Grob, unzüchtig und schamlos sind drei Wörter, die Adam Sandler-Filme im Allgemeinen und 50 First Dates im Besonderen ziemlich genau beschreiben. Wie sein Valentinsgruß von 1998, The Wedding Singer, verbindet diese angebliche neue Komödie den leberwurstgesichtigen Saturday Night Live-Alumnus mit dem sprudelnden, aufgerissenen Drew Barrymore, der ein schönes Treibmittel für die hässliche, raue und gruselige Person von Mr. Sandler (und ( eine immer verblüffende Bruderschaft von fehlgeleiteten Filmkritikern, die sich von Geschmacklosigkeit ernähren) nennt wahrscheinlich Stil. Dennoch gibt es hier die üblichen Arschknebel und ekelerregende, einschläfernde Sentimentalität im Überfluss: Schwulenwitze, wilde Schläge, alte, senile Leute, die schmutzig reden, und die erbärmliche Clique sozialer und medizinischer Außenseiter, die Mr. Sandlers Portfolio an idiotischen Faulpelzen wie Champions behandeln und Helden.
Die nicht existierende Handlung überarbeitet Harold Ramis' Film Groundhog Day aus dem Jahr 1993, in dem Bill Murray einen zynischen Wettermann spielte, der dazu verdammt war, die Ereignisse des 2. Februar immer wieder zu erleben, bis er lernte, dem Punxsutawney-Nagetier auf der Suche nach seinem Schatten gegenüber einfühlsamer zu werden. Wenn seine Figur im Fegefeuer feststeckte, ist Drew Barrymores Figur Lucy zur Schwebe verurteilt. Sie ist ein medizinisches Phänomen, das nur in gebrochener Zeit lebt. Sie ist Kunstlehrerin, die bei einem Autounfall eine Kopfverletzung erlitt. Jetzt verliert sie jede Nacht ihr Kurzzeitgedächtnis und wacht jeden Morgen auf, weil sie glaubt, es sei der Tag des Unfalls, an dem auch ihr Vater Geburtstag hat. Aus Gründen, die Sie nicht wissen wollen, gehen ihr hasserfüllter Vater (Blake Clark), ihr Bruder mit Steroiden (Sean Astin) und verschiedene einheimische Hula-Tänzer (habe ich vergessen zu erwähnen, dass alles auf Hawaii stattfindet?) , sogar eine nächtliche Wiederholung von The Sixth Sense zu sehen und jedes Mal, wenn Bruce Willis sich als Geist entpuppt, Schock und Überraschung vortäuscht. Als die Wahntherapie langweilig wird, tritt Mr. Sandler als Meerestierarzt und Eroberer von Lady-Touristen namens Henry ein. Er verliebt sich in Lucy, sobald er sie in einem Diner entdeckt, wie sie aus einem Stapel Waffeln ein Haus macht. Sie schnüffelt gerne an seinen Fingern, weil sie nach Makrele riechen. Das ist nur der ekelerregende saubere Teil. Die ekelerregenden schmutzigen Teile greifen schneller an, was von Ihrem eigenen Gehirn übrig ist, als Sie Farrelly Brothers sagen können.
In jedem Adam Sandler-Film wird Schwulen, Senioren, Querschnittgelähmten, Menschen in Mülltonnen und Rollstühlen Spaß gemacht. Aber ist es nicht merkwürdig, dass die einzige Person, die in all diesen Filmen beschädigt und untergeistig aussieht, Adam Sandler selbst ist? In den widerlichen 50 First Dates scheinen seine Mängel noch tödlicher zu sein als in der betäubend anmaßenden Punch-Drunk Love. Während sich das lahme Drehbuch von George Wing mit einer Reihe von endlosen Dates, bei denen Lucy glaubt, Henry zum ersten Mal zu treffen, auf eine unerträgliche Spielfilmlänge von 95 Minuten auffüllt, werden die sich wiederholenden Kuss- und Kuschelszenen von Regisseur Peter ausgeglichen Segals Engagement für einen groben Overkill. In jeder Phase der Romanze schweift der Film in so viel Skatologie und kindliche Adoleszenz ab, dass es scheint, als hätte Mr. Segal mit einem Finger in der Kehle Regie geführt. Herr Segal ist der verantwortliche Mann für Anger Management und Nutty Professor II: The Klumps, neben anderen idiotischen Schande, also wird wahrscheinlich niemand diese Krypta auf der Suche nach Subtilität, Frische oder Stil betreten.
