Schuhe spielen im Werk der Künstlerin Ann Slavit eine herausragende Rolle, von hohen Absätzen mit Spikes über rote Ballettschuhe bis hin zu ein paar verlassenen Stiefeln. Ihre Schuhe sind jedoch keine gewöhnlichen – sie sind normalerweise zwischen 30 und 50 Fuß hoch und hängen auf öffentlichen Gebäuden.
Als Pionier der aufblasbaren Pop-Art waren Slavits öffentliche Installationen in den 70er und 80er Jahren in ganz New York und Massachusetts zu sehen. Sie ließ sich von Künstlern wie Alexander Calder und Christo inspirieren und bewunderte insbesondere dessen Fokus auf monumentale und dennoch temporäre Kunstwerke. „Ich wollte in sehr großem Maßstab arbeiten, weil ich das Gefühl hatte, dass es keine andere Wahl gab“, sagte sie Beobachter . „Ich musste irgendwie mutig sein und große Arbeit leisten, denn es kam mir einfach so vor, als wären Frauen unsichtbar.“
Eines ihrer auffälligsten Stücke bestand aus einem Paar roter Spitzenschuhe, die an der Brooklyn Academy of Music (BAM) hingen. Die von der BAM in Auftrag gegebenen und 1986 installierten 250-Pfund-Hausschuhe haben ihren Namen von Michael Powells Film aus dem Jahr 1948 Die roten Schuhe. „Ich habe es geliebt“, sagte Slavit über den Film, der einer aufstrebenden Ballerina folgt. „Es hat mich auf eine Art und Weise beeindruckt, wie es noch nie zuvor oder seitdem passiert ist.“ Als Powell von ihrer Installation erfuhr, rief er sie an und lud sie zu einem ein Weihnachtsessen in seiner Wohnung in Greenwich Village . „Ein Künstler nach dem anderen unterstützte sich gegenseitig und würdigte ihre Arbeit.“ sagte Slavit.
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Ursprünglich stammt sie aus Binghamton, New York, ihre Karriere hatte eher traditionelle Anfänge. Doch als sie in Boston akademische Kunst studierte und figurative Malerei praktizierte, wandte sie sich der großformatigen Kunst im öffentlichen Raum zu – teilweise aufgrund ihrer Zugänglichkeit. „Ich habe mit Stoff gearbeitet, der billig war, und Luft war billig, sie war kostenlos“, sagte sie. „Alles, was ich brauchte, war ein Ventilator.“
Slavit hat sich mit Stücken wie … einen Namen gemacht Von dem , ein Paar aufblasbarer hochhackiger Beine, die über dem damals als Manhattans Museum of Contemporary Crafts bekannten Gebäude hingen, und Das Bein des Riesen , ein Stiefel, der zur Begrüßung der Musicalbesucher der Broadway-Show in Auftrag gegeben wurde In den Wald. Letzteres war für Jordan Roth, den Regisseur der jüngsten Aufführung des Musicals, so einprägsam, dass er eine erfolglose Kampagne dafür startete Finden Sie die ursprüngliche Installation heraus .
Slavit, deren Tochter Jenny mit einer seltenen Chromosomenanomalie geboren wurde, hat in den letzten Jahren einen Großteil ihrer Zeit der Fürsprache für Menschen mit Behinderungen gewidmet. Sie hat jedoch ihre Arbeit mit Hüpfburgen fortgesetzt und die illustrierte Figur Emily Bones geschaffen, ein junges Mädchen, das die Thanksgiving-Parade, Hüpfburgen und Luftstrukturen liebt. „Sie schließt eine Freundschaft mit dem jüngsten Schlauchboot, weil sie eine andere Sichtweise haben möchte, da sie immer am Boden ist“, sagte Slavit über die Figur.
Observer traf sich kürzlich mit der Künstlerin, um über ihre lange Karriere zu sprechen und sich mit der Inspiration hinter ihrer Kunst im öffentlichen Raum zu befassen.
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Wussten Sie schon immer, dass Sie Künstler werden wollten?
