Willa Chasmsweet Wasserman’s Gemälde sind die Art, die tagelang im Gedächtnis bleiben. Sie geben dem Betrachter bei jeder Interaktion mit ihrer Arbeit etwas Neues zu erleben. Wasserman beschreibt ihre Herangehensweise an die Malerei gegenüber Observer als eine, bei der man hinsehen soll, „während man seine Augen anpasst“. Diese Art des Schauens und Erlebens ähnelt dem Moment, in dem Sie zum ersten Mal aufwachen und sich im Übergangszustand zwischen Schlaf und Wachen befinden – hypnopompisch. In diesem Bewusstseinszustand versucht das Gehirn, Verbindungen zwischen nichtlinearen Objekten und größeren Assoziationen herzustellen.
Diese Spannung zwischen Wahrnehmung und Wachbewusstsein ist es, worauf Wassermans Gemälde schwanken; größere Sekundenbruchteile des Erkennens des Selbst und des Anderen. Anders ausgedrückt bieten diese Gemälde eine Art Dialektik oder eine Möglichkeit, die Darstellung des Selbst in Bezug auf die Parameter, die Wasserman für ihre Betrachter erfahrbar gemacht hat, psychisch anzuerkennen; eine psychoanalytische Lektüre, wenn man so will. Wassermans Werk spricht auch von einer größeren Geschichte rund um Seltsamkeit, Verlangen und Intimität, die sich in ihren Themen und den Details widerspiegelt, die sie auf der Leinwand analysiert.
Wasserman macht auf die Lücken zwischen Raum, Zeit und Anerkennung aufmerksam, die historisch, sozial und visuell oft übersehen werden. Wasserman arbeitet überwiegend mit Ölfarben auf Metalloberflächen und Leinwänden und kanalisiert so eine umfassendere Geschichte der Malerei, die auf die Gegenwart und darüber hinaus übertragen werden soll. Indem sie größere Darstellungen des Selbst, gelebter Erfahrungen, Transidentität durchdenkt und alte Worttechniken unterwandert, um neue Bedeutungen zu schaffen, gibt sie den Zuschauern Einblick in das, was sein könnte und sein kann. Diese Themen sind in ihrer Arbeit allgegenwärtig. Und als gelernte Metallbauerin hat sich dies auch auf spannende Weise in ihren kreativen Prozess eingeschlichen.
„Sie fühlen sich für mich wie Geschwister. Ich denke, Ölfarbe wurde erfunden, um Fleisch nachzuahmen und sehr wertvoll und formbar zu sein. Und Metall, insbesondere weil alle Metalle unterschiedliche Eigenschaften haben. Aber Messing ist erschreckend formbar und Sie können daraus machen, was Sie wollen. Und das fühlt sich ein bisschen wie Malen an. „Gemälde verändern sich im Laufe der Zeit auch stark, und das gilt auch für Metall, abhängig von der Umgebung, in der es sich befindet“, sagte Wasserman gegenüber Observer.
Diese Beziehung, die Wasserman zwischen Malerei und Metallbearbeitung geknüpft hat, ist zu einem charakteristischen Bestandteil ihrer Kunst geworden, worüber ich mehr wissen wollte. An einem lebhaften Novembernachmittag machte ich mich auf den Weg zu Wassermans Studio im geschäftigen Bushwick. In den letzten zwei Jahrzehnten hat sich Bushwick den Ruf erworben, ein Zufluchtsort für Kreative wie Wasserman zu sein. Dies hat dazu geführt, dass viele Galerien und Künstler in die Gegend strömten, verlassene Fabriken übernahmen und sie in moderne Ateliers umwandelten.
