Stevie Wonder tritt am 28. Januar 1974 im Rainbow Theatre in London auf. (Foto von Michael Putland/Getty Images). Stevie Wonder geht auf eine kurze Tour, die ihn am 6. November zum Madison Square Garden führt, wo er sein bahnbrechendes klassisches Album aufführt. Lieder im Schlüssel des Lebens , vom Start zum Ziel.
Das Album ist ein emotionaler Moloch, ein immens großzügiges Geschenk aus dem Herzen eines Genies und in fast jeder Hinsicht ein Meisterwerk. Mr. Wonder machte sich daran, die Bandbreite abzudecken, die der Albumtitel suggeriert, nicht weniger als der Schlüssel des Lebens. Und wenn er nicht alles traf, war sein Ziel wahr. Es war der Höhepunkt eines Laufs von vier Alben (erstaunlicherweise in nur 39 Monaten veröffentlicht) von anhaltender Exzellenz, die abgesehen vom Mt. Rushmore der Popmusik-Giganten der 1960er und 1970er Jahre – die Beatles, die Rolling Stones, Bob Dylan und vielleicht Van Morrison. Im Laufe des weitläufigen Albums, zwei LPs in voller Länge und einer 7-Zoll-EP mit vier Songs, macht er keinen Fehltritt. Von den musikalischen Kompositionen bis hin zu den Texten, erstaunlichen Darbietungen und einer hervorragenden Produktion muss es als eine der größten Schallplatten aller Zeiten gezählt werden. Wenn man es einfach als ein Album mit Gesangsdarbietungen betrachtet, kann ich mir nichts Besseres vorstellen. Hier ist einer der größten Sänger des 20. und 21. Jahrhunderts auf dem Höhepunkt seines Könnens, der unsere Aufmerksamkeit für 22 Songs auf drei Platten auf Vinyl auf sich zieht.
1976 kostete es 13,98 US-Dollar und war ein gigantischer Hit, der auf Platz 1 der Billboard Pop Albums-Charts debütierte. Es verbrachte 13 Wochen auf Platz 1 und 35 Wochen in den Top 10, was vier Billboard Top 40-Singles hervorbrachte, von denen zwei auf Platz 1 landeten. Es war das erste Album, das unter Mr. Wonders atemberaubendem neuen Siebenjährigen, 37 Millionen US-Dollar veröffentlicht wurde Vertrag mit Motown Records.
Ich war 10, als es herauskam, und nachdem ich von dem unerbittlichen Groove der Single I Wish mitgerissen worden war, marschierte ich direkt zum Plattenladen und ließ mein Taschengeld fallen. Es war das erste Album, das ich mir selbst gekauft habe. Ich kannte die Musik von Stevie Wonder schon aus dem Radio. Funky Singles wie Superstition, Higher Ground und Boogie on Reggae Women waren allesamt große Hits. Als ältestes Kind meiner Familie auf Long Island war AM-Radio in den frühen 1970er Jahren mein Hauptkontakt mit Musik. Ich hatte bereits eine Sammlung von Top-40-Singles zusammengetragen, die ich gekauft hatte, sowie einige wichtige LPs und 60er-Singles, die ich von Nachbarn geerbt hatte. Aber I Wish, ein Lied eines 26-jährigen Mannes, der nostalgisch für die Zeit wurde, als er in meinem Alter war, trieb mich zu meiner ersten bedeutenden musikalischen Investition. Ich wollte diesen Rekord, so wie die meisten meiner Freunde ein 10-Gang-Bike begehrten.
Ich denke, wenn ich mein erwachsenes Ich gewesen wäre und die Platte auf der Grundlage des harten R&B gekauft hätte, das auf I Wish gehört wurde, wäre ich zunächst enttäuscht davon, wie das Album beginnt, rätselhaft auf einer Art sanfter Note. Als Kind war mein Geist jedoch offen. Obwohl ich diese funkigen Singles liebte, war ich auch ein großer Fan von Stevies sanften Balladen. You Are the Sunshine of My Life und My Cherie Amour haben auch mit mir gesprochen. Besonders dieser Refrainwechsel von My Cherie Amour (Oh Cherie Amour, hübsche Kleine, die ich verehre…) ließ meine Knie einknicken.
Hier sind einige meiner persönlichen Favoriten, die Songs, die für das Album am repräsentativsten sind und auf die ich mich am meisten freue, live gespielt zu werden:
Liebe ' s brauchen heute Liebe
Lieder im Schlüssel des Lebens beginnt mit einem reichen A-cappella-Ensemble männlicher Stimmen und stellt Love’s in Need of Love Today vor, die allesamt Overdubs von Stevie sein könnten. Es ist schwer zu sagen. Während das Album mit einem 24-seitigen Booklet mit Texten und Liner Notes kam, mit einer umfangreichen Personalliste – und einer Dankbarkeitsseite, die an alle von Kareem Abdul Jabaar über David Bowie bis hinunter zu Frank Zappa nickt – ist die Liste der Credits, die es tun was bei jedem Song so planlos ist wie bei den Rolling Stones Exil an der Hauptstraße . Mr. Wonder spielt jedoch einen Großteil der Instrumentierung auf dem Album selbst, einschließlich des Schlagzeugs, und wird von einer Kernband umgeben, die das Rückgrat des Albums bildet. Der herausragende Bassist Nathan Watts sticht unter einer beeindruckenden Gruppe heraus und ist bis heute ein fester Begleiter von Mr. Wonder.
