Vorsicht vor Mr. Baker steht als Beweis für das legendäre Talent von Ginger Baker und macht ein starkes Argument für seinen Titel. (Foto: Snag-Filme.) Die saisonal-affektive Störung hat Anfang dieses Jahres im Nordosten eingesetzt. Die dunklen, kurzen, kalten Tage sind für diejenigen unter uns, die kein Fitnessstudio besuchen, sondern lieber draußen trainieren, nicht gerade förderlich, um in Form zu bleiben. Persönlich fahre ich gerne Rad, aber ich bin nach keiner vernünftigen Definition des Wortes herzlich. Sobald meine Lieblingsbeschäftigung eine dritte Lage Space-Age-Stoffe erfordert, ziehe ich mich in den Keller zurück und stelle mein Fahrrad auf einem Trainer für seelensaugendes Indoor-Spinning. Fünfzehn Minuten, das fühlt sich an wie zwei Stunden draußen, also brauche ich eine Ablenkung. Letztes Jahr habe ich mein iPad auf einen Notenständer gestellt und mich durch Musikdokumentationen auf Netflix, YouTube und On-Demand-Kabel gepflügt. Es scheint in letzter Zeit jeden Monat eine neue sehenswerte Version zu geben, aber hier sind 10, von denen ich denke, dass sie gut sind, um uns alle in den Frühling zu bringen.
Halt die Klappe und spiel die Hits (2012)
So wusste ich, dass ich alt werde. Auf eine sehr beliebte Band namens LCD Soundsystem wurde ich zum ersten Mal durch die Nachricht von der damals anstehenden Dokumentation ihres Abschlusskonzerts in einem kleinen Ort namens Madison Square Garden aufmerksam. Diese Ohrfeige schmerzte noch mehr, als ich entdeckte, dass die erste LCD-Soundsystem-Single I'm Losing My Edge war, eine urkomische Meta-Selbstuntersuchung, bei der Gründer und Frontmann James Murphy sich neurotisch Sorgen um seine schwindende Glaubwürdigkeit macht, die durch seine Neuerfindung von einem Indie-Rocker zu einem gefragten DJ, der Krautrock-Bands der 1970er-Jahre wie Can Back-to-Back mit der Human League und Eric B. und Rakim gründete. Ich verliere meinen Vorsprung an die Kinder, deren Schritte ich höre, wenn sie an die Decks kommen / Ich verliere meinen Vorsprung an die Internetsucher, die mir jedes Mitglied jeder guten Gruppe von 1962 erzählen können Selbstbewusstsein in Bezug auf die Albernheit eines solchen Ärgerns, so dass es zu einem Lied wird, das sich mit der Angst beschäftigt, die er fühlt, selbst wenn er sich Sorgen um seine nachlassende Coolness macht. Es war eine Hymne für Kisten grabende Plattensammler, die ihr über Jahrzehnte angesammeltes tiefes Wissen und ihren Geschmack beobachteten, der in nur wenigen Monaten von den Kindern angepasst wurde. Eine solche Selbstironie macht Mr. Murphy zu einem charmanten und charismatischen Dokumentarfilmer, der hier in Aufnahmen der ekstatischen Schwanengesang-Performance seiner Gruppe gezeigt wird, unterbrochen von offenen Szenen, die in seiner Wohnung und in Brooklyn herumspielen und von dem Schriftsteller Chuck Klosterman interviewt werden.
Letzte Tage hier (2011)
Jeder kennt einen Menschen wie Bobby Liebling. Viele haben einen in der Familie; eine Person, die in den Beschränkungen des normalen Alltags nicht funktionieren kann, aber in einer gewählten Kunstform eine Stimme und ein Ventil gefunden hat. Wir können sogar glauben, dass einige der Künstler, die wir kennen, durch ihre Arbeit am Leben erhalten werden, wobei ihre Hingabe wirklich eine Frage auf Leben und Tod ist. Letzte Tage hier folgt einem anderen Plattensammler, diesem einem Heavy-Metal-Fan namens Sean Pellet Pelletier, der die Band Pentagram aus den frühen 1970er Jahren entdeckt und Freunde und Manager von Mr. Liebling wird.