Wasserman hieß mich in ihrem Haus und Atelier willkommen; Obwohl sie zum Zeitpunkt meines Besuchs erst etwa zwei Wochen im Raum war, schien sie sich gut eingelebt zu haben. Sie ist kürzlich von Los Angeles nach New York gezogen, es handelt sich jedoch um ein Wiedersehen. Die gebürtige Indianaerin erhielt ihren BFA vom Hunter College, gefolgt von einem MFA in Malerei von der UCLA. Und trotz der Tatsache, dass immer noch eine globale Pandemie herrscht, hat Wasserman einen vollen Ausstellungskalender aufrechterhalten; Derzeit zeigt Wasserman ihre Arbeiten bei NADA Miami.
Wenn Sie das Studio zum ersten Mal betreten, begrüßt Sie ein roter Perlenvorhang. Es führte zu einem hellen, hellen Raum mit großen Fenstern, die mit hauchdünnen kanariengelben Vorhängen bedeckt waren. Der Raum war liebevoll mit Malutensilien, Skizzenbüchern und zusammengerollter Bettwäsche vollgestopft, die in Stapeln herumlagen. An der Wand hingen mehrere Stücke Leinen und Papier. Eine handgefertigte Metallpalette mit bereits darauf aufgetragenen Ölfarbentupfern und eine große Staffelei standen für Wasserman bereit, wann immer sie Lust dazu hatte. Wir besprechen unsere gemeinsame Liebe zur Malerin Joan Mitchell, wie sich Wassermans Atelierpraktiken entwickelt haben, ihre Affinität zu Eiersandwiches, aber auch darüber, was für eine Atelierpraxis grundlegend ist.
Ihre neuen Projekte beginnen Gestalt anzunehmen und ich war für eine seltene Pause in ihrem normalerweise geschäftigen Studio dabei; Dies ist auch das Ergebnis ihrer ersten Einzelausstellung mit Downs & Ross Die Galerie wurde am 13. November geschlossen. Wasserman lebt und arbeitet derzeit an einem Ort, was für sie eine Premiere ist. Und deshalb musste sie diesem neuen Studio Grenzen setzen.
„Ich habe diesen Raum als meinen Atelierraum eingerichtet. Als würde ich hier keine anderen Sachen machen. Ich lasse mein Telefon nicht auf den Dachboden. Es ist schön, ein Loft zu haben, denn wenn das Bett nur im Zimmer steht, lässt man sich immer gerne mit meinem Laptop aufs Bett fallen und erledigt Dinge. Aber das ist hier oben nicht wirklich der Fall“, sagte sie.
Wassermans neue Lebenssituation hat es ihr jedoch ermöglicht, sich weiterzuentwickeln. „Ich befinde mich in einer Zeit und in einem Raum, in dem es kein Drama gibt, und ich mache es selbst.“ Und ich habe jetzt das Gefühl, dass ich eine absolute Malerin bin“, sagte sie.
Wasserman bemerkte, dass sie in letzter Zeit viel von der 1980er-Jahre-Band TalkTalk sowie Anne Briggs, einer beliebten britischen Folk-Sängerin aus den 1960er-Jahren, gehört hatte. Diese musikalischen Einflüsse tragen unter anderem dazu bei, den Ton anzugeben und eine Stimmung zu schaffen, die Wasserman als arbeitfördernd empfindet. Die Idee von Raum in Bezug auf Musik und Kunst sowie die Körperlichkeit von Orten kamen während unseres Besuchs mehrmals zur Sprache.
„Raum ist für Arbeit und Raum für Potenzial. Ich möchte den Leuten einfach Raum geben, herauszufinden, was sie sehen. Anstatt deklarative Bilder zu malen, male ich deshalb so sanft. Das liegt daran, dass ich Ihnen nicht sagen möchte, was es ist, ich möchte nur Platz schaffen.“ sagte Wasserman.
