„The Hours“ von der Met kämpft im Schatten von Virginia Woolf

Als sie an einem Junimorgen aus ihrem Haus in London tritt, um Blumen zu kaufen, denkt Clarissa Dalloway, nicht mehr jung, aber immer noch wunderbar und manchmal erstaunlich lebendig, „Was für eine Lerche! Was für ein Sturz.“ So beginnt Frau Dalloway, Virginia Woolfs Roman aus dem Jahr 1923, der ein ganzes Leben an einem Tag skizziert, einem Tag, der Leben voller vielschichtiger Erinnerungen, Bedauern und kostbarer, silberner Freudenblitze enthalten kann. Die Schönheit von Woolfs Schreiben liegt in der Navigation durch die ständigen, stillen und seismischen emotionalen Veränderungen, die das Leben ausmachen. Michael Cunninghams Roman von 1998 Die Stunden , ein mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetes Riff über Woolf, das ihre Arbeit für die AIDS-Ära umschreibt und Liebe, Kunst, Selbstmord, Erinnerung und die großen und kleinen Bindungen erforscht, die diese alle zusammenhalten, platziert seine Clarissa – jetzt Clarissa Vaughan, aber deren Freund Richard nennt seit Jahren „Mrs. Dalloway“ – im West Village, am Ende des Jahrhunderts, das Woolf aufgebrochen hatte. Sie denkt: „Was für ein Nervenkitzel, was für ein Schock, an einem Morgen im Juni am Leben zu sein.“ Der Roman verschiebt die Perspektiven von Virginia Woolf, von der wir wissen, dass sie irgendwann durch Selbstmord sterben wird, aber vorerst darum kämpft, die Eröffnungszeile für ihren nächsten Roman zu finden, zu Laura Brown, einer Hausfrau und Mutter, deren mysteriöse Unzufriedenheit im Lesen ein Ventil findet Frau Dalloway und ihre Nachbarin Kitty küsst, und zurück zu Clarissa Vaughan, einer Redakteurin, die mit ihrer Partnerin Sally zusammenlebt und eine Party für Richard schmeißt, einen Dichter, der langsam aber sicher an AIDS stirbt und vermutet, dass er kürzlich einen großen Poesiepreis gewonnen hat mehr mit seinem nahenden Tod zu tun als mit seiner Arbeit.

Angesichts dessen Die Stunden ist sowohl selbst eine Adaption als auch Gegenstand einer von der Kritik gefeierten Adaption in dem Film von 2003 unter der Regie von Stephen Daldry mit Meryl Streep, Nicole Kidman und Julianne Moore, Komponist Kevin Puts und Librettist Greg Pierce stellten sich eine ehrgeizige Aufgabe für die Adaption diese Geschichte noch einmal für die Opernbühne am 22. November bei der Premiere der Metropolitan Opera Die Stunden. Sie mussten nicht nur die wechselnden Perspektiven beider Romane in Opernsprache übertragen und die Intimitäten, die sie definieren, einfangen, sondern auch begründen, warum die Oper die notwendige Form für eine solche Neuinszenierung ist. Leider gelang es ihnen an keiner Front, stattdessen lieferten sie eine frustrierend breite, oft ermüdende Oper, die nicht nur den Geist einer ihrer Quellen nicht einfangen konnte, sondern jede in ihre breitesten thematischen Striche flachdrückte, nur eine Kopie der Kopie, die sich verwischte Undeutlichkeit.

