Wenn Sie Clint Eastwoods Million Dollar Baby noch nicht gesehen haben und die Absicht haben, dies zu tun, rate ich Ihnen respektvoll, nicht weiter zu lesen. Heben Sie diese Kolumne einfach auf, wenn Sie sie gesehen haben, denn ich möchte erklären, warum ich – im Gegensatz zu meinen geschätzten Kollegen – ihre Begeisterung für diesen Film nicht teile. Also muss ich mehr als ein paar Details zur Handlung preisgeben, um meinen Fall zu unterstützen.
Lassen Sie mich zunächst sagen, dass mich kein Film in meiner Erinnerung mehr deprimiert hat als Million Dollar Baby. Ich habe es zweimal gesehen, zuerst bei einer frühen Vorführung und später auf DVD, und obwohl ich beim zweiten Mal nicht so deprimiert war, fühlte ich mich immer noch ziemlich grimmig.
Nach einem Drehbuch von Paul Haggis basiert Million Dollar Baby auf einer Sammlung von Geschichten mit dem Titel Rope Burns: Stories from the Corner des erfahrenen Box-Cutman F.X. Werkzeug. Mr. Eastwood, ein bemerkenswert energiegeladener 74-Jähriger, spielt den ergrauten Kampftrainer Frankie Dunn. Zusammen mit seinem Kumpel und ehemaligen Kämpfer Eddie (Scrap) Dupris, gespielt von Morgan Freeman, betreibt Frankie ein Oldtimer-Fitnessstudio in der Innenstadt von Los Angeles, das auch als Schlafplatz für Scrap dient. Die kleinlich zankende Kameradschaft der beiden Kumpel ähnelt der eines alten Ehepaares, ähnlich wie ihre magisch gebundenen Revolverhelden in Mr. Eastwoods Unforgiven (1992).
Das Bild beginnt damit, dass Frankie einen vielversprechenden jungen Schwergewichtler, Big Willie Little (Mike Colter), leitet, aber nach mehreren beeindruckenden Siegen verlässt Big Willie Frankie, weil der Manager zögert, einen Titelkampf zu beginnen. Einer der vielen Dämonen in Frankies schuldbeladener Vergangenheit ist Scraps teilweise Blindheit, die sich zuzog, als Frankie ihn in einem Titelkampf managte, der Scraps Boxkarriere beendete. Ein weiterer Dämon: die vielen Briefe, die Frankies entfremdete Tochter ungeöffnet zurückgeschickt hat, an die er dennoch regelmäßig schreibt. Frankie belagert gerade seinen Pfarrer Pater Horvak (Brian O’Byrne), um Ratschläge zur angemessenen Sühne für seine vergangenen Sünden zu erhalten, indem er W.B. Yeats ist im ursprünglichen Gälisch eines seiner Sühnungsrituale.
Entsprechend der Unterschichtsoziologie des Boxens sind die Kämpfer im Fitnessstudio entweder schwarz oder Latino – zumindest bis Maggie Fitzgerald (Hilary Swank) auftaucht. Sie beginnt ungeschickt an einem Boxsack zu arbeiten, mit der erklärten Absicht, unter Frankies Anleitung Boxweltmeister zu werden. Maggie lässt ihre Trailer-Park-Trash-Familie zurück, um für Pennies und Reste als Kellnerin in einem billigen Restaurant zu arbeiten, und ist entschlossen, im Ring wieder gut zu machen. Frankie versucht sie zu entmutigen, indem sie darauf hinweist, dass sie mit 33 viel zu alt ist, um eine Ausbildung zur Kämpferin zu beginnen. Aber mit Scraps Hilfe hält Maggie bis zu dem Punkt durch, an dem sie beginnt, Clubkämpfe zu gewinnen. Natürlich entsteht zwischen Frankie und Maggie eine Ersatz-Vater-Tochter-Beziehung – er entwickelt sogar den schlauen Werbetrick, sie als stolze irische Kämpferin zu präsentieren, um sich eine ethnische Fangemeinde zu sichern.
