Call Off the Requiem: Das klassische Musikgeschäft ist noch nicht tot

Es ist klar, dass das Geschäft mit klassischer Musik, zumindest in Zahlen, seit einiger Zeit in Schwierigkeiten steckt; weniger klar ist, warum. Experten aus verschiedenen Ecken der Kunstwelt haben keinen Mangel an Erklärungen oder Theorien darüber, was am meisten zum Rückgang der kulturellen Relevanz des Genres beigetragen hat. (Einst der britische Schriftsteller Kingsley Amis schrieb Schuld daran ist die klassische Musik des späten 20. Jahrhunderts, die behauptet, dass die moderne Sinfonie ungefähr so ​​viel Chancen auf öffentliche Akzeptanz hat wie Pädophilie. Autsch.)

Aber die Musik ist nach Meinung der meisten nicht das Problem.

Gemäß Aubrey Bergauer —die von Kollegen in ihrer Branche wegen ihrer Midas-ähnlichen Fähigkeit, träge geldverlierende Orchester umzudrehen und jahrzehntealte Trendlinien umzukehren, die auf weniger (und ältere) Ticketinhaber hindeuten, als „der Steve Jobs der klassischen Musik“ bezeichnet wurde— das problem ist eigentlich ganz einfach.

Die Musik selbst ist nicht das Problem, sondern das, was wir am besten können – sie ist unser Kernprodukt. Dennoch denken viele Unternehmen, dass eine Änderung des Produkts das Endergebnis verbessern wird, aber das wird nicht der Fall sein, bemerkte Bergauer, der kürzlich die Zügel der San Francisco Bay Area zurückgegeben hat Kalifornische Symphonie nachdem er die Dinge mit Taktiken aufgerüttelt hatte, die man häufiger bei Startups und Technologieunternehmen im Silicon Valley findet. Das Problem bei klassischer Musik ist alles außer der Musik; im technischen Sprachgebrauch könnten wir sagen, dass unsere „UX“, unsere Kundenerfahrung, im Allgemeinen scheiße ist.

Behalte diesen Gedanken bei; Wir kommen gleich auf die beschissene UX von Bergauer und klassischer Musik zurück.

Springen wir zunächst über den Atlantik nach Warschau, Polen, und werfen wir einen Blick auf das, was im Polnischen Nationalen Radio-Symphonieorchester vor sich geht. Hier finden Sie vielleicht einen Dirigenten-Komponisten namens Radzimir Dębski, der unter dem Künstlernamen bekannt ist Jimek (ja, ein Dirigent mit Künstlername), gleichzeitig ein volles 70-köpfiges Orchester dirigieren und Bomben im Stil von Funkmaster Flex abwerfen, um das zu navigieren, was genannt wurde die größte Crossover-Errungenschaft in der Geschichte der klassischen Musik – eine 10-minütige Wirbelwind-Tour durch fast 30 der charakteristischsten Melodien des Hip-Hop.

Nach der Eröffnung mit Kendrick Lamars Swimming Pools (Drank) führt Jimek das Orchester durch einige der klassischen Rap-Hymnen von 2Pac, Jay-Z, A Tribe Called Quest, Kanye West, 50 Cent und natürlich den Beastie Boys; Die sichtlich engagierteste Reaktion der Konzertbesucher kommt jedoch, als der ortsansässige Xylophonist in der Percussion-Sektion beginnt, das Thema zu Missy Elliotts Get Ur Freak On zu formulieren.

Jimek, so scheint es, denkt, dass klassische Musik überarbeitet werden muss. Tony Woodstock, ehemaliger Präsident des New England Conservatory of Music und derzeitiger Interimsdekan der School of Music an der University of North Carolina School of the Arts, würde dem eher zustimmen und argumentieren in einer op-ed für HuffPost, dass der klassische Musikbereich im Allgemeinen besonders resistent gegen den Begriff der Innovation ist, weil es in den letzten 100 Jahren praktisch keine gab.

Die organisierte Religion und der Gottesdienst haben sich im gleichen Zeitraum stärker verändert, schloss er.