Es ist klar, wie sehr The Met wollte, dass diese Oper funktioniert. Sie haben drei der berühmtesten und beliebtesten amerikanischen Opernsängerinnen – Joyce DiDonato, Renée Fleming und Kelli O’Hara – als ihre Stars engagiert und die Nebenbesetzung mit einer Vielzahl jüngerer und bekannter Stimmen ergänzt Gesichter getroffen. Das Kreativteam repliziert fast genau das brillante und lebhafte Jahr 2019 Echnaton , mit Phelim McDermott als Regisseur und Tom Pye, der zurückkehrt, um Kostüme und Sets zu entwerfen. Die scharfe und glänzende Fremdheit, die machte Echnaton Faszination fehlte hier ebenso wie jeder auffällige Einsatz von Farbe. Die Innenräume der Häuser jeder Frau nutzten zwar mehrere Ebenen der Bühne, sahen aber schäbig und plastisch und seltsam schmuddelig aus, selbst wenn sie farbenfroh waren, während die Kostüme nichts von Pyes zeitraubender Pracht hatten. Clarissa Vaughans weißes Mantelkleid verwirrte nicht nur die Zeitachsen, indem es eher in den 1950er als in den 1990er Jahren erschien, es ließ die Figur altern und entzog Renée Fleming auch die Farbe. Es ist auch klar, wie sehr die Met von einem feministischen Sieg hält Die Stunden ist, obwohl sie fast ausschließlich von Männern geschaffen wurde, abgesehen von Annie-B Parsons Choreographie, bei der Tänzer abwechselnd Blumen schwenkten und verstreuten oder wie Leichen nach einem Kampf auf der Bühne verstreut lagen. So lästig es auch ist, diese Tatsache würde viel weniger ausmachen, wenn Die Stunden für sich genommen eine hervorragende Oper waren, oder auch wenn ihre Behandlung weiblicher Charaktere nuancierter war als andere Opern von Männern über Frauen.

Während Pierces Libretto den allgemeinen Umriss von Cunninghams Roman beibehält, ist dies thematisch ein ganz anderes Stück. Das Libretto hat eine merkwürdige Art, Nuancen tatsächlich zu eliminieren; Die Oper war voller Änderungen, die nur dazu dienten, sie für ihr Publikum banaler und herablassender zu machen. Es bestand oft darauf, die Themen in den Dialogen darzulegen, während es gleichzeitig den Punkt von Woolfs und Cunninghams Romanen zu verfehlen schien. Er scheint bestrebt zu sein, die Zeilen des Buches oder Films nicht exakt zu reproduzieren. Diese Angst veranlasst ihn jedoch, viele Höhepunkte stattdessen in Klischees wiederzugeben. Schneiden Sie zum Beispiel den Moment aus, in dem Richard Woolfs Abschiedsbrief („Ich glaube nicht, dass zwei Menschen glücklicher sein könnten als wir zusammen waren“) gegenüber Clarissa zitiert, bevor er aus seinem Wohnungsfenster stürzt, nur um es durch eine Beleidigung zu ersetzen Pablum darüber, wie Richard hofft, dass seine Werke andere Künstler lange genug am Leben erhalten, um zu schreiben, bevor auch sie sich unweigerlich umbringen, ermordet einfach die Figur und führt eine wesentlich problematischere und selbstgefälligere Behandlung des Selbstmords ein.

Zusätzlich zum Mangel an Nuancen vergrößert das Libretto ein Problem, das an den Rändern von Cunninghams Roman lauert, in eine jetzt unübersehbare Größe: die Art und Weise, wie es queere Frauen nur in Bezug auf ihre Beziehungen zu männlichen Charakteren positioniert. Pierces Clarissa bezeichnet ihren Partner herablassend als „Silly Sally“ (hier gesungen von einem sparsam eingesetzten Denyce Graves) und scheint nichts als Verachtung für sie und jeden zu empfinden, der nicht Richard ist. Anstatt ihre Welt zu bemerken und zu lieben und zu betrachten, ist sie abgelenkt und wiederholt sie und kann sich nur fragen, ob Richard sich an seine Party erinnern wird. Am wichtigsten ist, dass es die Erfahrungen queerer Frauen an den Rand einer Geschichte drängt, die sich angeblich um diese Erfahrungen dreht und wie sie das Leben der Charaktere (mit und ohne Männer) prägen.