Und dann der Untergang. Die erste bittere Note wird angeschlagen, als Maggie einen Teil ihres Einkommens ausgibt, um ihrer Mutter und ihren Geschwistern ein neues Haus zu kaufen. Margo Martindale, als Maggies Mutter, sollte eine Art Preis für die Filmmutter aller Zeiten aus der Hölle gewinnen; Trotz der Großzügigkeit ihrer Tochter verspottet sie Maggie spöttisch, dass alle über sie lachen, weil sie ihren Lebensunterhalt verdient.
Dennoch gibt es einen gewissen Trost in Maggies triumphaler Welttournee, bei der die Leute sie überall anfeuern, wo sie hingeht. Als sie nach Amerika zurückkehrt, ist Maggie in Bestform für einen Meisterschaftskampf gegen einen Gegner, der so schmutzig kämpft, dass sie Mike Tyson wie einen Chorknaben aussehen lässt. Der Kampf beginnt und Maggie scheint zu gewinnen – bis ihr Gegner sie in einem unbewachten Moment nach dem Läuten der Glocke mit einem so heftigen Schlag verprügelt, dass Maggie über den Ring taumelt und ihr Kopf auf den Hocker prallt, den Frankie fährt nach der Glocke hoch.
Maggie ist jetzt ein Korbkoffer, der in einem Krankenhausbett Sauerstoff aus einem Schlauch saugt. Sie fleht Frankie an, ihr zu helfen, ihr Leben zu beenden. Zusätzlich zum Horror taucht Monster Mom mit ihrer gesamten gierigen Brut und einem vertragstragenden Anwalt auf, um alle Einnahmen von Maggie an ihre Familie zu übertragen. Du hast verloren, Liebling, du hast verloren, sagt die Mutter und reduziert ihre Tochter auf die totale Demütigung. Als Maggie den Vertrag nicht unterschreiben kann - ihre Hände sind gelähmt - steckt ihre Mutter den Stift bereitwillig in den Mund, woraufhin Maggie zu sich kommt, indem sie den Stift ausspuckt, die ganze Familie verflucht und sie wie aus dem Krankenhaus eilig schickt Ratten von einem sinkenden Schiff.
Was ich an der tragischen Wendung der Ereignisse am verblüffendsten fand, war, dass ein Meisterschaftskampf, der in einer quasi-kriminellen Handlung endete, keine Rückwirkungen oder Proteste von Frankie oder irgendjemand anderem nach sich zog. Ich weiß, dass John F. Kennedy sagte, das Leben sei unfair, lange bevor er ermordet wurde, und ich weiß, dass Filmkritiker darauf konditioniert wurden, Happy Ends zu verurteilen, aber rechtfertigt das solch eine übermäßige Bösartigkeit?
Was mich etwas amüsiert und frustriert ist, ist, dass Kritiker es peinlich genau vermieden haben, auf die plötzliche Anhäufung von Unglücken einzugehen, die Mr. Eastwoods Film angeblich so bewegend machen. Natürlich wollen sie dem Publikum nicht den Spaß verderben, das angesichts des plötzlichen Einsetzens tödlicher Schmerzen und Sorgen zusammenzuckt.
Aber ich würde vorschlagen, dass es eine grobe Fehlaussage ist, das Endergebnis als Tragödie zu bezeichnen, wie es einige Kritiker getan haben. Tragödien deprimieren mich nicht, weil sie sorgfältig konstruiert sind, um die Launen von blindem Zufall und zufälligem Bösen zu vermeiden.
Am Ende stimmt Frankie Maggies Bitten zu und ermöglicht ihren Selbstmord – woraufhin Frankie laut Scraps Erzählung aus dem Blickfeld verschwindet, um nie wieder gesehen zu werden. Das heikle Thema des Gnadenmords wird neben der bedrückenden Verbindung eines bösen Kämpfers und einer Monstermutter zu einer Art Antiklimax – ich würde argumentieren, dass uns nichts in der Erzählung auf eine so desaströse Auflösung vorbereitet, obwohl einige Kritiker behaupten, ein Unheilvolles erkannt zu haben Verdunkelung der Textur des Films, als er auf seiner Rocky-ähnlichen inspirierenden Art herumzutoben schien. Ich muss da anderer Meinung sein, als ich meine Klage gegen Million Dollar Baby ablehne. Das soll nicht heißen, dass ich die Arbeit von Mr. Eastwood, Mr. Freeman und Mrs. Swank erniedrigen möchte: Sie alle sind ausgezeichnet in einer, meiner vielleicht ultra-aristotelischen Ansicht nach, verlorenen Sache.