Sie wollen nicht, dass es endet. Es überrascht Sie. Du dachtest, der Typ wärmt sich gerade auf. Er übertrumpft bereits jeden, den Sie je gehört haben. |
Mr. Wonder tritt leise ein, Guten Morgen oder Abend Freunde / Hier ist Ihr freundlicher Ansager. Auf einmal bekommen wir einen Einblick in einige der Stärken und vielleicht einen der wenigen Fehler in der Bilanz. Wir bekommen die Wärme und ein bisschen Humor, die während des gesamten Albums Themen bleiben. Aber wir haben auch ein bisschen von der plumpen Syntax, die den Text der Songs durchsetzt. Stevie ist einer dieser Songwriter, die einen Endlauf machen – manchmal eher wie ein Flohflicker-Doppelrückwärts –, um einen Reim zu vervollständigen. In dieser Hinsicht ist er weniger wie Cole Porter und mehr wie Bob Dylan und wer kann sich darüber beschweren? Wie Mr. Dylan unterwerfen sich die Worte dem Meisterrhythmus. So konsequent erfindet Mr. Wonder Silbenakzente neu und lässt uns an Reimen hängen, dass es so aussieht, als sei es beabsichtigt und zu einer Art liebenswerten Markenzeichens geworden.
Die Botschaft des Songs ist einfach. Die Beatles sangen, dass alles, was Sie brauchen, Liebe ist. Zehn Jahre später ist hier eine schreckliche Warnung, dass Liebe that selbst braucht Liebe. In der Stimme eines Nachrichtensprechers dient es als perfekter Einstieg in das Album, das neben intimen Momenten einen weiten Blick auf den Zustand der Welt Mitte der 1970er Jahre bietet, Themen, die so ambitioniert sind wie die große Bandbreite an Musikstilen, die es enthält.
Der Klang, die Wärme des Tracks selbst, zieht Sie in seinen Bann. Sie geben sich dem Gesamtklang hin, satt und mit einer knackigen Präsenz. Aber dann bekommt man auch all diese Ohrenschmaus zusammengestellt wie Brian Wilsons geschichtete Arbeit für die Beach Boys. Es ist eine klassische Kopfhörerplatte mit perfekt platzierter Percussion und durchdachten Overdubs.
Der Song bleibt für den Großteil des Arrangements ziemlich zurückhaltend. Aber wie bei vielen Songs auf dem Album fügt Mr. Wonder einen improvisierten Vamp über eine wiederholte Refrain-Werbung mit einem Call-and-Response-Gospel-Stil hinzu. Seine Stimme beginnt in Oktaven zu steigen. Das Slow-Burn-Arrangement bekommt eine neue Ebene der Aufregung, dann eine andere. Bevor Sie es wissen, sind Sie völlig darin gefangen. Das Vertrauen, das Sie Stevie Wonder entgegenbrachten, als Sie 14 Dollar auf die LP, die auf I Wish basiert, einwarfen, erwies sich als gut platziert.
Liebe braucht Liebe Heute dauert über sieben Minuten. Und Sie wollen nicht, dass es endet. Es überrascht Sie. Du dachtest, der Typ wärmt sich gerade auf. Er übertrumpft bereits jeden, den Sie je gehört haben. Inspirierter Gesang. Technisch brillanter Gesang.
Dorf Ghettoland
Die Beatles haben das Album ebenso beeinflusst wie Sly Stone, Curtis Mayfield und Marvin Gaye. Und das nicht nur in Umfang und Ambition, sondern auch musikalisch. Tatsächlich klingt Sir Duke, als hätte es Paul McCartney geschrieben, und die Hare Krishnas, die das Lied Pastime Paradise singen, sind eine Idee aus dem Spielbuch von George Harrison. Village Ghetto Land ist eine Art 70er-Jahre-Synthesizer Eleanor Rigby.