Auf der Club- und Disco-Strecke, Fähre Corsten , der weltberühmte niederländische Trance-DJ, experimentiert in seiner Musik zunehmend mit klassischen Akkordfolgen und Orchester-inspirierten Klängen, die in den letzten zehn Jahren konstant an der Spitze der Dance-Charts in den USA und Europa stand. Sein neuestes Projekt zielt darauf ab, diese genreübergreifende Synergie auf eine andere Ebene zu heben und die erste Tech-Symphonie zu schaffen.

Ich glaube fest daran, dass Mozart, wenn er heute noch am Leben wäre, Trance komponieren würde, sagte Corsten in einem Interview mit Braganca aus seinem Tonstudio in Rotterdam. Klassische Musik im traditionellen Sinne mag beim Publikum an Schritt verlieren, aber ihre DNA ist in der elektronischen Musik sehr lebendig. Ich vermute, dass sich die beiden Genres in den kommenden Jahren immer mehr annähern werden, wenn Orchester neue Technologien annehmen und nach neuen Wegen suchen, um mit einer neuen Generation von Publikum in Kontakt zu treten.

Man hört oft, dass bestimmte populäre Mainstream-Künstler klassisch ausgebildet sind, ein etwas hinterhältiges Kompliment, das vermitteln soll, dass ein Sänger oder Musiker tatsächlich Noten lesen kann. Aber immer mehr Künstler, die ein Orchesterinstrument erlernt haben, suchen nach Wegen ihre Auftritte einflößen mit ihren klassischen Fähigkeiten. Das vielleicht größte Beispiel für diese klassische Infusion in die Top 40 von Billboard ist Lizzos ausdrucksstarker Einsatz ihrer Flöte während der Pausen in Hits wie Juice und Truth Hurts.

Es scheint also, dass, zumindest am Rande, klassische und aktuellere Musikgenres sich mit ihrer eigenen Version des toller kolumbianischer Austausch , sich gegenseitig beeinflussen und die Silos aufbrechen, die diese Genres jahrzehntelang voneinander abgeschottet haben.

Aber für Konzertsäle und professionelle Symphonien auf der ganzen Welt vollzieht sich der Wandel im Schneckentempo und wird eher früher als später kommen müssen, da die Unterstützung des öffentlichen Sektors für das Medium schwindet und eine alternde Gönnerklasse stirbt.

Als Branche sind wir unglaublich abgeschottet; Wir müssen nach Inspiration und Innovation außerhalb unseres Feldes suchen, sagte Dr. Nancy Uscher, Dekanin der University of Nevada, Las Vegas College of Fine Arts, gegenüber Braganca. Wir können uns nicht allein auf die Spuren der Vergangenheit verlassen. Wir müssen herausfinden, wie wir das, was wir sind, erweitern können, ohne das zu beschädigen, was wir haben. Das Ziel sollte sein: Mozart und Beethoven spielen, als wäre die Tinte noch nass.

Uscher glaubt, dass der einzige Weg, die Funktionsweise klassischer Musik zu ändern, darin besteht, sie von innen heraus aufzurütteln. Die großen Spender haben alle Karten, beobachtete Uscher. Wenn sie Experimentalismus und Risikobereitschaft mit der Finanzierung verknüpfen würden, würden Sie ziemlich schnell einige ziemlich dramatische Veränderungen in der Branche erleben. Die klassische Musik-Community wird nicht innovativ sein, solange kein finanzieller Anreiz dafür besteht.

Fast alle US-Orchester schreiben regelmäßig rote Zahlen. Die Einnahmen aus dem Ticketverkauf machen in der Regel weniger als 50 % des Betriebsbudgets einer Musikorganisation aus. Selbst ein volles Haus, Nacht für Nacht, reicht in der Regel nicht aus, da die Ticketeinnahmen durch die Verkaufskosten, die Betriebsbudgets der Einrichtung und die Bezahlung der Musiker in den Schatten gestellt werden. So hässlich die Wahrheit auch sein mag, im Gegensatz zu ihren europäischen Pendants, die größtenteils von nationalen und lokalen Regierungsstellen subventioniert werden, sind amerikanische Orchester ziemlich auf sich allein gestellt; Stipendien der National Endowment for the Arts (NEA) sind in den letzten Jahren so stark entmannt worden, dass sie keinen wesentlichen Einfluss auf die GuV der meisten großen Orchester haben.