Süße Veröffentlichung
Auch Alejandro Amenábars The Sea Inside (auf Spanisch, mit englischen Untertiteln), basierend auf Ramón Sampedros Buch Letters from Hell, erzählt die Geschichte eines behinderten Protagonisten, der sein Leben beenden möchte, um in Würde zu sterben. Aber während Million Dollar Baby mich mutlos zurückließ, ließ mich The Sea Inside beschwingt zurück. Mein Problem liegt also nicht in den komplexen Gefühlen, die mit dem Wunsch der Betroffenen verbunden sind, in Würde zu sterben, sondern darin, wie die Geschichte des Todessuchers erzählt wird. Wo Million Dollar Baby in den Abgrund bodenloser Verzweiflung versinkt, erhebt sich The Sea Inside zu den fantastisch romantischen Höhen der Liebe zwischen einem Mann und einer Frau. Und wenn ich aufsteigen sage, meine ich das wörtlich, um eine der größten Liebesszenen in der Geschichte des Kinos zu beschreiben.
Javier Bardem spielt Ramón Sampedro, einen 55-jährigen Tetraplegiker, der 30 Jahre zuvor nach einem Tauchunfall gelähmt war. In seinem bettlägerigen Zustand verbringt er Jahre damit, die weltlichen Behörden in Spanien zu ersuchen, ihm das Recht zu geben, sein Leben in Würde zu beenden.
Die Liebesszene, auf die ich mich bezog, ereignet sich, nachdem er sich in Belén Ruedas Julia verliebt hat, eine Anwältin, die ihm bei der Einreichung seiner gerichtlichen Klage hilft. Julia ist selbst teilweise behindert und benutzt aufgrund einer degenerativen Krankheit einen Gehstock, um sich fortzubewegen. Sie ist verheiratet, und Ramón ist bettlägerig, aber dennoch erreichen sie eine nie dagewesene spirituelle Verbindung.
Dann erhebt sich Ramón eines Tages zu der mitreißenden Melodie von Giacomo Puccinis Arie, die ich aus Turandot erobern werde, auf magische Weise aus seinem Bett, zieht es vom Fenster weg, um loszufahren, und fliegt durch das Fenster zum Meer, wo er trifft Julia für eine leidenschaftliche Umarmung. In diesem traumartigen Vorstoß in die Gefilde, die Blaise Pascal am besten in dem Aphorismus Das Herz hat seine Gründe zusammenfasste, steckt mehr als ein bisschen Regie-Kühnheit. Diese Kühnheit scheint einem Regisseur, dessen früheres Oeuvre in Filmen wie Thesis (1996), Open Your Eyes (1997) und The Others (2001) von Jenseits durchtränkt war, selbstverständlich zu sein.
Es gibt noch zwei weitere Frauen in Ramóns körperlich, aber nicht emotional eingeschränktem Dasein: Lola Dueñas' Rosa, eine vulkanisch durcheinander gebrachte und verkorkste Mutter von zwei Kindern, die in Ramón einen Mann sieht, dem sie ihr Herz ausschütten kann, ohne dass es zertrampelt wird im Schlamm, und Mabel Riveras Manuela, Ramóns Schwägerin, die sich mehr um Ramóns Bedürfnisse kümmert als um die Bedürfnisse ihrer eigenen Familie. Die einzige Frage (und sie wird schließlich beantwortet) ist, welche dieser Frauen ihn genug liebt, um seinen Herzenswunsch zu befriedigen und somit für immer von ihm getrennt zu sein.
Während seiner scheinbar endlosen Tortur bleibt Mr. Bardems Ramón, wie sein echtes Gegenstück, eine fröhlich lächelnde Gegenwart für die Menschen, die an sein Bett strömen, um von ihren eigenen verschiedenen Unwohlsein aufgeheitert zu werden. Dieser fröhliche Stoizismus von Ramón wird von Herrn Bardem, derzeit einer der größten Schauspieler der Welt, brillant wiedergegeben.
Dienstmädchen in L.A.