Herbie Hancock, der auf dem Song As spielte, sagt, er bewundere Stevies orchestralen Einsatz von Synthesizern … Stevie tappt nicht in die Falle, die ich mache, wenn ich versuche, die Klänge akustischer Saiten zu kopieren. Stevie lässt die Synthesizer sein, was sie sind, etwas, das nicht akustisch ist. Diese Teile eines ARP-Synthesizers klingen gerade genug wie Streicher, um Sie wissen zu lassen, dass die Faux-Menuett-Atmosphäre satirisch ist, eine Tour auf Zehenspitzen durch das typische amerikanische Stadtghetto der 1970er Jahre. Der Text wurde von Gary Byrd geschrieben, der Monate damit verbrachte, nur um Wonder ihn während der Aufnahme mit der dringenden Notwendigkeit einer neuen Strophe anzurufen, die Mr. Byrd in etwa 20 Minuten lieferte. Das Lied richtet sich an kontaktlose und vermutlich weiße Mitbürger, die wegschauen oder sogar die Armen herabsetzen. Manche Leute sagen, wir sollten froh sein über das, was wir haben.“ Währenddessen essen Familien Hundefutter, während Politiker lachen und trinken, betrunken von allen Forderungen.
Mr. Wonder hebt uns vom Kurs der ersten beiden Songs ab. Loves in Need of Love Today enthält eine Warnung, ist aber letztendlich eine hoffnungsvolle Botschaft, dass wir die Macht böser Pläne umkehren können. Der groovige, langsame Funksong Have a Talk with God bietet eine Quelle dieser Hoffnung durch hingebungsvollen Glauben. Village Ghetto Land hat jedoch einen Bissen. Es ist keine Dylan-artige persönliche Anklage mit dem Finger; Mr. Wonder und Mr. Byrd bieten lediglich eine realistische Litanei darüber, wie das Leben in Amerikas städtischen Ghettos während einer besonders niedrigen Ebbe für die Städte des Landes ist. Es fragt einfach, wenn nicht naiv: Sag mir, würdest du im Village Ghetto Land glücklich sein?
Sir Duke
Der Track, der zu Sir Duke führt, dem Fusion-Workout Contusion, handelt von der neuen Richtung, die der Jazz in den 1970er Jahren eingeschlagen hat. Sir Duke ist jedoch eine direkte Hommage an die Pioniere, die uns die Zeit nicht vergessen lässt. Mr. Wonder hatte das Album um die Zeit von Duke Ellingtons Tod im Jahr 1974 begonnen. Der Song war die zweite Single des Albums und ein zweiter Nr. 1-Smash.
Ein Bläserstoß eröffnet den Song mit dem Riff, das als erster von drei Haupthaken dient. Als Pop-Jazz-Nummer reicht sie bis in die frühen Tage der Big-Band-Ära zurück, mit einem flotten Hot-Jazz-Rhythmus der 1930er-Jahre, etwas in der Art von Diminuendo in Blue, eher als dem sexy trägen Swing, den man z. Jeep's Blues, die beide auf Ellingtons großer Comeback-Platte zu hören sind, Live in Newport 1956 . Der Throwback-Vibe und die aufsteigende Melodie des Refrains, die man überall spüren kann (der zweite Hook), hat Paul Your Mother Should Know McCartney überall geschrieben. Aber auch der dritte Hook des Songs, der mit dem Breakdown und den synkopierten Bass-, Bläser-, Keyboard- und Gitarrenlinien einhergeht, weist auf den modernen Einfluss hin, den Earth, Wind & Fire auf Mr. Wonder hatten. Zum Zeitpunkt der Aufnahme erreichte diese Band ihren Höhepunkt mit sprudelnden, horngetriebenen, poppigen R&B-Aufnahmen wie dieser. Sir Duke ist ein bemerkenswertes Ensemble-Arrangement, das es umso erstaunlicher macht, dass Nathan Watts mit einem umwerfenden Basspart hervorsticht. Wenn Sie denken, dass Sie das Lied genug gehört haben, versuchen Sie es noch einmal mit Ihren Kopfhörern, während Sie sich auf den Bass konzentrieren.
Wir bekommen auch mehr als ein kleines bisschen von Stevies farbenblinder Philosophie. Dies ist keine pedantische Lektion in Bezug auf die Bedeutung der Beiträge von Afroamerikanern zur amerikanischen Musik, die Schuldgefühle hervorrufen sollen (wie es vielleicht Village Ghetto Land ist); es ist eine Feier für alle – weiße, jüdische, schwarze, männliche und weibliche –, die mitgeholfen haben, diese typisch amerikanische Kunstform des Jazz mitzugestalten.
Ich wünsche
Eric Clapton sagte 1974, dass Stevie Wonder der größte Schlagzeuger unserer Zeit sei. Wie der Musikjournalist Eric Sandler zu Recht betont, war dies ein großes Lob von einem Mann, der mit Ginger Baker spielte. Stevie war ein wahres musikalisches Wunderkind und lernte im Alter von 9 Jahren Schlagzeug, Klavier und Mundharmonika. In seinen späten Teenagerjahren war er nicht nur selbst ein Popstar, sondern schrieb und produzierte auch für andere, darunter It's a Shame for the Spinner, auf denen er selbst den leckeren Schlagzeuggroove spielt. ( Hier ist der Backingtrack ohne Gesang.)