Obwohl Pentagram den Klang eines bekannten Metal-Bandnamens trägt und einigen Hardcore-Fans von sogenanntem Stoner-Rock und Doom-Metal tatsächlich bekannt war, hatte die Band in ihrer frühen Karriere einige große Chancen vertan und werkelte jahrzehntelang meist im Dunkeln. Wir erfahren, dass dies nicht zuletzt auf die kompromisslose und oft irrationale Haltung ihres Führers, Herrn Liebling, zurückzuführen ist. Als die Filmemacher ihn Mitte der 2000er Jahre erreichen, ist er kaum noch am Leben, ein wackliger Panzer mit Insektenaugen, verwirrt von jahrelangem Missbrauch von Crack und Heroin, und lebt im Keller eines Vororts von Virginia seiner sehr unterstützenden Eltern. Wie beim Film von 2009 Amboss! Die Geschichte von Amvil , können sich die meisten Zuschauer rein menschlich mit den Themen identifizieren. Die Tatsache, dass sie eine Art Musik spielen, die viele von uns vielleicht überhaupt nicht mögen, dient tatsächlich dazu, die Gemeinsamkeit ihrer Kämpfe in starker Erleichterung zu präsentieren. Wir zeugen von der gleichen deprimierenden Selbstsabotage, die in allen Lebensbereichen zu sehen ist, aber bei Musikern überrepräsentiert ist. Wir setzen uns dafür ein, dass dieser Außenseiter zuerst am Leben bleibt, dann seine Dämonen bezwingt und sogar ein bisschen Erfolg hat.
Vorsicht vor Mr. Baker (2012)
Von einer Art Kerl, den wir alle zu kennen scheinen, bis hin zu einer einzigartigen Art von Person, mit der ich hoffe, dass keiner von uns es zu tun hat, Ginger Baker, der in dem treffenden Titel porträtiert wird Vorsicht vor Mr. Baker (aus einem tatsächlichen Schild auf seinem Grundstück entnommen). Am Leben zu bleiben war für Mr. Baker wahrscheinlich kein großes Problem, obwohl er anscheinend nicht viel Glück oder Lust hat, Dämonen zu besiegen. Am bekanntesten für seine Rolle in der Supergroup Cream, strahlt Mr. Baker, der weithin als einer der besten Allround-Schlagzeuger der Welt gilt, eine besonders starke Form der Böswilligkeit aus. Wie bei Letzte Tage hier, die Filmemacher nähern sich dem Thema als Fans auf einer Mission, wobei es in diesem Fall einfach darum geht, sich zumindest lange genug einzuschmeicheln, um Mr. Baker an der Erzählung seiner Geschichte teilhaben zu lassen. Die Kooperation von Mr. Baker gerät im Laufe des Films ins Wanken und er scheint sich nur um sich selbst zu kümmern. Aber als sie seine Geschichte verfolgen, wird klar, dass seine Dämonen wahrscheinlich von einer psychischen Erkrankung stammen. Aber es ist unwiderstehlich zu sehen, wie dieser Künstler, ein wahrer musikalischer Abenteurer, in verschiedenste Projekte verwickelt wird, die unweigerlich in Konflikte und sogar Gewalt enden, und jedem davon relativ unbeschadet entkommt, aber Wracks – menschliche und andere – in seinem hinterlässt aufwachen.