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Aller Wahrscheinlichkeit nach sah das Publikum den ersten kanonisch lesbischen Kuss auf der Met-Opernbühne in Die Stunden . Dies sollte sich wie ein historischer Moment in der Repräsentation anfühlen, aber jede Öffnung von Der Rosenkavalier enthält mehr echte lesbische Erotik als das geschlechtslose Küsschen, das wir zwischen Sally und Clarissa gesehen haben, und der Kuss zwischen Laura und Kitty hatte nicht die atemlose Offenbarung, die es brauchte. Kelli O’Hara hat Silvia D’Eramos Kitty einfach einen draufgemacht und dann den Rest der Opernmutter damit verbracht, sich darüber zu schämen, wie ihre Gefühle ihren Sohn beeinflussen werden.

Die Musik von Puts trug wenig zur Besserung bei, obwohl der Komponist eindeutig am großen Opernformat schwelgte. Die Partitur umfasste ein breites Spektrum an Instrumenten mit Anspielungen auf den Opernkanon und stilistischen Referenzen von Swing und Big Band. Auch wenn diese Vielfalt auf beträchtliches musikalisches Interesse hindeuten mag, fühlte sich die Partitur letztendlich gleichzeitig exzessiv und schlicht undenkbar an. Eine unnötige Countertenor-Rolle (obwohl gesungen von einem wunderbar flexiblen John Holiday), vier Kinderstimmen und ein starkes Vertrauen in den Refrain dienten dazu, die Partitur zu überladen, während sie gleichzeitig emotionale Offenbarungen vermittelten, die seinen Hauptfiguren an anderer Stelle hätten in den Mund fallen sollen. Die Partitur tappt in eine bekannte Falle der zeitgenössischen Oper: instrumentales und orchestriertes Feuerwerk, aber Gesangslinien ohne Dramatik und viel Deklamation in einzelnen Tonlagen. Yannick Nézet-Séguin dirigierte mit bisweilen hektischer Energie, aber selbst die sich steigernde Selbstmordszene blieb flach, die Spannung brach aus ihr heraus, obwohl sie sich hätte aufbauen sollen.

Puts' Verdienst ist seine Musik für Laura, besonders wenn sie Passagen vorliest Frau Dalloway, war am bewegendsten, und obwohl Kelli O’Hara nicht perfekt für zeitgenössische Musik geeignet ist, ließen diese Passagen etwas Transzendenz durch. Gesanglich war Joyce DiDonato am besten als unbeholfenes Genie Virginia Woolf geeignet, aber Fleming war von der Partitur unterfordert, die nur eine kratzende Qualität aus dem normalerweise warmen und großzügigen Sopran herausholte. Und leider war in dieser Oper, die sich angeblich um drei Frauen dreht, der lyrischste Gesangssatz den männlichen Charakteren vorbehalten, insbesondere Richard, der letzte Nacht von dem intensiven und angemessen selbstironischen Bassbariton Kyle Ketelsen gesungen wurde, der eine Stimme war herausragend (William Burden als Richards ehemaliger Liebhaber Louis und Sean Panikkar als Leonard Woolf rundeten die männliche Besetzung ab). Die Breite sowohl der Partitur als auch des Librettos diente nur dazu, gegen die Notwendigkeit von Opernneuinterpretationen zu argumentieren, insbesondere in dieser Ära der sicheren Aufträge für bereits erfolgreiches geistiges Eigentum ( Marnie war ein weiteres solches Beispiel).

Schlussendlich, Die Stunden , obwohl es darauf besteht, uns an Woolfs berühmte Eröffnungszeile „Mrs. Dalloway sagte, sie würde die Blumen selbst kaufen“, hielt kaum etwas anderes von der Lerche oder dem Sprung fest, der entweder ihre Arbeit oder die von Cunningham auszeichnete. Ich sehne mich nach neuen Opern, die nicht nur Kopien von Kopien sind, sondern tatsächlich Originale.