Einige der besten Symphonien des Landes, wie die Grammy-prämierte Minnesota-Orchester , geleitet vom finnischen Musikdirektor Osmo Vänskä und Präsident Michelle Miller Burns , haben außerordentliche Anstrengungen unternommen, um Innovation und Risikobereitschaft zu erzwingen. Anfang dieses Jahres hat ein Bataillon von Musikern und Hilfspersonal (einschließlich des Rapper Diese , eingebettet als Korrespondent über die Reise für den öffentlich-rechtlichen Rundfunk unter dem Hashtag #dessainsafrica ) startete zu einer Fünf-Städte-Tour durch Südafrika und markierte den ersten Besuch eines professionellen US-Orchesters im Land im Rahmen der weltweiten Feierlichkeiten zum 100. Geburtstag von Nelson Mandela. Die kürzliche Reise des Minnesota Orchestra nach Südafrika folgte einem ähnlichen Kulturaustausch in Kuba im Jahr 2015.Minnesota-Orchester

wie viele alleinstehende frauen gibt es

Für Miller Burns ging es bei der Tour nicht darum, eine bestimmte kulturelle Tradition an eine andere weiterzugeben. Die Tour brachte südafrikanische und amerikanische Künstler und ihre Musik zusammen und bot einen außergewöhnlichen musikalischen Austausch mit Studentengruppen in großen Aufführungssälen in Colleges, Rathäusern und Kirchen, erklärte sie. Für unsere Orchestermitglieder ging es ebenso sehr um das Lernen und Aufnehmen wie um das Teilen. Michelle Miller Burns ist die Präsidentin des mit dem Grammy Award ausgezeichneten Minnesota Orchestra, das aktiv nach innovativen Partnerschaften und Veranstaltungsorten gesucht hat, um die Reichweite und Relevanz ihrer Organisation zu erweitern.Josh Kohanek

wie viel kostet hallo frisch

Diese bahnbrechende Tournee war nicht die erste ihrer Art für das Minnesota Orchestra; 2015 war die Organisation das erste professionelle US-Orchester, das Auftritt in Kuba seit die Vereinigten Staaten und der Inselstaat in den letzten Jahren der Obama-Regierung begannen, die Beziehungen zu normalisieren.

Der legendäre Musikwissenschaftler und aufmerksame Beobachter der professionellen Musikszene Robert Freeman lobt Bemühungen wie Orchester, die um die Welt touren und an unerwartete Orte touren, die traditionellen Boxenstopps in Wien und Berlin meiden, sowie solche, die mit Live-Filmmusiken und anderen einzigartigen Attraktionen experimentieren mit dem Ziel, das Interesse einer neuen Kohorte von Konzertkartenkäufern zu wecken. Nach Freemans Ansicht liegt das vorrangige Problem der klassischen Musik jedoch weiter oben; Freeman warnt davor, dass ein Übermaß an professionell ausgebildeten Musikern die Branche von innen heraus unter Druck setzt – zu viel Angebot für eine relativ begrenzte Nachfrage.

Musikschulen bilden ihre Musiker viel zu eng aus, Freeman, der ehemalige langjährige Chef des weltberühmten Eastman School of Music , sagte Beobachter. Konservatorien müssen Musiker darin unterrichten, Unternehmer zu werden, und dies würde schließlich zu einer dynamischeren und kreativeren Denkweise darüber führen, was es Mitte des 21. Jahrhunderts bedeutet, ein klassisches Orchester zu sein.

Laut einem Beamten NEA-Bericht , gibt es in den USA 1.214 Orchester, deren Budgets jedoch von nur 1.000 US-Dollar pro Jahr bis zum relativ beträchtlichen jährlichen Betriebsbudget des Los Angeles Philharmonic reichen können, das bei 120 Millionen US-Dollar . Aber von all diesen Musikorganisationen können sich nur ein Dutzend oder so leisten, ihren Musikern 50.000 Dollar oder mehr im Jahr zu zahlen. Es gibt wirklich weniger als 1.000 Vollzeitstellen für professionelle Musik in den Vereinigten Staaten, bemerkte Freeman, der auch der Autor des wegweisenden Rufs an die professionelle Musikwelt ist. Die Krise der klassischen Musik in Amerika .