Werde mich vermissen (2005)
Roky Erickson, ein gebürtiger Austin, Texas, leitete die Aufzüge im 13. Stock , wahrscheinlich die erste amerikanische Psychedelic-Rock-Band, ist eine dieser legendären Randfiguren, die genau in James Murphys Texte zu Losing My Edge gepasst hätten. Die Geschichte der Musik und der Künste im Allgemeinen ist voll von Visionären, die mit psychischen Erkrankungen und Selbstmedikation zu kämpfen hatten. Viele waren ziemlich berühmt, aber es gibt andere wie Mr. Erickson, die, obwohl sie möglicherweise einen frühen Ruf und eine dauerhafte Wirkung genossen haben, auf dem Weg zu größerem Erfolg aufgrund persönlicher Kämpfe und manchmal Kafka-artiger Überreaktionen von Justizbehörden behindert wurden, die ihre Karrieren entgleisen. Wie bei einem anderen visionären Künstler, dem Mitbegründer von Pink Floyd, Syd Barrett, ist Mr. Ericksons Geschichte der psychischen Erkrankung in ein Henne-Ei-Geschwindigkeit mit Freizeitdrogenkonsum verstrickt. Hat das eine das andere verursacht? Wie bei vielen dieser Filme Sie Werde mich vermissen ist nicht nur fesselnd für die Aufmerksamkeit für das Thema, sondern auch für die Ausweitung des Fokus auf Erkenntnisse von Familienmitgliedern. In Mr. Ericksons Wohnung und das Haus seiner Mutter zu blicken, fühlt sich ein wenig voyeuristisch an, als würde man sich eine Folge von . ansehen Hamsterer . Aber es gibt Herz und Mitgefühl in diesem kunstvollen Film, der eher in die Tradition des Dokumentarfilms der Maysles Brothers von 1975 passt. Graue Gärten, das hält es davon ab, ausbeuterisch zu wirken .
Eine Band namens Tod (2012)
Ein weiteres Thema, das in Mr. Murphys Geschichten zum Sammeln von Platten passen könnte, war Death eine Band von Brüdern aus Detroit, die zu ihrer Zeit wenig bekannt waren, aber deren einzige Aufnahmen – unabhängig veröffentlichte Singles und Demobänder – entdeckt und über das Internet verbreitet wurden Jahrzehnte später von Sammlern fasziniert vom ursprünglichen Proto-Punk-Sound der Band. Es ist eine faszinierende Geschichte darüber, wie David Hackney seine beiden jüngeren Brüder Dannis und Bobby dazu führte, Anfang der 1970er Jahre in Detroit eine Band zu gründen. Als afroamerikanische Kinder, die in Motor City leben, beginnen sie damit, den Funk und R&B zu spielen, den man von der Zeit und dem Ort erwarten könnte. Aber nachdem sie Live-Shows von The Who gesehen und von anderen Rocks aus der Region Detroit wie Alice Cooper, dem MC5 und den Stooges beeinflusst wurde, beginnt die Band organisch, eine einzigartige Form von aggressivem Rock zu schreiben und aufzunehmen, die den Punkrock der 70er Jahre vorausahnt , der Funk-Punk von Rick James und der Hardcore-Punk der 80er. Ein Teil des Interesses an der Geschichte kommt sicherlich von der Unwahrscheinlichkeit, dass junge Leute eine Musik spielen, die nicht den Vorurteilen entspricht.
Die Musik selbst ist wirklich lohnend und zeitlos, nicht nur ein Kuriosum. Aber wie bei all diesen Filmen muss man die Musik überhaupt nicht mögen, um die Geschichte fesselnd zu finden. Eine Band namens Tod Parallelen Letzte Tage hier mit seinem Porträt einer unterstützenden Familie, die Raum lässt für eine kreative Kraft, um seinen Weg zu gehen. Und wie bei Bobby Liebling in Letzte Tage hier, David Hackney hatte mindestens eine Chance vertan, die Band auf ein neues Level zu bringen. In Deaths Fall weigerte sich die Band unter der Führung des älteren Bruders, den Namen der Band auf Geheiß des legendären Präsidenten von Columbia Records, Clive Davis, zu ändern. Mr. Davis hatte die erste Aufnahme der Band finanziert und seine Unterstützung versiegte infolgedessen. Aber der Film hat eine süße Coda, in der die beiden verbleibenden Hackneys und ihre eigenen Kinder die Wiederentdeckung der Musik genießen. Es ist in erster Linie eine Geschichte über die Familie, und die Hackneys strahlen eine Wärme aus, die den Zuschauer bei jedem Schritt mitreißen lässt. Einige Rockdokumente sind reich an Geschichten, aber es fehlt ernsthaft an Produktionswert. 20 Fuß von Stardom gehört nicht dazu. (Foto: Tremolo Productions.)