Aber selbst für Hollywood-Verhältnisse, was für ein Verstand bringt Sie mit einer Kombination aus so viel Toilettenhumor und körperlicher Misshandlung zur gleichen Zeit? Bereiten Sie sich auf grauenhafte Kindergarten-Geschichten über geprellte Hoden, ein Walross, das sich reichlich erbricht, und einen Beinahe-Zwitter vor. (Hätte nicht das eine oder das andere gereicht?) Lucys Vater imitiert und verspottet grausam die Sprachbehinderung seines Sohnes. (Sind die übertriebenen Brustmuskeln des jungen Mannes nicht genug?) Wir alle werden ermutigt, schallend über einen hirngeschädigten Geisteskranken zu lachen, und ein kranker Witz über Gary Buseys fast tödlichen Motorradunfall im wirklichen Leben fällt so flach wie Elefantenkot. Dann gibt es die hammy, überreizte Performance des ewigen Sandler-Repertoire-Sidekick Rob Schneider, als hawaiianischer Dope-Süchtiger mit dunkler Haut und Pidgin-Englisch, der immer neue Wege findet, die Wunden an seinem Bauch von einem Haibiss aufzureißen.
Dumm, grob und abgrundtief unlustig, ist dies die Art von Film, die einen beten lässt, dass ein echter Tigerzahn mitten in einer Szene auftaucht und selbst dauerhaften Schaden anrichtet. Jetzt gibt es einen grausamen Witz, der mich wirklich in Stich lassen würde.
Übergeschlechtliches Trio
Bei all dem Hype und der Kontroverse um seinen versauten Sex und seine männliche Nacktheit ist Bernardo Bertoluccis The Dreamers ein Film, der auf Befehl schwitzt, aber nicht die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Es ist schwerfällig und ärgerlich unsexy. Vom Kino und dem Kamasutra berauscht, hat Bertolucci in seinen letzten Filmen die Hormone aufgegeben, mit denen er Marlon Brando trieb, in Last Tango in Paris, um die einzige Verwendung von Butter zu demonstrieren, die Julia Child nie in den Sinn kam. Aber in The Dreamers, das während des turbulenten Frühlings 1968 in Paris spielt, kehrt Mr. Bertolucci in seiner Jugend zu seinen drei Lieblingsthemen zurück – Sex, Filme und Politik. Alle drei gaben damals Vollgas und befeuerten die Revolutionen der chaotischen 60er Jahre. Das Jahr war eine Zeit der Streiks, Studentenproteste, politischen Skandale und wütenden, kettenrauchenden Hedonismus, als Henri Langlois aus den halsbrecherischen Hallen der Cinematheque Française in Paris verdrängt wurde und sich Mobs randalierender Kinofans mit New Wave an die Tore ketteten Ikonen wie François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo und Simone Signoret. Newcomer Bertolucci, ein ehemaliger Assistent von Pier Paolo Pasolini, der nach seinem ersten Film 1962 in die heiligen Reihen eintrat, war dabei, und das Adrenalin der Erinnerung rauscht offenbar noch immer durch sein Gehirn. Es ist das letzte Mal, dass genug Leute von der Philosophie, die ihnen auf der Leinwand begegnete, so beeinflusst waren, dass sie bereit waren, die Barrikaden zu stürmen und die Polizei mit Knüppeln und Tränengas zu bekämpfen, um die Filme von Nicholas Ray zu verteidigen.
