Rezension: Musik trägt das Drama in McVicars Norma

Der zweite Akt von Bellini Regel enthält zwei dramatische Wendungen – eine einen Akt der Solidarität und die andere einen Akt der Selbstverbrennung.

Nachdem enthüllt wurde, dass die Druidenpriesterinnen Norma und Adalgisa heimlich in den römischen Prokonsul Pollione verliebt sind, hängt die Handlung davon ab, was die Frauen als nächstes tun werden: Werden sie sich gegeneinander wenden? Und wird Norma eine Medea ziehen, wie es der Mythos nahelegt, der die Oper heimsucht, und ihre Kinder und die neue Flamme ihres Geliebten töten?

Norma entkommt – vor allem durch den von der jungen Akolythin Adalgisa bewiesenen Esprit de Corps – letztlich Medeas Hinwendung zur äußeren Zerstörung. Wenn Medea ist eine Fantasie über weibliche Wut, Regel ist eine Meditation darüber, was es bedeutet, den eigenen Idealen gerecht zu werden, auch – oder gerade – nachdem man sie kompromittiert hat.

Adalgisa, die zweite Heldin der Oper, konstruiert die erste Wendung, indem sie in einem Moment radikaler Liebe, der ihre Gefühle für Pollione übersteigt, offenbart, dass ihre Loyalität bei Norma liegt. Normas Heldentum ist nicht so unmittelbar – oder so direkt. Sie liebt den römischen Prokonsul, aber mehr noch, wenn Pollione sie nach Adalgisa verlässt, wird sie alles verlieren: ihren Status, ihre Kinder und wahrscheinlich ihr Leben. Sein ist mehr als nur ein romantischer Verrat. Pollione ist ein Feind der Druiden und macht Norma zu einer Verräterin ihres Volkes.

Es ist wichtig, Norma als potenzielle Medea zu zeigen, und nicht nur, weil die Met den Vergleich einlud, indem sie die Saison mit diesem bestimmten Mythos eröffnete. Das Publikum muss sehen, wie die von Liebe verachtete Norma auf Adalgisa einschlägt und über Kindesmord nachdenkt, um die Macht der endgültigen Entscheidung zu verstehen, die sie trifft, während sie an der Grenze steht, vollständig von ihrer Wut definiert zu werden und sich selbst zu verlieren.

In der zweiten Wendung der Oper entgeht Norma diesem Schicksal, indem sie sich nicht dem Druidengott Irminsul hingibt, sondern der Göttin, zu der sie in „Casta Diva“ betet. Regel verdient sein verheerendes Ende mehr als viele Belcanto-Tragödien. Sobald sie ihr Volk verrät, kann es für Norma kein Happy End mehr geben, nur verschiedene tragische Enden – manche edel, andere weniger. In ihren letzten Momenten fordert Norma ihre Identität zurück und singt „Norma does not lie“, während sie auf den Scheiterhaufen steigt, um etwas zu begehen, das nicht nur ein Akt der Selbstverbrennung, sondern auch ein Akt der Selbstdefinition ist. Sie wird wieder ganz und bekräftigt damit ihre Liebe zu Adalgisa und ihrem Volk.

Sonya Yoncheva ist die Rolle nicht fremd, nachdem sie sie zuvor am Royal Opera House gesungen hat, hatte aber nichtsdestotrotz eine schwere Aufgabe vor sich, als Norma an der Met zu singen. Norma ist stimmlich eine unglaublich schwierige Rolle und gleichzeitig eine der komplexesten und tragischsten Opernheldinnen. Yonchevas Norma sieht jung aus und fühlt sich jung an, mit wenig der imposanten Ernsthaftigkeit einer Hohepriesterin. Stattdessen gibt uns der Sopran einen Charakter am Rande des Zusammenbruchs.

Ihr „Casta Diva“, gesungen in einem quälend langsamen Tempo, ist mehr Verwirrung als Perfektion, mit seltsamen Phrasierungen und Atemzügen, wo sie nicht hingehören. Der Italiener wird oft verdeckt oder geht ganz verloren. Doch in fast allen folgenden Szenen sehen wir eine Künstlerin, die ihr Instrument fester beherrscht und in der Lage ist, einen plüschigen und geschmeidigen Klang freizusetzen, der besonders gut mit dem ihrer Co-Stars harmoniert, auch wenn sich diese Stimme nie vollständig beruhigt. Yoncheva verbessert sich im Laufe der Nacht und liefert eine letzte Szene ab, die ihrer Figur würdig ist.