20 Fuß von Stardom (2013)
Im Jahr 2012, als ich für ein Buch recherchierte, das ich schrieb, Rocks Off: 50 Tracks, die die Geschichte der Rolling Stones erzählen , suchte ich nach einer Möglichkeit, Merry Clayton, die Sängerin des Stones-Klassikers Gimme Shelter, zu kontaktieren, und stieß auf diesen Film, der zu dieser Zeit noch in Produktion war. Es zeigt Frau Clayton neben einigen der anderen Top-Session- und Back-up-Sängerinnen der Musikindustrie. Ich schickte Tremolo Productions eine E-Mail und hörte vom Regisseur Morgan Neville, der mir außerordentlich hilfreich war und ein Freund von mir wurde. In Verbindung mit dem Thema der relativ unangekündigten Beiträge von Sängern zu einigen der berühmtesten Aufnahmen der Rock-, Soul- und Popmusik war ich zugegebenermaßen bereits zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung mit diesem Film verbunden.
Es hat meine Erwartungen bei weitem übertroffen, die bereits von Tremolo und Mr. Nevilles früheren Werken, darunter Dokumentationen über Ray Charles, Iggy Pop, Johnny Cash, Stax Records, die Songwriter des Brill Building und die Laurel Canyon-Szene rund um den Troubadour, hoch gesteckt wurden Nachtclub in Los Angeles. Tatsächlich könnte diese Liste nur aus diesen wertvollen Tremolo-Produktionsdokumenten bestehen, die mich alle ein oder zwei Kilometer auf dem stationären Fahrrad unterstützt haben.
Im Gegensatz zu vielen der Filme in dieser Liste, deren Produktionsqualität aufgrund von Budgetbeschränkungen variiert, 20 Fuß sieht großartig aus und klingt großartig, ein reichhaltiges Tableau, vor dem Mr. Neville mehr als ein paar A-Listen-Namen wie Bruce Springsteen und Mick Jagger bekommt, um das Rampenlicht mit einigen der Leute zu teilen - Ms. Clayton; Lisa Fischer; Darlene Liebe; die Familie Waters unter ihnen, die ihren Aufnahmen (buchstäblich) Farbe gab. Aber es ist das Pathos um den unterschiedlichen Grad an Ehrgeiz, Erfolg, Misserfolg und Akzeptanz dieser Leute im Schatten, die ihn zu einem großartigen Film machen.
Randnotiz: 1993 nahm meine Band Buffalo Tom in den Cherokee Studios in Los Angeles auf. Ich hatte eine große Vision für einen bestimmten Song von uns namens Treehouse, der am Ende ein Stonesy-Arrangement von Call-and-Response-Hintergrundsängern beinhaltete. Es fühlte sich damals für eine alternative Rockband wie ein absurder Schachzug an, professionelle Backgroundsänger anzufordern. Unsere Produzenten, die Robb Brothers, die seit den 60er Jahren dabei waren, sahen sich sofort an und sagten unisono, die Waters Sisters! Und am nächsten Tag waren die Waters Sisters bei unserer Session und dort arrangierten wir Backing-Parts für einen unserer Songs. Es fühlte sich ein bisschen wie Rock and Roll Fantasy Camp an. Erst später erfuhr ich von ihrer atemberaubenden Diskografie, zu der auch die von Michael Jackson gehörte Thriller, wie ich in diesem Film entdeckt habe. Also los gehts, eine Trivia-Frage: Nennen Sie die einzigen Musiker, die mit Michael Jackson und Buffalo Tom spielen. Michael WHO ?
