Veröffentlicht am 11. Mai 1967, Debüt von Country Joe & the Fish Elektrische Musik für Geist und Körper fing die Magie ein, die in San Francisco kurz vor Beginn des berüchtigten Summer of Love durch die Luft weht.
Aber bevor wir anfangen, durch das rosafarbene Kaleidoskop der Nostalgie in den alten Tagen der psychedelischen Renaissance von San Francisco zu blicken, lassen Sie uns zunächst die Geschichte klarstellen, wie Country Joe & der Fisch bekam ihren Namen…
Wie ihr ursprünglicher Gitarrist/Organist David Bennet Cohen es erzählt:
Joe McDonald und E. D. [Eugene Denson, der Freund/Manager der Band] saßen in E.D.s Cottage in Berkeley herum und versuchten, sich einen Namen für die Gruppe auszudenken. Da sie beide revolutionäre Tendenzen hatten, wollten sie einen Namen, der ihre politische Position widerspiegelte. Beim Durchblättern des „Kleinen Roten Buches“ des Vorsitzenden Mao Tse Tung, als E.D. fand den Satz: „Der Revolutionär ist ein Fisch, der im Meer des Volkes schwimmt.“ Daraus entstand „Land Mao und der Fisch“. Aber Joe sagte, es könnte Verwirrung stiften, da Amerika Rotchina nicht anerkenne. Also, E. D. schlug „Country Joe and the Fish“ vor, wobei „Joe“ Josef Stalin ist.
Joes Ansatz war ... zutiefst zerebral. Sein Konzept war im Grunde, ein paar Leute zusammenzubringen und etwas zu bewegen, erklärt Lead-Gitarrist Barry The Fish Melton.
Keiner von uns war professioneller Musiker, außer vielleicht David, der aus New York kam. [Drummer Gary] Chicken Hirsh war etwas professionell, aber nur, weil er ein paar Jahre älter war als der Rest von uns.
Als ich 1965 nach Kalifornien kam, hatte ich Gitarre gespielt, hauptsächlich Volkslieder, sagte Cohen.
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Ich habe mich erst entschieden, eine E-Gitarre zu kaufen, als ich die Filme der Beatles gesehen habe. Sie haben mich endlich dazu gebracht, Rock 'n' Roll zu akzeptieren. Ich war vorher wirklich dagegen gewesen. Ich fing an, mich in den Gitarrenläden und ein paar kleinen lokalen Clubs namens Jabberwock und Questing Beast herumzutreiben, wo wir für 5 Dollar und Essen auftraten. Das Jabberwock hatte ein altes verbeultes Klavier und Barry war verrückt nach meinem Boogie-Woogie-Spielen bei Songs wie ‚St. Louis Blues.’ Country Joe wollte nachher einen Orgelspieler in der Gruppe haben Autobahn 61 kam heraus und Barry sagte ihm, dass ich gespielt habe.
Kirchenorgeln waren wirklich große einschüchternde Instrumente mit all diesen Pedalen. Ich habe noch nie Orgel gespielt, aber ich wollte den Gig haben, sagte Cohen lachend. Also besorgte mir die Band eine Farfisa-Orgel. Ich hatte keine Ahnung, was ich tat. Keiner von uns hat es getan! Wir haben gerade diese Musik erfunden, einen Sound geschaffen und dann wurde er real. Später sagten die Kritiken, dass ich einen „einzigartigen Stil“ habe. Aber ich habe nur meine eigenen Gitarrenriffs kopiert!
Wir waren eine Jug-Band, aber wir spielten nicht auf konventionelle Weise, sagte Melton. Wir machten etwas Neues. Wir sind bewusst einen anderen Weg gegangen. Es war nicht so, als hätten wir es besprochen. Wir haben Folk und Jazz mit Bluegrass, Country und Blues überbrückt. Es war eine improvisierte Volksmusik, wie sie die Grateful Dead kommerziell nutzten. Wenn du etwas Neues erschaffst, kannst du an keinem Standard der Kritik festhalten.
