in einem Cockney-Nebel wie Ms. Ashford. Eine verschwendete Ruthie Ann Miles, die so gut in der Produktion von Lincoln Center war Der König und ich , spielt eine Bettlerin, die kommt und geht wie die Iden des März mit wenig Wirkung. Gaten Matarazzo, ein Import aus dem Fernsehen, singt die schöne Ballade „Not While I’m Around“ passabel, aber er ist zu alt, um den submentalen Dienerjungen zu spielen, dessen Entdeckung, was in Mrs. Lovetts Ofen vor sich geht, zum erschütternden Finale des Stücks führt. Sondheims Texte, die dem Publikum zu jeder Zeit Engagement und Konzentration abverlangen, werden oft der Bühnenbewegung geopfert. Manchmal gibt es zu viel plumpe Gruppenaktivität ohne Zweck, und die Inszenierung steht der Handlung im Weg. Zu anderen Zeiten verwässert das komische Relief die dunklen Untertöne des Stücks, wenn die Geschichte nach mehr düsterem und muffigem Horror schreit, als sie liefert. Und manchmal stehen die kitschigen Kostüme und das billig aussehende Produktionsdesign einfach im Weg. Eine verdammte Hängebrücke über den Köpfen der Sänger lenkt mitten in wichtigen Songs immer wieder ab, während wir noch versuchen, die wirren Songtexte zu entziffern, und ich wünschte mir immer wieder, das Ding würde ganz aus der Show verschwinden. Das tat es nie.
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Trotz so vieler Enttäuschungen und Vorbehalte fordere ich jeden, der mit diesem Werk des kulturellen Genies nicht vertraut ist, auf, sich einige, eine oder irgendeine Produktion davon anzusehen Sweeney Todd, eine der glänzenden Errungenschaften des Broadway. Was für ein Privileg, Teil dieses Abenteuers zu sein, selbst in einer trägen, zweitklassigen Produktion wie dieser.