Muskelschwärme (2013)
Weniger erfolgreich beim Betrachten der Menschen hinter berühmten Aufnahmen ist Muskelschwärme, die dennoch aufgrund ihrer Thematik sehenswert ist, wie eine kleine Stadt am Flussufer in Alabama in den 60er und 70er Jahren über zwei Studios, die FAME Studios, und ihren Ableger, Muscle Shoals Sound Studio, zu einer Brutstätte für Hit-Platten wurde. Rick Hall, der Gründer von FAME, verdient viel Anerkennung dafür, dass er im Süden eine Szene geschaffen hat, in der afroamerikanische und weiße Musiker buchstäblich gut zusammenspielen konnten. Einige der großartigsten Soul-Seiten des Südens wurden mit schwarzen Sängern und weißen Begleitbands geschnitten. In Memphis sind Booker T. & die M.G.s – eine gemischtrassige Gruppe bestehend aus Steve Cropper, Donald Duck’ Dunn, Booker T. Jones und Al Jackson Jr. – auf den meisten der besten Tracks von Stax Records zu hören. Währenddessen hat Muscle Shoals in Alabama, wie Lynyrd Skynyrd betonte, die Swampers, eine legendäre Gruppe von Einheimischen – David Hood, Roger Hakwins, Spooner Oldham, Barry Beckett und Jimmy Johnson – die Aretha Franklin, Percy Sledge, Wilson unterstützten Picket, die Staples-Sänger und Arthur Alexander. Diese Platten beeinflussten die Beatles, Rolling Stones und unzählige andere, von denen einige zu Muscle Shoals pilgerten.
Einer der Fehler des Films ist jedoch, dass er etwas zu viel Zeit mit der Rick Hall-Geschichte verbringt – manchmal begleitet von melodramatischen Aufnahmen einer besinnlichen Halle in einer Scheune oder einer Traktorfahrt, die wie eine Viagra-Werbung oder so aussieht – und zu wenig Zeit mit den Musikern selbst. Die lohnendste Geschichte hier ist die Zusammenarbeit von weißen und schwarzen Musikern, die zusammen im tiefen Süden auf dem Höhepunkt der Bürgerrechtsära zeitlose Platten schaffen. Aber diese wichtige Geschichte, die keineswegs ohne Spannung verlief, lässt sich am besten in Peter Guralnicks wichtigem Buch von 1986 erzählen: Sweet Soul Music: Rhythm and Blues und der südliche Freiheitstraum . Und Muskelschwärme macht es nicht so gut, die Beiträge der Musiker hinter den Kulissen zu diskutieren wie sein nordisches Analogon, Im Schatten von Motown stehen tat im Jahr 2002, der immer noch der Standardträger für einen frühen Dokumentarfilm über anonyme Session-Spieler und die magischen Räume ist, in denen sie aufgenommen haben. Es sind nicht so sehr die Räume, sondern die Spieler.
Beats, Rhymes & Life: Die Reisen eines Stammes namens Quest (2011)
Ich denke, die meisten von uns Musikfans neigen zu Dokumentarfilmen, die uns mehr über die Künstler und Aufnahmen lehren, die wir bereits kennen und lieben. Der wahre Spaß kommt mit aufschlussreichen Filmen über Themen, über die wir wenig wissen. Ich mag im Allgemeinen nicht viel Heavy Metal nach 1977, und ich konnte keinen Iron Maiden-Song nennen, aber ich habe es sehr genossen, darüber zu stolpern Iron Maiden: Flug 666 (2009) wobei ihr Leadsänger Bruce Dickinson tatsächlich die Band, die Crew, die Familienmitglieder und das Equipment auf einer Welttournee an Bord einer Boeing 757 steuert. Obwohl ich glaube nicht, dass ich jemals Pentagrams Musik gehört hatte, konnte ich zumindest grooven auf einigen ihrer Lieder in Letzte Tage hier . Aber die Musik in beiden ist nur ein Hintergrund für die menschlichen Geschichten, die beide anziehen.
Obwohl ich die ersten beiden Alben ihrer Zeitgenossen und stilistischen Brüder De La Soul schon gut kennengelernt hatte, wusste ich seltsamerweise nur relativ wenig über die Musik von A Tribe Called Quest, bevor mir ein Freund die DVD in die Hand drückte und darauf bestand, dass ich sie mir ansehe. Während es mich sicherlich auf einige der Alben aufmerksam machte, die ich über ihre sehr bekannten Hits I Left My Wallet in El Segundo und Can I Kick It? hinaus vermisst habe, geht es in den fesselnden Teilen des Films um die Beziehungen zwischen den Mitgliedern der Gruppe und wie sie sie gestalten sich im Laufe der Zeit entwickeln.