Nur sechs Wochen nach der Bandgründung beschlossen sie, eine EP mit drei Songs aufzunehmen und veröffentlichten sie auf dem obskuren Label Rag Baby, da noch keine Plattenfirmen an ihre Tür hämmerten. Die CD enthielt drei Tracks, die bald auf ihrem Debütalbum erscheinen sollten: Section 43, Bass Strings und Love.
Wir waren uns nicht einmal sicher, ob wir sehr lange eine Band bleiben würden, aber wir wollten eine Platte machen, sagte Cohen. Die EP ist überraschend gut geworden.
Bald darauf unterschrieb die Band bei Vanguard Records.
Joe hat in drei Jahren einen furchtbaren Vertrag über 12 Alben unterschrieben! erinnerte sich Cohen. Aber wir haben uns sehr darüber gefreut, weil sie dieses hippe Folk-Image hatten, das uns sehr gut gefiel. Wir haben das erste Album aufgenommen [ Elektrische Musik ] in drei Tagen, und es hätte zwar besser sein können, aber es war definitiv beeindruckend. Es wurde auf einer Achtspur aufgenommen. Zum größten Teil haben wir alles live gemacht und die Vocals später überspielt. [Produzent/Autor/Musikwissenschaftler] Sam [Charters] blieb uns ziemlich aus dem Weg und ließ uns machen, was wir wollten.
Sam überzeugte uns, unseren ursprünglichen Schlagzeuger John Francis Gunning zu feuern, einen alkoholkranken Beatnik-Conga-Spieler, der einmal ein Schlagzeugsolo beendete, indem er vom Hocker fiel. Es war eine seltsame, schwere Veränderung für die Band, aber Chickens Schlagzeug war viel besser. Er spielte keine auffälligen Soli. Er war solide und verlor selten den Takt, und vor allem verstand er das Ensemblespiel. Aber obwohl wir musikalisch viel besser waren, ging etwas Ungreifbares verloren. Wir wurden eine „professionelle“ Rockband…
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=DprmuBbi0N0&w=560&h=315]
Eröffnung mit Flying High, in weniger als drei Minuten Elektrische Musik für Geist und Körper legt die Vorlage für eines der zukunftsweisendsten und emblematischsten Alben der 60er Jahre fest: ein verführerischer, schmieriger Blues mit stechenden Leadgitarrenriffs, angereichert mit einem verrückten elektrischen Vibrato, das bei San Francisco-Gitarristen beliebt war popular wie Jorma Kaukonen von Jefferson Flugzeug und John Cippolina vom Quicksilver Messenger Service.
Der zweite Track des Albums, Not So Sweet Martha Lorraine, war die einzige Single von Country Joe, die (kaum) die Billboard Top 100 knackte.
Die Melodie beginnt mit einem schlüpfrigen Orgelglissando von David Bennett Cohen. Sein Sound erinnerte eher an Tex-Mex-Rocker wie Question Mark & the Mysterians und Augie Meyers vom Sir Doug Quartet als Al Koopers Hammond-Riffs auf Like A Rolling Stone, die (zusammen mit den Brit-Invasion-Bands Animals and the Zombies) gemacht haben das Instrument ein wesentlicher Bestandteil des Rock der 60er Jahre. Mit Zeilen wie Literaturbänden, die auf ihr selbst basieren, enthüllten Country Joes Texte die Inspiration von Dylans surrealistischer Poesie, die seine damals neuen Alben beleuchtete. Alles nach Hause bringen , und Autobahn 61 erneut besucht .
Death Sound Blues hallte mit einem lauten klappernden Tamburin und einer rauchenden Leadgitarre von Barry Melton wider, die den Einfluss des verstorbenen/großen Gitarrenslingers Mike Bloomfield (der später eines von Meltons Soloalben produzierte) trug. Barry und ich besuchten die Paul Butterfield Band und Mike Bloomfield war fabelhaft, erinnerte sich Cohen.