Game of Thrones Craster's Keep

Bedauerlicherweise, Sir David McVicar In ihrer Regie taumelt die titelgebende Norma oft herum, als wäre sie durch ihre Gefühle in eine Stoffpuppe verwandelt worden, verleugnet die Würde der Figur und lässt ihre Bewegungen ziellos erscheinen – etwas, das sich auf die gesamte Produktion überträgt. Der Chor leidet besonders unter diesem Mangel an offensichtlicher Richtung. Die mit Waid bedeckten Druiden hatten wenig Sinnvolles zu tun und viel Zeit auf der Bühne, um es zu tun, was zu viel Herumtollen und Spielen mit Schwertern führte.

Während der gesamten Show vermeiden Charaktere in emotionalen Höhepunkten den Augenkontakt, bewegen sich ohne klare Motivation hin und her, und Nebencharaktere lenken mit ihrem Herumzappeln und Tempo die Aufmerksamkeit von den Hauptdarstellern ab. Es gibt einige beeindruckende Bilder – der Bühnenaufzug in Normas Haus, der wie das Innere eines schicken Biberdamms oder eines besonders eleganten Steppengrases aussieht, ist entsprechend fabelhaft, ebenso wie die Farbexplosion zu Beginn des dritten Akts – aber diese Visuals neigen dazu, in eine paradoxe, farblose Pracht zu verschwimmen. Es gibt viel zu sehen, aber es ist nicht immer klar, was wir eigentlich sehen sollen sehen in allen Grau-, Blau-, Braun- und Rottönen.

Als Anführer der Druiden schlüpft Christian Van Horn mit Leichtigkeit in die Rolle des Oroveso, obwohl ihm McVicars Blockade vor allen anderen Hauptdarstellern schadet, weil seine Szenen durchgängig den Refrain beinhalten. Er sieht in der Rolle jedoch perfekt aus und hat eine gute Stimme; Seine Eröffnungsszenen offenbaren eine rauere, sprödere Note in seinem Ton, aber er verfeinert ihn im zweiten Akt zu warmer Fülle und mildert seinen Charakter gerade genug, um Orovesos letzte Momente mit ergreifendem Pathos zu bereichern

Die Mezzosopranistin Ekaterina Gubanova als Adalgisa ist ein Leuchtfeuer der Standhaftigkeit und Standhaftigkeit in Charakter und Vortrag. Sie fängt Adalgisas tiefe Liebe und radikale Solidarität mit Norma ein – in ihrer Charakterisierung strahlt die junge Priesterin ein Gefühl von ruhiger Vornehmheit aus. Sie bleibt während der gesamten Produktion konstant und präsentiert uns einen geschmeidigen Klang, der zu einem tiefen, goldenen Glanz poliert ist. Ihre Duette mit Yoncheva sind der musikalische Höhepunkt der Lyrische Tragödie . Endlich dürfen sich Norma und Adalgisa gegenseitig ansehen, während sie in großartigen Doppelkadenzen navigieren, und die Hingabe von Norma und Adalgisa wird zementiert, wenn die Sänger neue Kraft voneinander schöpfen.

Michael Spyres als verräterischer Pollione hat einen lebendigen, unmittelbaren Klang – robust für einen Tenor – und sein Auftritt im ersten Akt bringt die Show in einen scharfen stimmlichen Fokus. Seine erste Arie zeigt eine Stimme mit butterweicher Fülle und donnernder Kraft, aber seine frühen hohen Töne fühlen sich im Vergleich zur fließenden Großzügigkeit seiner Mittelstimme etwas eingeklemmt an. Wie bei Yoncheva gleicht sich die stimmliche Präsenz von Spyres im Laufe der Nacht aus, und in der letzten Szene hätte ich mich vielleicht selbst in Pollione verliebt. Spyres verleiht der Figur eine bereichernde Aufrichtigkeit und überlässt seiner Stimme die dramatische Arbeit.

Maurizio Beninis Dirigat wechselt zwischen schwungvoll und einschläfernd; die Ouvertüre ist energisch und frisch, aber gelegentlich, wie in „Casta Diva“, lässt er seine Sänger es zu langsam angehen. Ensembles schneiden besser ab, mit Benini, der die Kontrolle klarer hat, und alle Fehltritte schmelzen in der Schlussszene dahin, in der er seine Besetzung zu einem bewegenden Finale führt, das das Melodrama der Handlung mit den aufgeworfenen ernsthaften ethischen Fragen in Einklang bringt. Besonders hier wird Bellinis Norma sowohl als fehlerhafte Frau als auch als edle Priesterin mit einer reichen Identität lebendig – eine Dichotomie, die sich besonders authentisch anfühlt.

Regel geht weiter bei der Metropolitanoper bis 25. März.