Unter der Regie des Schauspielers Michael Rappaport ist es ein weiterer Liebesdienst von jemandem, der eindeutig ein Fan der Musik ist. Aber in dem Film dreht sich alles um Tribe, und sie waren angeblich mit dem Ergebnis zufrieden. trotz offensichtlicher Kontroversen über die endgültigen Schnitte und Produktionsabspann . Es wurde ursprünglich mit dem Wort Fights in place of Life betitelt, aber Kämpfe sind in der Tat Teil ihrer – und jeder langjährigen Band – Geschichte. Dennoch macht der erstmalige Regisseur mit Hilfe von Erfahrungsberichten von Persönlichkeiten wie Pharrell Williams, Mary J. Blige und den Beastie Boys hervorragende Arbeit, warum die innovative Musik von ATCQ in einer besonders fruchtbaren Zeit im Hip-Hop herausragte . Und wir werden Zeuge des nachhaltigen Einflusses, den ihre Musik auf Hunderttausende von Fans hatte, während wir sie auf ihrer Reunion-Tour 2008 begleiten. Obwohl es eine andere Subkultur war als meine eigene, machte es mich nostalgisch für die frühen 90er Jahre.
Auf den Kopf gestellt: Die Geschichte der Schöpfungsaufzeichnungen (2010)
Näher an meiner eigenen Erfahrung war die Nostalgie beim Betrachten dieses Films noch akuter. Meine eigene Band war von 1989-1999 ziemlich oft in und außerhalb Großbritanniens. Creation Records war bereits eine bedeutende Kraft, bevor wir zum ersten Mal hier waren, mit bahnbrechenden Veröffentlichungen wie der ersten Single von Jesus and Mary Chain und einer 1989er EP von My Bloody Valentine. Dies waren Bands, die Gitarrengeräusche und -texturen in einer Art Underground-New Yorker Stil nutzten und den Velvet Underground und Sonic Youth auf den britischen Inseln aktualisierten. Der legendäre Gründer des Labels Alan McGee leitete weiterhin die Jesus and Mary Chain, während sie schnell zu anderen Labels wechselten und einen Großteil des Geldes, das er verdiente, in Creation und das Gleichgewicht steckte, um einen ebenso hedonistischen Lebensstil zu ernähren, oft sogar als Bands auf dem Label, was etwas über ein Label aussagt, das Primal Scream und Oasis beherbergte. Ich weiß nicht, warum ich angesichts des Themas mit etwas geringen Erwartungen darauf gekommen bin, aber ich war ein wenig überrascht, dass dies eine wirklich großartige Dokumentation ist, die unbeirrt die extremen Höhen und Tiefen von Mr. McGee und dem Label und den bewegliches Fest der Charaktere. Meine Band tourte mit My Bloody Valentine auf der Tour um ihr Meisterwerk zu unterstützen Lieblos LP (1991), die das Label angeblich fast bankrott machte, zwei Jahre und viele Fehlstarts brauchten. Und ein paar Jahre später tourten wir mit Teenage Fanclub, einer weiteren exzellenten Band auf Creation, und spielten einige Shows mit den Boo Radleys des Labels. Vielleicht waren meine niedrigeren Erwartungen darauf zurückzuführen, dass in einem Film etwas so nah an meiner eigenen Erfahrung als vergangene Geschichte gezeigt wurde, etwas, das ich als alt ansah.