Meine beiden Eltern waren auf ihre Art sehr kreativ. Mein Vater betrieb einen Kinderladen für seine Verwandten und wir haben oft Fenster installiert – ich habe ein tolles Bild von mir selbst in einem der Fenster mit lebenden Affen. Und wir haben die Hintergründe gemeinsam gemalt. Es gab Musik, Essen, Backen. Die Familie meiner Mutter hatte eine Bäckerei, und da war alles nur eine Mischung.
Wann haben Sie mit der Herstellung von Schlauchbooten begonnen? War das schon immer Ihr bevorzugtes Medium?
Um meinen Lebensunterhalt zu verdienen, arbeitete ich als Artist in Residence an verschiedenen Orten, machte auch Fotografie und hatte weiterhin ein echtes Interesse am Tanz. In den späten 60er Jahren begannen die Menschen, sich wirklich keine Gedanken mehr über Grenzen zu machen. Kunst im öffentlichen Raum begann etwas Machbares zu sein.
Ich erinnere mich, dass ich tatsächlich jemanden beim Militär anrief, um herauszufinden, ob er mir helfen könnte, weil ich wusste, dass sie Schlauchboote herstellten. Und ich rief denjenigen an, der die Macy’s-Ballons hergestellt hat – es war Goodyear. Ich baute es selbst zusammen und lernte, wie man Luftstrukturen schafft. Ich dachte, ich würde das vielleicht ein- oder zweimal machen, aber ich habe mich in das Medium verliebt.
Warum haben Sie sich bei so vielen dieser Arbeiten auf die Beine konzentriert?
Es waren im Grunde meine Kindheitserinnerungen daran, wie Frauen wahrgenommen, dargestellt und stereotypisiert werden. Es kam vor allem aus der Sicht einer Künstlerin. Mein erstes Stück wurde nach einem Nachbarn benannt. Alle Frauen trugen jeden Tag Stöckelschuhe, auch wenn einige von ihnen nicht zur Arbeit gingen. Es war Mrs. Lewis – ich erinnere mich, dass sie mich überragte, seit ich ein kleines Kind war.
Als ich zu dem Stück kam, das sich im Contemporary Crafts Museum befand, benannte ich es Della Street nach Perry Masons Sekretärin, weil sie so viele Beinaufnahmen seiner Sekretärin machten und ich als Kind dachte, das sei so seltsam für mich, dass dies sehr Die kluge Frau, die seine Assistentin ist, wird als großartiges Beinpaar dargestellt.
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Stimmt es, dass sich manchmal Kinder aus der Nachbarschaft um Ihre öffentlichen Einrichtungen kümmern?
Ja, das ist sehr wahr. Ich habe immer viel auf der Straße gezeichnet. Und fast jedes Stück, das ich jemals gemacht habe, habe ich tatsächlich im öffentlichen Raum geschaffen. Ich habe im Allgemeinen viel mit Kindern zu tun.
Dies traf sicherlich auf die Brooklyn Academy of Music zu. Menschen aus der Nachbarschaft betreten das Haus nur selten, auch wenn sie nur wenige Meter davon entfernt wohnen können. Meine Hoffnung war, und ich denke, es hat funktioniert, dass ich mein Studio für die Kinder öffnen könnte. Nicht immer, aber man lässt sie sehen, wie der Prozess entsteht. Es gab eine Art natürliche organische Verbindung zur Nachbarschaft.
Wissen Sie, was mit den meisten Ihrer öffentlichen Kunstwerke passiert ist?
Soweit ich weiß, gab es ein Feuer und ich habe sowohl das Red Shoes- als auch das Della Street-Stück verloren. Die großen Stücke sind alle weg.
Aber ich wollte sie wirklich nicht für die Ewigkeit machen. Ich besuchte einen Choreografen, Alwin Nikolais, der in Boston an der Harvard-Universität war, und hatte die Gelegenheit, an einem von ihm veranstalteten Forum teilzunehmen. Und er sagte etwas über Tanz und wie man damit anfängt und dann verschwindet; Es war weg. Aber es war mir wichtig, wie stark die Erinnerung daran war.