I Wish ist unverkennbar ein Drum-Pattern von Stevie Wonder. Abgesehen von einem angeborenen Gespür für Groove gibt es einen musikalischen Erfindungsreichtum, der darauf zurückzuführen ist, dass er ein vielseitiger Multi-Instrumentalist ist, im Gegensatz zu jemandem, der sich streng als Schlagzeuger definiert. Es gibt einen durchgehenden Faden, der von diesem Spinners-Track bis hin zu Superstition führt und auf I Wish noch einmal zu hören ist; ein Markenzeichen von Wonder Bounce Beat. Es hat etwas damit zu tun, wie Mr. Wonder die Hi-Hat-Becken bearbeitet. Bei I Wish ist zum Beispiel zu bemerken, wie er auf dem Doo-Wop-beeinflussten Post-Chorus-Breakdown die Hi-Hat auf völlig unerwartete und unorthodoxe Weise öffnet und schließt und einen rhythmischen Hook unter dem eigentlichen melodischen Hook erzeugt. Und dieser Hi-Hat-Glanz ist direkt vom Anfang des Tracks da. Während sich der Kick- und Snare-Drum-Beat als Rückgrat des Tracks durchsetzt, sind die flossigen Triolen und Akzente, die er auf der Hi-Hat spielt, die im Mix so prominent sind, der aufgeregte Herzschlag, der unseren eigenen Puls höher schlagen lässt.
Das bringt uns zu diesem Groove, einem der berühmtesten im Funk. Groove ist als musikalische Umgangssprache schwer zu definieren, aber wir wissen es, wenn wir es hören. Ein Groove entsteht, wenn sich ein Schlagzeuger in eine rhythmische Tasche zurückzieht und die Band davon abhält, das Tempo, das oben im Track eingestellt wurde, durcheinanderzubringen. Es bietet dem Ensemble einen bequemen und vorhersehbaren Ort, da es weiß, dass es sich in den Beat lehnen oder sich als musikalische Wahl davon entfernen kann, wie im Jazz geprägten Begriff Swing.
Auf I Wish, wie in der Klassische Alben Dokumentation über das Album , begann Stevie mit den Aufnahmen auf dem E-Piano von Fender Rhodes, dem Instrument, auf dem er fast alle Songs des Albums begann. Seine linke Hand spielte die durchgehende Walking-Basslinie, die später von Bassgitarrist Nathan Watts verdoppelt und mit Growling-Slides verziert wurde. Dann ging Mr. Wonder hinein und legte diesen Schlagzeug-Track auf, gefolgt von etwas, das wie Pizzicato-Hühner-kratzende Gitarrenparts klingt, die eigentlich zwei konkurrierende Synth-Parts sind, die Gegenmelodien spielen.
Es ist ein ansteckender, knallharter Track, der durch einen knallharten Bläserangriff noch schlimmer wird. Mr. Wonder schreibt eine nostalgische Lyrik, die gleichzeitig witzig und ergreifend ist. Können wir immer noch über eine Zeile lachen wie Ich versuche dein Bestes, um dir das Wasser in die Augen zu bringen / Denken, es könnte sie davon abhalten, deinen Hintern zu heulen / Ich wünschte, diese Tage könnten noch einmal zurückkommen / Warum mussten diese Tage jemals gehen? Wenn nicht, können wir immer noch über die berühmten Zigaretten rauchen und etwas Böses an die Wand schreiben, gefolgt von Mr. Wonders eigener Schwester, Renee Hardaways ermahnender Antwort Du böser Junge! Und viele von uns erinnern sich an die gleiche Antwort, die wir jüngeren Geschwistern gegeben haben, die behaupteten, sie würden es uns erzählen: Sag einfach nicht, dass ich dir in dieser ganzen weiten Welt alles geben werde, was du willst.
Mr. Wonder nahm das Lied am Tag nach einem Motown-Picknick auf. Label und Studio dienten dem Knabengenie als eine Art Mittel- und Oberschule, was den sehnsüchtigen Rückblick auf seine Kindheit teilweise erklären mag.
Zeitvertreib Paradies
Mr. Wonder baute diesen Track aus einem Prototyp eines polyphonen (Fähigkeit, mehrere Tasten/Noten gleichzeitig zu spielen) Yamaha-Synthesizer auf, den er Dream Machine nannte. Gary Olazabal, einer der wichtigsten Ingenieure der Aufzeichnungen, sagte SoundonSound.com dass Mr. Wonder daran interessiert war, Geräte zu verwenden, die sonst niemand hatte. Stevie versucht immer noch, das nächste neue Ding zu bekommen, sagt er. So ist er wie ein Kind.