Echter norwegischer Black Metal (2007)
Ich kenne eigentlich zwei Dokumentarfilme über diese eigenartige Subkultur. Dieser kam zuerst, produziert von Vice Media und VBS.TV, und präsentiert in fünf teile online und moderiert von Ivar Berglin, einem Vize-Skandavischen Korrespondenten mit Sitz in Stockholm. Ein anderer Film, Bis das Licht uns trägt ist eine amerikanische Produktion, die 2008 veröffentlicht wurde. Beide konzentrieren sich auf eine fast comicartige Art von hochtheatralischem Metal, bekannt als Black Metal, bei der Musiker in aufwendigen Kostümen und Make-up eine nicht ganz unbekannte Form von Fast und Low Metal spielen, mit Gutturalt Vocals über einem brutalen, hämmernden Rhythmus aus Double-Kick-Drums und stakkatoverzerrten Gitarren und Bässen. Ich bin mir nicht sicher, was die norwegische Black Metal-Sorte musikalisch von Ihrem gewöhnlichen Death Metal unterscheidet, aber dann bin ich nur ein Neuling mit einem zugegebenermaßen ungekünstelten Gaumen für so etwas [Ed: start Hier ]. Die Unterschiede zu den meisten Thrashern kommen hauptsächlich durch eine übergreifende unausgegorene Philosophie mit gleichen Teilen nordischer Mythologie, Standard-Nationalismus, Fremdenfeindlichkeit und einer extremen Opposition zu den meisten Religionen, insbesondere der jüdisch-christlichen Art.
Beide Filme konzentrieren sich auf die Nachwirkungen einer Reihe schwerer Verbrechen, die in den 90er Jahren stattfanden, die Mitgliedern tatsächlicher NBM-Bandmitglieder zugeschrieben werden, nicht nur ihren fehlgeleiteten Fans, wie wir es hier in den Staaten meistens gewohnt sind. Mitglieder verschiedener Bands nahmen an Mord, Folter, Kirchenbrand und Selbstmord teil. Was? In Norwegen? du denkst vielleicht. Genau. Diese Scheiße ist der Hammer.
Von den beiden Filmen habe ich es vorgezogen Echter norwegischer Black Metal. Bis das Licht uns trägt präsentiert sich als legitime Untersuchung dieser Sadsack-Szene, stellt aber einfach nicht die harten Fragen ihrer Protagonisten und die Aussage des Films scheint fast so vage zu sein wie das schlecht durchdachte Dogma der Neo-Rebellen ohne Ursache. Echter norwegischer Black Metal, Auf der anderen Seite ist sie ungeniert von ihren Untertanen begeistert, insbesondere von einem Veteran der Szene, dem düster-charismatischen Gaahl, Leadsänger von Gorgoroth, der kürzlich eine Gefängnisstrafe abgesessen und angeblich eine hohe Geldstrafe nördlich von 20.000 US-Dollar für die Prügel und Folter gezahlt hat eines ungebetenen Gastes. Die Filmemacher scheinen wirklich erschrocken zu sein, wenn sie das in einen Hügel eingebettete Ahnengebäude betreten, das seit Generationen im Besitz seiner Familie ist und keine Inneninstallationen hat. Amerikaner hören vielleicht Dueling Banjos in unseren Köpfen und denken Hillbillies, aber stattdessen hören wir den ominösen Soundtrack mit etwas, das unerklärlicherweise wie ein Didjeridoo klingt. Moderator Berlin erscheint vor der Kamera, um uns mitzuteilen, dass er und die Crew die ersten Journalisten waren, die zu Besuch kamen, und er fühlte sich sehr geehrt, hat aber tatsächlich ziemliche Angst.
Die Nerven dieser 20 oder 30 Jahre alten Typen scheinen sich ein wenig zu beruhigen, während sie mit Gaahl plaudern und an seiner umfangreichen Weinsammlung nippen. Vieles davon macht natürlich noch mehr Sinn, wenn dieser imposante Neo-Viking-Sorta-Satanist, der sich wie ein Zauberer/Teenager kleidet, der sich im örtlichen Dungeons and Dragons-Club etwas zu lange durchgehalten hat, später als schwule Mode herauskommt Designer. Schwul mit einer Vorliebe für Make-up und Kostüme in den Hügeln aufzuwachsen, erfordert ein wenig Selbstverteidigung, egal wo diese Hügel sind. Könnte sich genauso gut verkleiden und Monster spielen. Man spielt keinen Black Metal, wenn man kein Krieger ist, intoniert Gaahl in einer Szene, in der er davon spricht, Schafe zu führen, bedrohlich. Gerne schlüpfen hier die Filmemacher selbst in die Rollen verschiedener Schafe.