Wir haben uns ‘Butter’ auf Acid angesehen und erkannt, dass wir elektrisch sein müssen, erklärte Melton.
Butterfields Ost-West [veröffentlicht im Vorjahr, 1966] ist mir wirklich in Erinnerung geblieben. Sie brachten nahöstliche Riffs in die westliche Musik. Ich bin in L.A. aufgewachsen und die Folk-Szene florierte damals in einem Club namens Ash Grove. Ry Cooder, Taj Mahal und David Lindley spielten alle dort. Es passierte viel von dem, was man später „Weltmusik“ nannte. Ich besuchte Ravi Shankar und Ali Akbar Kahn bei Aufnahmen in den World Pacific Studios sowie [den ägyptischen Oud-Spieler/Sänger/Perkussionisten] Hamsa El Din und Kimeo Eto, den großen [blinden] Koto-Meister.
Innerhalb der purpurroten Poesie von Porpoise Mouth Country bot Joe, der jedes mögliche Tabu der damaligen Zeit enthusiastisch umarmte, eine urkomische Metapher für Oralsex, als er sang: Ich hungere nach deinem Schweinswalmund und stehe aufrecht nach Liebe.
Mit David Bennet Cohens Keyboards, einer fesselnden, fingergepflückten Gitarre und bluesiger Mundharmonika auf treibenden Tribal Drums war das weitläufige Instrumental Section 43 der perfekte psychedelische Freiform-Jam, um die Nacht durchzutanzen. 
Land Joe & der Fisch.Youtube
Wir fingen an, den Fillmore und den Avalon Ballroom zu packen. Das Tanzen war ziemlich seltsam, vage sexuell und schlüpfrig, sagte Barry lachend. Die Leute bekamen nicht immer einen Rückschlag. Manchmal wurde der Beat unterbrochen oder ganz fallen gelassen. Sie waren entweder glücklich oder sauer, aber um ehrlich zu sein, war es uns egal, was die Leute dachten.
Seite zwei des Albums begann mit Superbird, in dem Country Joe LBJs Versprechen der Great Society und der unersättlichen Kriegsmaschinerie, die sie fütterte, ins Visier nahm. Komm schon, Lyndon, mit erhobenen Händen johlt MacDonald und droht, den Wassermann des Establishments zurück nach Texas zu schicken, um auf [seiner] Ranch zu arbeiten.
Eine Folk-Rock-Nummer im Byrds-Stil folgt mit Sad & Lonely Times, komplett mit warmherzigen Harmonien und schmetternden Country-Gitarren. Trotz eines überraschend jazzigen Neuntenakkords, der am Ende markiert ist, klingt der Song selbst für 1967er Verhältnisse wie ein Rückschlag. Joe hatte die meisten dieser Songs bereits geschrieben, lange bevor wir das Album aufgenommen haben. Sie seien bereits in seinem Repertoire gewesen, erklärte Cohen.
Als nächstes kommt ein Stone-Groove-Blues-Song namens Love, den Barry Melton in seinem dreckigsten Janis Joplin (ja, Country Joe und Janis waren eine heiße Minute lang) heulend gesungen hat. Cohen und Barry tauschen Licks, während Bruce Barthols Bass darunter pumpt. Aber das Fade kommt zu schnell bei dem eindeutig besten Jam, den das Album zu bieten hatte.
Sechs Monate zuvor fragte sich Mick Jagger beiläufig, wo ist dieser Joint? inmitten des psychedelischen Free-for-All der Stones, Ihr Anfrage der satanischen Majestäten , Country Joe forderte seine Kumpels offen auf, diese Reefer-Runde auf den Bass Strings (die wahrscheinlich zu Ehren von Barthols sanftem, gehendem Bass-Part benannt wurden) weiterzugeben.