Es ist wichtig zu verstehen, dass dies noch die sehr frühen Tage der Synthesizer waren. Analoge Synthesizer-Sounds, die von der Firma Moog entwickelt wurden, waren erstmals um die Zeit der Beatles' Here Comes the Sun auf populären Platten zu hören. Aber die Technologie, die ziemlich vernünftige Faksimiles von akustischen Klängen wie Saiten ermöglichte, steckte noch in den Kinderschuhen. Die digitale Technologie würde es noch weiter revolutionieren, aber das war noch Jahre entfernt. Mit Tracks wie Pastime Paradise hat Mr. Wonder uns umgehauen, als wir im Wohnzimmer unserer Eltern Radio Shack-Kopfhörer aufgesetzt haben, so wie es die Beatles ein Jahrzehnt zuvor für etwas ältere Musikfans getan haben.
Es ist jetzt leicht, einen Track wie Pastime Paradise für selbstverständlich zu halten, wenn jedes Kind mit Garage Band schnell eine Vielzahl von Klangtexturen auswählen kann. Und doch hat Rapper Coolio den ganzen Track als Sample aufgenommen, um 1995 mit dem Hit Gangsta’s Paradise seine eigene Variation des Songs zu formen, lange nachdem die digitalen Werkzeuge zur Verfügung standen, um problemlos neue Sounds zu kreieren. Um 1975 auch nur etwas so Einfaches wie den Reverse-Gong-Sound zu erreichen, der den Track eröffnet, bedeutete es, eine Bandspule aufzurollen, sie umzudrehen und genau die richtige Stelle zu finden – gerade als Mr. Wonder anfängt, die erste Zeile zu singen – den Ton in das fallen zu lassen, was den endgültigen Master ausmachen würde. Ein paar Jahre später wäre der gleiche Trick buchstäblich ein Knopfdruck.
In dem Klassische Alben Dokumentarfilm, Mr. Wonder weist auf den ganzen Earth, Wind & Fire Groove hin, der damals passierte, als Einfluss. Er veranschaulicht es, indem er einen Rhythmus herausklopft, der wie das Can’t Hide Love der Band von 1975 klingt, dem Jahr, in dem Mr. Wonder gerade dabei war, das Album aufzunehmen. Die Spannung des Pastime Paradise, verstärkt durch afro-kubanische Percussion und Hare-Krishna-Glocken, erreicht eine Apotheose, wenn ein singender Krishna-Chor, buchstäblich von der Straße geholt, sich mit einem Gospelchor vermischt, der We Shall Overcome singt.
Der Titel ist ein Wortspiel darüber, in falscher Nostalgie gefangen zu sein und sich nicht den harten Realitäten der Gegenwart zu stellen. Während man sich vernünftigerweise fragen könnte, ob Mr. Wonder selbst das mit I Wish und Sir Duke vom selben Album nicht tut – lebte er nicht in einem Zeitvertreib im Bernstein der Nostalgie, wo sogar ] hinten wurde wehmütig zurückgerufen? - es ist eine Frage der Anwendung.
Natürlich schauen wir alle gerne zurück. Aber ein paar Jahre vor der Wahl von Präsident Ronald It’s Morning Again in America Reagan warnt Pasttime Paradise vor politisch Manipulation dieser Sentimentalität. Glorreiche Tage, die lange zurückliegen / Sie haben die meiste Zeit in Erinnerung an Unwissenheit verschwendet… Während Südstaatler hier ein Ziel sind, die liebevoll auf die Zeit der Rassentrennung zurückblicken, schlägt Mr. Wonder auch auf diejenigen ein, die so treu sind, dass sie es akzeptieren Leben in armen Verhältnissen mit einer zukünftigen Heilsverheißung.
Obwohl der Song in seiner Lyrik einige heftige Themen aufgreift, verzettelt sich Mr. Wonder ein wenig in der Litanei der Worte, wie es Bono ein Jahrzehnt später tun würde. Ich erinnere mich, als er diesen Song im Studio schrieb, hatte er Mühe, all diese „-tion“-Wörter wie „Dissipation“, „Segregation“, „Exploitation“ zu finden, sagte der Ingenieur Mr. Olazabal. Er versuchte, genug von diesen Texten zu finden, die tatsächlich etwas bedeuten und einen Sinn ergeben würden.
Gewöhnlicher Schmerz
Der nächste Song, Summer Soft, dient als luftiges Gegenmittel zu Pastime Paradise und die leichte Stimmung setzt sich im nächsten Song des Albums, Ordinary Pain, fort. Aber es ist eine kurzlebige Atempause. Dieser Song mit Al-Green-Geschmack beginnt mit der Stimme von Stevie-as-naif und setzt den Songs of Innocence-Thread des Albums fort, der sich nach William Blakes Lieder der Unschuld und der Erfahrung . Die melancholische Melodie, die den ersten Teil der zweiteiligen Ordinary Pain-Suite bildet, ist nicht ohne Humor. Die wirklich Wunderbar Sagen Sie ihr, dass Sie froh sind / Es ist tatsächlich vorbei / Kann sie den Schmerz, den sie zurückgebracht hat, mitnehmen, ist vielleicht sein gymnastischstes Manöver, um einen Reim zu beenden.