Anders ausgedrückt, es gibt mehr Vollzeitstellen in den Kadern der 32 professionellen Footballteams in der NFL als Vollzeitstellen für professionelle Musik in US-amerikanischen Orchestern.

Das bringt uns zurück zum Wunderkind der klassischen Musikbranche, Aubrey Bergauer, der mit einem Silicon Valley Playbook ein junges Orchester in der Bay Area umdrehte. Ihre Entwicklung eines robusten Toolkits mit wichtigen Leistungskennzahlen, einem laserähnlichen Fokus auf Benutzererfahrung und iterativem Experimentieren hat Wunder gewirkt die California Symphony umdrehen . In ihren vier Jahren an der Spitze stieg der Ticketverkauf um 70 %, die Spender haben sich fast vervierfacht und die Symphonie fügt Aufführungen hinzu, statt sie zu reduzieren, um mit der Nachfrage Schritt zu halten.

Obwohl Bergauer glaubt, dass die klassische Musik nicht unbedingt auf dem Sterbebett liegt, stimmt sie zu, dass die Branche sicherlich an einem Scheideweg steht; Bergauer glaubt, dass einige ihren Stand finden werden, indem sie innovativ oder kopieren, was anderswo funktioniert, und es in ihren Heimatmärkten anpassen und implementieren. Andere reagieren leider zu langsam auf den demografischen Wandel oder schenken den Benutzeranforderungen kaum Beachtung und können schließlich zusammenbrechen. Aubrey Bergauer hat der klassischen Musik eine Silicon-Valley-Mentalität verliehen und ist erfolgreich.Die Morrisons

Bergauer teilte Braganca eine „Top-10-Checkliste“ mit Ideen, die alle großen professionellen Orchester (zumindest) studieren oder erwägen sollten, wenn sie ihr Marketing und ihre Reichweite auf Millennials und die Generation Z ausrichten und ihre Programmierung und ihren Betrieb überdenken.

1. Mischen Sie es!

Im Gegensatz zu einer Oper, die eine festgelegte Anzahl von Akten hat, die aufgeführt werden müssen, versteht Bergauer nicht, warum nicht mehr Orchester zeitgenössische Stücke mit klassischen Standbys mischen und kombinieren und vielleicht ein oder zwei lustige Crossover-Stücke einwerfen. ‘ Hauptsächlich Mozart ‘ Typenreihen machen für mich so wenig Sinn – variieren Sie die Programmierung. Bei jeder Aufführung für jeden etwas dabei, riet Bergauer.

2. Löschen Sie die drakonische Anti-Phone-Richtlinie

Orchester sind notorisch unversöhnlich gegenüber Gästen, die ihre Handys zücken und mit dem Filmen oder Fotografieren beginnen, aber schauen Sie sich nur an, wie viele Handys bei jeder anderen Art von Konzert ausgegeben werden. Fans klassischer Musik, so Bergauer, wollen Facetime Live und „Insta“ genauso gerne erleben wie jemand bei einem Jay-Z-Konzert. Es ist kostenloses Marketing – Millionen verlorener Eindrücke ohne triftigen Grund, rief sie aus.

3. Schnaps servieren

Musik ist Unterhaltung; Lassen Sie die Konzertbesucher ein oder zwei (oder drei) Trankopfer im Konzertsaal genießen, während sie die Aufführung genießen. (Aber vielleicht vermeiden Sie Drinks on the Rocks.)

4. Jumbotrons

Die meisten Menschen sind nicht mit Operngläsern ausgestattet, warum also haben Konzertsäle keine Großbildschirme, die das ganze Geschehen zeigen? Fans würden gerne ein hochauflösendes Bild der Schweißperlen sehen, die direkt vor dem großen Solo über die Stirn des Geigers auf dem ersten Stuhl rinnen. (Wir sehen in voller 4K sowieso alle viel besser aus, oder?)