Joes mäandernde Stimme liefert einen der klassischen Kiffer-Texte der 60er Jahre: Ich glaube, ich gehe an die Küste und lasse die Wellen meinen Geist waschen. Öffne jetzt meinen Kopf, nur um zu sehen, was ich finden kann. Jetzt nur noch eine Reise, sie wissen, dass ich die ganze Zeit high bleiben werde. Barry Melton biegt und verdreht elastische Riffs seiner Gitarre, während MacDonald wiederholt L…S…D… flüstert, während der Song verklingt.
Es folgt The Masked Marauder, ein weiterer verworrener, tropfender, trippiger Walzer, der perfekt ist, um im Schein der sich ständig verändernden Lichtshow herumzustolpern. Wir waren ziemlich stoned. Fast alle waren fast die ganze Zeit high, gestand Cohen lachend.
Mit klirrenden Windspielen, verzerrten Gitarren-Obertönen, einer traurigen Blockflöte und hallenden Stimmen, der Schlussnummer des Albums, war Grace der funkelnde klangliche Valentinsgruß der Band für Jefferson Airplanes Sirene Grace Slick. 
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Ungefähr zu dieser Zeit fragte ein Freund, ob ich „das Flugzeug“ sehen wollte, erinnert sich Cohen. Ich wusste nicht, wovon er sprach. Ich dachte, er bringt mich zum Flughafen! Also gingen wir runter zum Haight und trafen Marty und Jorma. Ihre Villa war voller schöner Gitarren! Dann gingen wir zu den Toten, mit denen ich vertraut war, und ich hörte, wie Jerry genau das tat, was ich tun wollte! Kurz darauf spielten wir einen Gig auf dem Campus von Berkeley und Jorma und Jerry kamen herunter, um uns zu besuchen.
Zehn Jahre bevor der Punk in New York und London brach, stellten sich die Bands aus San Francisco trotzig den glatten, polierten Popbands, die das Radio dominierten und wöchentlich präsentiert wurden Die Ed-Sullivan-Show. Es gab einen Do-it-yourself-, Devil-may-care-, go-for-it-Spirit, der die neuen Gruppen aus der Bay Area ausmachte, deren ungeschminkter Sound selbst Leute wie Pete Townshend verunsicherte.
Ich konnte nicht sehen, wie man die Grateful Dead, Janis Joplin oder Country Joe ernst nehmen könnte, sagte Townshend dem Autor Harvey Kubernik (in seinem neuen tollen Bilderbuch). 1967: Eine komplette Rockgeschichte des Summer of Love ). Ihr Sound war so zerlumpt und roh, dass der Gitarrist des Who meckerte. Jetzt sehe ich besser, was sie taten, und genau wie bei The Who ging es nicht nur um Musik, es ging um Botschaften, Lifestyle und Veränderung…[aber] es dauerte eine Weile, um das zu verstehen.
Trotz seiner thematischen und klanglichen Kühnheit stieß ich bei Melton und Cohen auf ein deutliches Gefühl der Gleichgültigkeit, als ich fragte, ob es Pläne für ein Reunion-Konzert zum Gedenken an den 50. Jahrestag des Summer of Love gäbe. Tatsächlich scheint die Stadt San Francisco die viel verehrte Renaissance der Gegenkultur zu vergessen, die jemals stattgefunden hat – es scheint nichts am Horizont zu geben, um diesen wilden, wunderbaren Moment zu feiern.
In zwei Jahren sei der 50. Geburtstag von Woodstock, sagte Melton beiläufig, als wollte er andeuten, dass die Zukunft möglicherweise ein letztes Konzert zulassen würde.
Joe ist ein komplizierter Typ, meinte David Bennet Cohen. Ich verließ die Gruppe Ende 1968. Mit Country Joe & the Fish zu spielen war, als würde man gleichzeitig den absolut besten und den schlechtesten Gig deines Lebens spielen.