Was macht solche musikalischen Momente so wirkungsvoll? Wenn wir es erklären könnten, bräuchten wir dann Musik? Es ist die Musik selbst, die über das hinausgeht, was Worte allein ausdrücken können. |
Aber diese schlendernde Hangdog-Frau hat mir ein Unrecht getan. Die Geschichte nimmt eine harte Wendung, weil er sagte / sie sagte den zweiten Teil. Hören Sie zu, wie Stevie auf seinem E-Piano immer dunklere absteigende Bassnoten hinzufügt, während die bittersüße erste Hälfte verklingt und mit einer dissonanten Note endet, die in den harten Funk des zweiten Abschnitts übergeht. Shirley Brewer leitet eine Art griechischer Anruf-und-Antwort-Chor und schlägt mit einer Widerlegung auf den Wehe-ist-ich-Erzähler des ersten Liedes ein und beginnt mit dem unverblümten Du bist nur ein masochistischer Narr / Ich dachte, du wüsstest mein Liebe war grausam. Mit dieser Zeile wird Mr. Wonders Selbstbewusstsein bloßgelegt. Das idealistische Weltbild, das er bisher auf dem Album präsentiert hat, stammt von einem unvollkommenen Erzähler. Ms. Brewer schlägt ihn aus seiner dunstigen Benommenheit.
Zwei können ein Spiel der grausamen Liebe spielen. Jetzt, wo wir ihren Kontrapunkt hören, denken wir, Nun, hm. Vielleicht war er ' Ist doch nicht so ein guter Junge . Ms. Brewers Charakter schimpft über ein paar Vergehen, für die der Stevie-Charakter verantwortlich ist: Du weinst große Krokodilstränen / Um zu denen zu passen, die ich jahrelang geweint habe / Als ich zu Hause auf dich wartete / Du warst irgendwo draußen und hast die Arbeit gemacht . Sie schlägt den Nagel hart mit der Zeile ein, von der ich wusste, dass unsere Liebe enden würde / Die Nacht, in der ich es mit deiner Freundin geschafft habe. Ich hatte Angst vor ihrer Stimme, als ich 10 war.
Frau Brewers Sichtweise ist eine der Ermächtigung, unterstützt von einem Schwesternchor, bestehend aus Linda Lawrence, Terri Hendricks, Sundray Tucker, Charity McCrary und Madelaine Jones, einem harten R&B-artigen Begleitpart in der Tradition der Ikettes und LaBelle . Auf einer Platte mit großartigem 70er-Jahre-Funk ist der bullige Synthesizer-getriebene Groove von Teil II von Ordinary Pain ein herausragendes Highlight, das hart trifft, eine Verbindung zwischen dem späteren Sly Stone, Funkadelic und – mit den Hornriffs über einem schweren Boden – solchem Zeug kam in den nächsten ein oder zwei Jahren, wie das Ziegelhaus der Commodores.
Ich habe Leute gelesen oder gehört, die das als Schwachstelle auf dem Album empfinden. Im Gegenteil, für mich bildet es einen zentralen Dreh- und Angelpunkt, der vieles von dem, was die Platte so befriedigend macht, brillant verkörpert, die sanften/harten/naiven/bitteren/Unschuld/Erfahrung/Freude/Schmerz-Themen, die alle in einem Song zusammengefasst sind.
Isn ' t sie ist schön
Als ich ein Kind war, spielte ich bestimmte Teile einiger Songs immer und immer wieder, hob die Nadel von meinen Platten und legte sie vorsichtig wieder hin, um wieder einen Akkordwechsel, einen inspirierten Gesang oder ein Gitarrensolo zu hören. Auf Is't She Lovely verwöhnt Stevie diejenigen von uns, die geliebte Songs weiterführen wollen, indem er die Akkordwechsel komplementiert, während er uns mit einem chromatischen Mundharmonika-Solo (im Gegensatz zu Blues-Harp) auf neue Ebenen der Ekstase führt, das über die Jazz-Harfe hinausragt Virtuose Toots Thielemans in Sonny Rollins Territorium. Als der Song zu einem beliebten Albumtrack für Discjockeys wurde, widersetzte sich Mr. Wonder erfolgreich Motowns Bitten um eine 7-Zoll-Single mit 45 U/min. Aber die Version, die wir am häufigsten im Radio hören, ist eine Bearbeitung des Labels. Aber zu lang? Bitte, Sohn. Das ist, als würde man Mr. Rollins sagen, Hey Saxophone Colossus! Zügeln Sie es ein wenig bei 'Tenor Madness'.
Übrigens habe ich gerade erst entdeckt, dass Mr. Rollins ein Cover des Songs aufgenommen hat, was ich vor dem Vergleich ehrlich gesagt nicht wusste. Das macht Sinn. Die Originalaufnahme von Mr. Wonder hat die Art von swingendem Auftrieb, die in einigen der populäreren Jazzalben zu finden ist, die Mr. Rollins aufgenommen hat. Und abgesehen von seiner Länge und einigen Produktionstechniken der 1970er Jahre klingt Isn't She Lovely wie der klassische Jazz-informierte Pop, der die Motown-Aufnahmen der 1960er Jahre verkörperte, bis hin zu den Tamburin-Arbeiten. Stevie spielt fast alles auf dem Song, sogar die ansteckenden Bassparts, die auf einem Synthesizer gespielt werden.