Während unseres Besuchs zeigte mir Wasserman eine Silberspule, die sie per Post erhalten hatte. Die schillernden Strähnen waren eng gewickelt und fühlten sich kühl an, sodass sie fast märchenhaft wirkten. Während mir, einem Neuling in der Metallspitzentradition, dieses Objekt unglaublich besonders und haptisch vorkam, war dies genau die Art von Hilfsmittel, die alte Meister aus Jahrhunderten zuvor nutzten, um den gewünschten akribischen Effekt zu erzielen. Innerhalb der Grenzen von Wasssermans angesagtem Brooklyn-Studio im Jahr 2021 hat die silberne Spule jedoch eine neue Bedeutung erhalten.
Im Jahr 2018 begann Wasserman als MFA-Studentin im berühmten Malprogramm der UCLA mit der Metallspitzentradition der Renaissance zu experimentieren und sie auf ihre Atelierpraxis anzuwenden. Dies entstand aus Wassermans früherer Erfahrung als Metallarbeiterin und hat sich seitdem auf viele der Gemälde übertragen, die sie heute schafft. Meister der alten Welt wie da Vinci, Jan Van Eyck und andere verwendeten geschärfte Metallstücke wie Silber auf einer vorbereiteten Oberfläche, meist mit Gesso, um präzise und sorgfältige Zeichnungen zu erstellen. Während Elemente der Tradition erhalten bleiben, hat Wasserman ihren Prozess damit weiterentwickelt.
„Ich habe das Gefühl, dass es bei der Metallspitze, die aus Messing besteht und bald aus Silber sein wird, eine materielle Grenze gibt, wie dunkel oder hell sie sein kann. Dadurch werden gewissermaßen die Grenzen der Bilder festgelegt. Ich glaube, ich neige dazu, die Dinge nah am Original oder an der Oberfläche zu halten“, sagte sie.
Wasserman beginnt im Allgemeinen damit, mit einem Stück Stahlwolle entweder auf ein Stück Papier oder direkt auf gespanntes Leinen zu zeichnen. Von da an nimmt ihre Arbeit verschiedene Formen an und es hilft auch dabei, die Parameter festzulegen, in denen sie arbeitet. Dies lässt sich an konvexen Gemälden erkennen, bei denen Wasserman direkt auf Metallstücke malt, meist Messing oder geschwärzten Stahl. Mit zarten Pinselstrichen belebt Wasserman die Leinwand mit sanften, gedämpften Tönen, die ätherische und verschwommene Bilder erzeugen, die den Betrachter dazu bringen sollen, seinen Blick anzupassen.
In 858 von Emily Dickinson, in dem ich „chasmsweet“ las, während ich nicht schlafen konnte wird dieses größere Raumgefühl und die visuelle Darstellung des Körpers auf spannende Weise erkundet. Cremige Farbtöne aus Maisseidengelb, dezentem Ringelblumenorange und Eierschalenweiß vermischen sich zu einer schwindelerregenden Szene des Erkennens und des Missverstehens. Ein schwebender Körper taucht aus dem Vordergrund auf, mit dem Rücken zum Betrachter und langen Haaren, die von der Seite herabfallen, während er nach links blickt und den Arm am Kopf ausgestreckt hat. Der Körper weicht einer scheinbaren Statue oder Büste auf einem Sockel. Gelbe und weiße Pinselstriche übernehmen die Leinwand und formen sich um die Formen herum, während sie gleichzeitig ein großes Ordnungsgefühl zwischen den größeren schaffen
Ohne Titel 11.07.21 ist ein herrlich intimes kleines Gemälde im Format 20 x 20 cm auf einem Stück geschwärztem Metall. Dem Betrachter steht ein kopfloser, nackter Oberkörper mit gespreizten Beinen gegenüber. Immergrüne Purpur- und Kornblumenblautöne heben die Form vor einem schwarzen Hintergrund hervor. Die traumhafte Form ist angreifend und erregt Aufmerksamkeit. In dieser und den anderen Arbeiten steckt eine Energie, die durch die Oberfläche und darüber hinaus vibriert. Diese Momente der Intimität und Intensität sind es, die Wassermans Arbeit antreiben und Kunstliebhaber dazu bringen, Zeugnis abzulegen.