5. Geben Sie dem Publikum einen Kontext

Bergauer stellte fest, dass viele erstmalige Konzertbesucher nicht einmal alle Grundinstrumente eines Orchesters benennen konnten. Sie kennen das in Konzertprogrammen so verbreitete italienische Musikvokabular nicht. Verdumme es nicht; stattdessen erziehen. Erlauben Sie dem Dirigenten zu lehren und mit dem Publikum zu teilen, was es gleich hören wird, worauf es zu achten und zu hören ist und vielleicht ein bisschen die Hintergrundgeschichte.

6. Ermutigen Sie Applaus und Engagement des Publikums

Laut Bergauers Studien kehren bis zu 90 % der Besucher eines Klassikkonzerts nie zurück, und sie argumentiert, dass viele die Erfahrung unnahbar fanden. Die unausgesprochenen Hausregeln zum Husten oder Klatschen sind eine große Abschreckung für das jüngere Publikum. Orchester müssen Wege finden, das Publikum während der Aufführung einzubeziehen und ihnen das Gefühl zu geben, sich wohl und frei auszudrücken.

7. Kultivieren Sie einen ehrlicheren Umgang mit Fehlern

Bergauer meint, dass viele Orchester den Kopf in den Sand stecken, wenn es um Selbstkritik geht. Ich denke, es gibt nicht viel wirklich ehrlichen Informationsaustausch zwischen den Führungskräften der Branche, weil die gesamte Kultur der Finanzierung ist, sagte Bergauer. Wir sind darauf trainiert, egal um welches Projekt es sich handelt, es als Erfolg zu gestalten. Und das ist nicht hilfreich, denn wir wissen, dass nicht immer alles gelingt. Dadurch haben wir als Branche einen sehr nach innen gerichteten Dialog.

8. Entwickeln Sie mobilfreundliche Websites

Bergauer sagt, es sei unglaublich, dass es 2019 noch viele Orchester ohne optimierte mobile Versionen ihrer Websites gebe. Sprechen Sie über eine Abzweigung zu einer Gen Zer oder einem Millennial, kommentierte Bergauer.

9. Vielfalt ist nicht nur auf der Bühne

Bergauer sieht, dass zu viele Orchester Vielfalt durch das Prisma sehen, wer auf der Bühne auftritt oder welche Komponisten sie spielen, aber viele haben noch viel zu tun, um sicherzustellen, dass das Publikum dieselbe Vielfalt widerspiegelt.

10. Verwalten Sie nicht nach Anekdote

Zu viele Orchester beugen und verbeugen sich aufgrund der Meinungen von besonders eigensinnigen Vorstandsmitgliedern oder streitsüchtigen lebenslangen Gönnern, die drohen, ihre Dauerkarten zu stornieren, wenn ihnen einige der laufenden Experimente nicht gefallen. Verwalten Sie mit Daten, nicht nach dem, der die lauteste Stimme hat, warnte Bergauer. Zu oft werden Führungskräfte in professionellen Orchestern von einflussreichen Vorstandsmitgliedern gelähmt. Führungskräfte müssen Vorstände kultivieren, die dieselbe Einstellung zu Risikobereitschaft und datengesteuertem Management teilen.

Diejenigen, die an vorderster Front dieser Schlacht stehen, haben die wenig beneidenswerte Aufgabe, an der Erhaltung und Rettung der klassischen Musiktradition zu arbeiten, während sie fast paradoxerweise versuchen, sie für das Publikum des 21. Jahrhunderts zu aktualisieren. Es ist keine leichte Aufgabe, aber mit visionären Führungskräften wie Aubrey Bergauer und Michelle Miller Burns, ganz zu schweigen von Disruptoren wie Jamik, Ferry Corsten und Lizzo, die herausfordern, was im Bereich der klassischen Musik ist und was nicht, scheint das gesamte Ökosystem für einen großen Wandel bereit zu sein in den kommenden Jahren.

Was das Konzerterlebnis der Zukunft angeht, fasste Michelle Miller Burns vom Minnesota Orchestra es wie folgt zusammen: Mehr Spontaneität und Überraschung, eine größere Verbindung zur Gemeinschaft und wahrscheinlich weniger Struktur und Formalität.

Mit anderen Worten, zücken Sie Ihr Telefon, klatschen Sie, wenn der Geist Sie bewegt, und vergessen Sie nicht, einen Mojito aufzuheben, bevor Sie Ihren Platz einnehmen.

Und genieße die Musik.