Die Lyrik ist unverfroren und im wahrsten Sinne des Wortes lebensbejahend. Über intime Homerecordings seiner kleinen Tochter Aisha – die jetzt mit ihm in Auftritten auftritt und deren Geburt das Lied feiert – Mr. Wonders Mundharmonika erhebt sich in einer der besten Improvisationsshows aller Zeiten. Es ist kein zügelloses Solo; jeder Satz ist einprägsam. Jede Comping-Runde enthüllt originelle neue Melodien. Ich kann das Ganze pfeifen oder summen, bis hin zu seinem Flub (ca. 4:40), sehr zum Entsetzen meiner Kinder auf langen Autofahrten. Aber nur wenige Songs geben einem so ein gutes Gefühl wie bei diesem. Wenn Sie etwas anderes glauben, haben Sie ein Herz aus Kohle, mein Freund.
Wie
Das eigentliche Album endet mit zwei weiteren lateinamerikanischen Kompositionen, As, und dem großen Finale, Another Star. Auf letzterem erkennt Mr. Wonder endlich den Vier-auf-dem-Floor-Beat und die glänzenden Klänge der damals angesagten Disco-Musik an. Es ist ein fabelhaftes Tanztraining mit einem großen Ensemble von A-Plus-Spielern wie George Benson. Aber für viele Hörer gehört As zu den – wenn nicht das- beste Song auf dem Album und ich bin ungern zu widersprechen.
Genauso wie ein anderer, der sich wie von einer sanften Rockbrise des Sommers einschleicht, uns aber am Ende mit einem harten emotionalen Schlag überwältigt. Eine jazzige Wendung zwischen den Strophen weicht kurz einem Gospelchor, eine bloße Vorahnung für den Vamp, der das Lied beendet. In der Zwischenzeit singt Mr. Wonder eine weitere Zusammenfassung von Zeitabläufen, Jahreszeiten und elementaren Kräften des Lebens: So wie Hass weiß, dass Liebe das Heilmittel ist / Sie können beruhigt sein / Dass ich Sie immer lieben werde.
Aber es ist wieder das Outro, in dem Stevie glänzt, eine Mischung aus Samba und Gospel, die in Stevies Händen zweifellos natürlich ist. Von Kurs Du kannst den ganzen Scheiß mischen! Nach einer minutenlangen Pause von 24 Takten betritt Mr. Wonder den Song mit einem gutturalen Gebrüll, wie es Sly Stone tun könnte, und klingt wie Big Bad Steve, nicht Little Stevie Wonder, mit dem vielleicht größten lyrischen Moment des Albums:
Wir alle kennen manchmal den Hass und die Probleme des Lebens
Kann dich wünschen lassen, du wärst in einer anderen Zeit und einem anderen Raum geboren born
Aber du kannst dein ganzes Leben darauf wetten und das Doppelte doppelt
Dass Gott genau wusste, wo er dich hinbringen wollte
Achte also darauf, wenn du sagst, dass du dabei bist, aber nicht dabei
Sie ' Wir helfen nicht dabei, diese Erde zu einem Ort zu machen, der manchmal Hölle genannt wird
Verwandle deine Worte in Wahrheiten und dann diese Wahrheit in Liebe
Und vielleicht erzählen es die Enkel unserer Kinder und deren Ururenkel.
Es ist die Botschaft des Albums zum Mitnehmen. In all diesen Jahrzehnten habe ich es mir nie angehört, ohne den gleichen Knoten an Inspiration, Katharsis und Euphorie zu spüren, so nahe an einer vagen Überzeugung, dass ich von einer Göttlichkeit geheilt worden bin, wie ich komme.
Mr. Wonder beendet das Set mit dem viel leichteren Another Star, aber für mich ist dies der Höhepunkt und Abschluss des Albums. Der Rest ist süße Wüste.
Ebenholzaugen
Irgendwann verschwand meine Sammlung von 45ern aus meiner Kindheit. Darunter war die 7-Zoll-EP Something Extra, die in der Lieder im Schlüssel des Lebens Album. Es brach mir das Herz, dass ich diesen Rekord nicht finden konnte. Denn unter diesen vier Songs auf der EP war einer meiner persönlichen eklektischen Favoriten des Gesamtpakets, der Song Ebony Eyes.