James L. Brooks’ Spanglish aus seinem eigenen Drehbuch könnte wegen des schiefen Kontrasts zwischen einer mexikanischen Nanny namens Flor (Paz Vega) und ihrer wohlhabenden Arbeitgeberin in Los Angeles, Deborah Clasky (Téa Leoni), der umgekehrten Bigotterie angeklagt werden. Tatsächlich leitet Mr. Brooks Frau Leoni, eine Schauspielerin, der Subtilität nicht fremd ist, in der gleichen, schrillen einzigen Note fast den gesamten Film lang. Die Kritiker, und ich nehme an, die Öffentlichkeit, sind praktisch gezwungen, ihren Charakter zu hassen - obwohl sie, wenn man darüber nachdenkt, nie etwas wirklich Bösartiges tut, außer möglicherweise Kleider zu kaufen, die ihrer pummeligen Tochter Bernice (Sarah Steele .) ein paar Nummern zu klein sind ). Flor, die gute Polizistin, näht dagegen freundlicherweise ein Outfit für Bernice, das perfekt passt.
Adam Sandler spielt Deborahs unglücklichen Ehemann John Clasky, einen Weltklasse-Starkoch. In einer Umkehrung des Typs spielt Mr. Sandler einen Casper Milquetoast-Charakter, der ausnahmslos mit Sanftmut und Sensibilität auf Deborahs empörendste Ausbrüche reagiert. Zum Chaos im Haushalt trägt auch Deborahs fröhliche, stark trinkende Mutter Evelyn (Cloris Leachman) bei. Die Geschichte wird tatsächlich von Flors frühreifer Tochter Christina (Shelbie Bruce) in einem Flash-Forward zu ihrer Bewerbung in Princeton trotz ihres illegalen Migrationshintergrunds erzählt.
Aber gerade als ich den Film von Mr. Brooks als den eines reichen, selbsthassenden Weltverbesserers mit einer Schwäche für Latino-Girls abschreiben wollte, begann er plötzlich seine Sichtweise zu ändern, um zu enthüllen, dass die Quelle von Deborahs Angst war viel mit ihrer gescheiterten Karriere und ihrer unglücklichen Kindheit mit einer betrunkenen, promiskuitiven Mutter zu tun.
In einer der lustigsten Szenen aller Zeiten, in denen englisch- und spanischsprachige Menschen versuchen zu kommunizieren – eine Szene, die zeigt, wie einfallsreich eine Kinderdarstellerin Ms. Bruce ist – übersetzt Christina nicht nur für ihre Mutter, sondern improvisiert auch Gesten und Bewegungen, um sie zu dramatisieren den emotionalen Inhalt der Worte ihrer Mutter. Allein dieses Heulen einer Szene ist den Eintrittspreis wert. Ich mochte auch die Szene, in der Deborah Flor ein bisschen albern aussehen lässt, als sie versucht, sie auf dem Heimweg zu überholen, mit der überragenden Deborah, die ausnahmsweise nicht einmal merkt, dass sie herausgefordert wird.
Dennoch ist es kein Zufall, dass Span-glish in diesem besonderen Plädoyer für die Einwandererbevölkerung vorausgeht. Der Film wird jedoch im Laufe der Zeit immer besser und alle Charaktere, einschließlich Deborah, werden interessanter und ansprechender, wenn wir sie besser kennenlernen. Wenn man darüber nachdenkt, neigte Mr. Brooks schon immer dazu, schrill zu werden, selbst in seinen besten Filmen wie Bedingungen der Zärtlichkeit (1983) und Broadcast News (1987). Spanglish ist bei weitem nicht sein Bestes, aber es ist gut genug für diese allgemein geistlosen Zeiten.
Ein italienischer Klassiker
Luchino Visconti (1906-1976) adaptierte Guiseppe di Lampedusas eindringlichen historischen Sizilien-Roman von 1860 zu Der Leopard, einem der größten Kinofilme aller Zeiten und zugleich einer der politisch tiefgreifendsten. Das Filmforum zeigt die gesamte italienische ungekürzte Fassung von 195 Minuten, einschließlich der 45-minütigen Ballsaal-Schlussszene, die alle Themen des Films in aufwendiger Manier einfängt, während das Leben eines Mannes langsam verklingt. Mit Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Serge Regianni und Paolo Stoppa (12. bis 20. Januar).
