Sam Poon, Schlagzeuger Anthony Genovesi, Jakeim Hart und Gian Perez in Singstraße .Matthew Murphy Der Coming-of-Age-Film des Autors und Regisseurs John Carney über die Dubliner Kinder der 1980er Jahre, die ihren Weg zur persönlichen Befreiung rocken, kam 2016 heraus und weniger als vier Jahre später ist es ein Off-Broadway-Musical. Das muss ein neuer Landgeschwindigkeitsrekord für die Anpassung einer Eigenschaft von Bildschirm zu Bühne sein. Basierend auf dem gedämpften und enttäuschenden Singstraße beim New York Theatre Workshop hätte das Kreativteam jedoch länger brauchen, mehr scheitern und aus seinen Fehlern lernen sollen. Das meiste von dem, was frisch und ansprechend in dem Film ist (der fröhlich formelhaft ist), ist in einem bleiernen theatralischen Rahmen verloren gegangen, der Milieu, Charakter und Musizieren jeglicher Spannung und Charme raubt.
In der Darstellung einer kunterbunten Gruppe pickliger irischer Außenseiter, die eine Band gründen, ihre Lieder in Schlafzimmern und Garagen üben und sich dann zur Big Show aufbauen, hat der Film erhebliche Vorteile. Erstens können Sie echte Teenager in all ihrer unbeholfenen Pracht besetzen, nicht einen Haufen Schauspieler, die etwas zu alt und zu poliert sind, um vollständig zu überzeugen. Film fängt auch Zeit und Klasse effizienter ein als Enda Walshs glattes, unkonzentriertes Buch. Im Originalfilm zwingen die finanziellen Probleme der Familie die Mittelschicht Conor dazu, von einer noblen Privatschule in eine erbärmliche, von den Christian Brothers geleitete Einrichtung der Arbeiterklasse zu wechseln. Die Kämpfe und Mobbing dort – sowohl von Studenten als auch von missbräuchlichen Priestern – verleihen Conors misslichen Lage eine brutale, klassische Note. Doch Walsh und Regisseurin Rebecca Taichman scheuen die grellen und düsteren Möglichkeiten, so dass Conors neue Situation nur unbequem, nicht alptraumhaft ist.
Die Handlung nimmt richtig Fahrt auf, als Conor (Brenock O’Connor) die schöne junge Raphina (Zara Devlin) ausspioniert, die mit Sonnenbrille an einer Ecke steht und unglaublich cool aussieht. Er ist sofort gefesselt und tut, was jeder rotblütige Junge 1982 tun würde: Er erzählt ihr, dass seine Band ein Musikvideo dreht und sie gerne dabei wäre? Natürlich muss er sich jetzt beeilen, um eine Band zu gründen. Auch hier war der Prozess der Rekrutierung von Amateurmusikern im Film schrullig und erfolgreich; hier ist es mechanisch, und Walsh schafft es nicht, Bandmitglieder über faule Tics hinaus zu individualisieren: Einer hat einen Schnurrbart, ein anderer möchte einen Schnurrbart, ein dritter möchte wie ein Papagei aussehen. Im Vergleich dazu sind die gitarrenschreddernden Tots in School of Rock waren praktisch Tschechowianer. Conors ausgebrannter, agoraphobischer Bruder Brendan (Gus Halper) kommt einer vollwertigen Figur auf der Bühne am nächsten, und er bekommt das große, kathartische Finale, aber es fühlt sich wie ein nachträglicher Gedanke an. Devlin hat reichlich Charisma und ein schönes Vibrato, das an Kate Bush erinnert, aber sie wird wie alle von Walshs selbstgefälligen Witzen verdeckt (wiederkehrende Ausgrabungen über den irischen Dramatiker John Millington Synge, die nirgendwo hinführen).
Die Songs von Gary Clark und Carney sind Originalnummern, die den Synthie-lastigen Pop und New Wave der 80er geschickt kanalisieren, und die Besetzung scheint es zu genießen, um ihrer selbst willen zu jammen. Die Konzertabschnitte sind angenehm, wenn die Band mit ihren Instrumenten schlägt oder schmollend und putzend für die Kamera putzt. Aber zu diesen Musikvideo-Elementen: Der Manager der Band, Darren (Max William Bartos) ist der Chefkameramann und organisiert mit Raphina und den Jungs Aufnahmen mit minimalem Budget. Bühnenbildner Bob Crowley hat eine große Leinwand im Zentrum der Bühne platziert, auf der ein großes Bild des offenen Meeres gedruckt ist (ein ziemlich unverblümter Wegweiser des Eskapismus). Die Leinwand scheint ein einladender Raum für entweder Live-Videoprojektionen oder vielleicht Fantasy-Filmmaterial zu sein – das hoffnungsvolle Selbstverständnis der Band. Das Fehlen von Video im Produktionsdesign scheint eine lahme, kontraintuitive Wahl zu sein.
Aber andererseits ist Taichmans allgemeine Herangehensweise an die Geschichte frustrierend zögerlich. Anstatt sich für den theatralischen Realismus zu entscheiden Billy Elliot oder der stilisierte Weltbau von Frühlingserwachen , sie setzt auf eine reduzierte Präsentationsästhetik. Schauspieler verdoppeln sich als Musiker und beobachten von der Seitenlinie aus, wenn sie sich nicht in einer Szene befinden. Es gibt kaum Versatzstücke oder visuelle Hinweise, die den matten, schlammigen Gaumen entlasten: eine schwarze Soutane eines Priesters, graue Schuluniformen, diese statische, langweilige Weite des Meeres im Hintergrund. Solch ein trotziger Minimalismus sieht nach einem Mangel an Fantasie und Nerven aus.
Vielleicht sollten Sie nicht versuchen, aus einem so konventionell-romantischen Film ein dekonstruiertes Arthouse-Musical zu machen Singstraße . Sofern die Produzenten nicht bereit sind, Millionen in eine aufwendige, vollfarbige Broadway-Version zu versenken – vielleicht mit Teenager-Schauspielern und Erwachsenen als ihre zukünftigen Fantasie-Doppelgänger? – enttäuscht diese Art von abgedroschenen Kompromissen alle: diejenigen, die den Film lieben, und diejenigen, die einfach wollen ein Musical, das funktioniert und Freude macht. Zweifellos ist der New York Theatre Workshop hungrig nach einer weiteren Cash Cow, die an den Broadway transferiert wird, wie zum Beispiel Einmal (auch ein Carney-Film) vor ein paar Jahren. Aber dies ist ein Eilauftrag mit dem falschen Buchautor und Designteam. Einer der eingängigeren Tracks des Scores ist ein Freiheitsrocker namens Drive It Like You Stole It. Sie haben vielleicht das richtige Fahrzeug entwendet, aber niemand kann es in den ersten Gang bringen.