Es scheint, dass nur wenige Leute, die das Album lieben, dieses Lied kennen. Ich denke, in den Tagen auf Vinyl wurde die EP als eine nachträgliche Überlegung präsentiert. Weniger als 10 Jahre nachdem ich das Album gekauft hatte, war ich jedoch auf dem College, und wir verbrachten die ganze Nacht damit, Discs zu drehen, abwechselnd als DJs im Wohnheim. Ein Freund von mir hatte eine weitaus vollständigere und weit weniger ramponierte Kopie von Lieder im Schlüssel des Lebens und ich entschied mich sofort für die EP und legte die Nadel auf den frühen New Orleans Piano-Funk-Throwback-Track Ebony Eyes, der von diesem Zeitpunkt an die Hauptrolle unserer Rallye-Hymnen am Samstagabend spielte.
Stevie kanalisiert Professor Longhair, mit mehr als ein bisschen Allen Toussaint-Einfluss auf dem Track. Aber mit seiner Beherrschung der Talkbox, die seinen Synthesizern wie Peter Framptons Gitarre eine menschenähnliche Aussprache verleiht. Er tauscht Soli mit dem Saxophonisten Jim Horn aus, und es gibt einen Pedal-Steel-Part von Flying Burrito Brother, Peter Sneaky Pete Kleinow, die alle auf Platten der Rolling Stones, George Harrison und einer riesigen Liste anderer gespielt haben.
In Barry Levinsons Film von 1982, Abendessen, die Charaktere bezeichnen gute Zeiten, Kicks und sogar heiße Mädchen als Lächeln. Ebony Eyes ist ein musikalisches Lächeln. Sie ist die Sonnenblume des Samens der Natur / Ein Mädchen, das manche Männer nur in ihren Träumen finden / Wenn sie lächelt, scheinen es die Sterne alle zu wissen / Denn einer nach dem anderen fängt an, den Himmel zu erleuchten.
haut mich von den Füßen
Ich kann mir nicht vorstellen, einer von denen zu sein, die bei einer Show Songs aufnehmen, geschweige denn jemanden wie dieser Typ, der im Dezember 2013 in Los Angeles die gesamten Songs in the Key of Life Benefiz-Auftritt aufgenommen hat. Und ich würde es hassen, die Person hinter ihm zu sein. Aber als jemand, der nicht nach L.A. fliegen konnte, um die Show persönlich mitzuerleben, bin ich dankbar, dass jemand sie aufgenommen hat.
Aber jetzt bin ich begeistert, dass Mr. Wonder sich entschieden hat, mit der Show zu touren. Die letzte Aufführung von ihm, die ich besuchte, war eine überwältigende Erfahrung, da er tief in seinen Katalog eintauchte. Und ich bereite mich darauf vor, wieder ein emotionales Wrack zu sein, wenn ich die Songs in the Key of Life-Show sehe. Die Musik begleitet mich mein ganzes Hörleben lang und ehrlich gesagt reicht ein Glas Wein aus, um zu weinen. Aber im Video der L.A.-Performance sehen Sie, wie Mr. Wonder selbst aufsteigt und anscheinend nicht in der Lage ist, den Refrain von Knocks Me Off My Feet zu singen, während die Menge um die 49-50-Minuten-Marke herum übernimmt.
Was macht solche musikalischen Momente so wirkungsvoll? Wenn wir es erklären könnten, bräuchten wir dann Musik? Es ist die Musik selbst, die über das hinausgeht, was Worte allein ausdrücken können. Da ist der warme Schein der Nostalgie, nicht nur die Tatsache, dass jeder im Publikum wahrscheinlich mit dem Album aufgewachsen ist, sondern auch in den Akkorden selbst. Es gibt eine Vertrautheit mit den Veränderungen, die auf My Cherie Amour und darüber hinaus zurückgehen, über Bossa Nova, Jazz bis hin zu den Standards der 1940er Jahre. Über diese warmen Klavierparts – elektrisch und akustisch – führt Stevie seine Melodie von einer einfachen Strophe über eine Pre-Chorus-Struktur, die ein eigenes Step-Up-and-Down enthält (wörtlich mit einer Treppe im Textheft illustriert), bis zum aufsteigender Chor. Und es wird mit der Modulation der Tonart (ca. 2:40) für den Schlusschor auf eine noch höhere Ebene gehoben.
Spannung, Loslassen und Ekstase. Es ist eine Form, die er in der Platte durchgängig mit den gleichen Ergebnissen repliziert, wie zum Beispiel auf dem ultra-sinnlichen Joy Inside My Tears, das mit einem surrealen Synthesizer schnurrt und Stevie zu den gefühlvollsten Gesangsimprovisationen seit Onkel Ray Charles bringt. Eines meiner großen Bedauern in meinem Leben ist, Ray Charles nicht zu sehen, als er noch bei uns war. Sie müssen alle Anstrengungen unternehmen, um die Großen zu sehen. Stevie Wonder ist einer der Giganten. Er tritt nicht oft auf. Ich bin dieses Jahr dabei.
Bill Janovitz ist Autor von zwei Büchern über die Rolling Stones, darunter Rocks Off: 50 Tracks, die die Geschichte der Rolling Stones erzählen und Das Exil der Rolling Stones auf der Main Street .