Von Gilbert Adair aus seinem Roman adaptiert, erzählt The Dreamers die Erfahrungen von Matthew (Michael Pitt), einem einsamen, naiven amerikanischen Studenten und unersättlichen Cinephilen, der Tag und Nacht in der Cinematheque rumhängt. Mit einem Hauch von Brandy und einem Schuss Schicksal lernt er Isabelle (Eva Green) und Theo (Louis Garrel) kennen, exotische französische Zwillinge, deren exzentrische Eltern einen längeren Urlaub gemacht haben und die Geschwister in dem überladenen, geräumigen und leicht verdrehten Raum allein gelassen haben Familienwohnung. Innerhalb von zwei Tagen ziehen die Geschwister Matthews Sachen aus seinem Hotel in ihre Wohnung, wo sie flirten, faszinieren, romantisieren und ihn in eine Ménage à trois verführen, die sein ganzes Leben verändert. Hier ist ein höflicher, leiser, sauberer Amerikaner aus San Diego mit einem Hintergrund aus grünem Rasen, Kombis und Brooks Brothers-Button-Downs, dessen sexuelle Anstand allmählich durch eine inzestuöse Bruder-Schwester-Aktion verringert wird, die ihn darauf einweihen möchte die böhmischen Spiele ihrer eigenen unkonventionellen sexuellen Revolution. Es ist ebenso ein Film über den Film wie über die Kopulation. Da sich die Verweise des übergeschlechtlichen Trios auf Lebenserfahrungen alle auf Szenen aus Filmen beschränken, die sie auf der Leinwand gesehen haben, schneidet Bertolucci auf Filmausschnitte von Chaplin, Garbo in Queen Christina, Fred und Ginger und natürlich den unauslöschlichen ersten Eindruck jedes Amerikaners von Paris-Jean Seberg verkauft die International Herald Tribune in der Rue l'Opera in Breathless. Matthew schwebt in ein säkulares Dasein inzestuöser Dekadenz, gibt sich jedem sexuellen Experiment mit völliger Hingabe hin, bis die Abenteuer in den von Aufruhr zerrissenen Straßen draußen das Erwachen in den Betten drinnen überholen und der Weg zur Reife und Selbstfindung endet in Trennung. Matthew erkennt endlich, dass das Leben mehr ist als unspezifische geschlechtsspezifische Orgasmen. Die Frage ist: Wie wäre es mit einer Fortsetzung, in der er seine geile Verwandlung wieder unter den Palmen von San Diego auf die Probe stellt?
Es gibt viel Sex, aber das meiste davon ist schwach und nichts davon ist sehr pulsierend. Die Schauspieler sind fast rot vor Verlegenheit, und mit Ausnahme von Eva Green – die vor simulierter Lust wie eine Pornokönigin stöhnt – scheint niemand sehr erregt zu sein. Mr. Pitt, ein äußerst unbeholfener Schauspieler aus Brooklyn mit weizenfarbenem Haar und geschwollenen Lippen, entblößt seinen Hintern und seinen Sohn, aber er ist zu dürr und mit kniffligem Mund, um viel Fieber zu bekommen. Das barocke Pariser Atelier, in dem die Jugend ihre Fantasien auslebt, verleiht dem Film eine schöne, gedämpfte Qualität, die sich selten ans Tageslicht wagt, aber dies ist ein kurzsichtiges Thema, das Bertolucci nicht ganz über seine persönliche Vision hinausreicht. Das französische politische Klima von 1968 ist kein Thema, auf das viele Leute im Jahr 2004 neugierig sind, und der Sex ist nicht erotischer als Janet Jackson beim Super Bowl. Es ist ein Film über Jugend und Leidenschaft, der alt und leidenschaftslos wirkt.
Kann-Kann-Kann!
Can-Can , die ersten Zugaben! Produktion von 2004, hat den Mythos zerstreut, dass diese beliebte Reihe von szenischen Konzertversionen alter Broadway-Musicals ihre Nützlichkeit und Popularität überlebt hat. Sie würden es nicht von den beifälligen Schreien wissen, die von den Balkonbalken des Stadtzentrums abprallen. Eine Frage nörgelt jedoch. Der ursprüngliche Zweck von Encores! Vor 10 Jahren war es, Shows zu wiederholen, die seit Jahren niemand mehr gesehen hatte, ohne Bühnenbild oder Kostüme, mit der gesamten Besetzung, die Bücher und Libretti in den Händen trug und vernachlässigte, oft vergessene Partituren aufführte, die einen zweiten Blick wert waren. Qualifiziert sich Cole Porters schaumiges, aber leeres Can-Can? Vielleicht ist es seit seiner Eröffnung im Jahr 1953 nicht viel gesehen worden, mit entschieden gemischten Kritiken, mit einer Besetzung, die Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon und Hans Conried umfasste, aber es lief zwei Jahre lang und gewann Tony Awards für Gwen Verdon und die Choreografie von Michael Kidd, also wer würde es als obskur bezeichnen? Und wir können jetzt in unsere jeweiligen Ecken des Rings gehen und uns darum streiten, ob es es wert ist, jemals wieder inszeniert zu werden oder nicht. Das Buch von Abe Burrows war immer flach, aber in 50 Jahren sind ihm Haare gewachsen. Und trotz ihrer zeitbeständigen Haltbarkeit gehören Hits wie I Love Paris, C’est Magnifique und It’s All Right with Me immer zu meinen unbeliebtesten Einträgen im Cole Porter-Katalog. Außerdem finde ich Michael Nouri einen Lachs aus Zypressen, und ich war schon immer total allergisch auf das Gekreisch von Patti LuPone.
Nachdem ich das alles gesagt habe, muss ich jetzt in ein großes Stück bescheidenen Kuchen beißen und zugeben, dass ich mich bei Can-Can sehr wohl gefühlt habe. Die eindimensionale Handlung über einen Kampf, der zu einer Liebesaffäre zwischen einem verklemmten Richter namens Aristide wird, der schwört, die Zensurgesetze von 1893 aufrechtzuerhalten, indem er alle anzüglichen öffentlichen Tanzausstellungen verbietet, die die niederen Instinkte unartiger Pariser fördern oder nähren könnten, und Die freche La Mome Pistache, Besitzerin des berüchtigten Kabaretts Bal du Paradis in Montmartre, wo die illegale Dose allabendlich angesagt ist, ist so wegwerfbar wie eh und je. Alles führt zum Prozess, wo im Gerichtssaal nur eines das Gesetz ändern, die Geschworenen beeinflussen und die eisigen Herzen der Richter zum Schmelzen bringen wird: Bring die Dose! Es ist unbeschreiblich kitschig, mit einer aufdringlichen Quadrille, einem Garden of Eden-Ballett und einem fackeligen Apachentanz, die alle nur oberflächlich waren. Aber es gab auch ein paar unbestreitbare Freuden: Die Zweitbananen-Geschichte um Boris, einen pompösen, hungernden bulgarischen Künstler, und seine leidgeprüfte Freundin Claudine, eine Can-Can-Tänzerin, wurde durch den überaus charmanten Reg Rogers und die Libido enorm aufgewertet , langbeinige Charlotte d'Amboise. Und als dralle Pistache hat Patti LuPone endlich eine Rolle gefunden, die ihre Stimme und ihr Korsett erfüllt. Sie war die schlechteste Annie Oakley, die ich je gesehen habe, und als unglückseliger Reno Sweeney in Anything Goes konnte ich kein Wort verstehen, das sie sagte (oder sang). Aber in Can-Can war sie ein Belle-Epoque-Cupcake, der die Bühne besaß. Ihr Gesang stieg in die Höhe, ohne blechern oder flach zu sein, ihr salziges Spiel überzeugte, ohne kantig oder scharf zu sein. Immer wenn sie in den Startlöchern wartete, konnte man hören, wie das Publikum die Aufmerksamkeit verlor. Als sie zurückkehrte, schreiend, aber nicht schreiend, nahmen alle ihre volle Aufmerksamkeit auf und waren bereit zu salutieren. Dies ist eine Cut-and-Paste-Produktion einer Show unter professioneller Regie von Lonny Price, die ich in den Texten von Cole Porter leicht zu allez-vous-en raten kann. Ich möchte Can-Can nie wieder sehen oder hören, aber als seltenes Schaufenster, um die besten Qualitäten von Patti LuPone hervorzuheben, wurde der Songtitel C’est Magnifique überraschend wahr.
