Dies war ein Jahr der Reflexion und des Bedauerns, sowohl in unserem Leben als auch in unseren Filmen. Im durchschlagendsten Kino des Jahres hatte diese unbehagliche Nostalgie – eine reumütige und oft schmerzhafte Neuinterpretation vergangener Erfahrungen – einen besonderen Klang.
Du hörst es im Surren des Camcorders der erwachsenen Sophie, das Geräusch, mit dem Charlotte Wells beginnt Nach Sonne , Ein Debütfilm, der meine Träume so sehr verfolgte, nachdem ich ihn gesehen hatte, dass ich ihn sofort noch einmal ansehen musste, um ihn aus meinem Unterbewusstsein wieder auf die Leinwand zu bekommen.
Am besten abgeschnittene Jeansshorts
|
Die 15 herausragendsten Filme von OLIVER JONES 2022 |
Die Kamera, genau wie der Teppich, der das Schlafzimmer schmückt, das Sophie mit ihrem Partner teilt, gehörte einst ihrem Vater Calum (einem faszinierenden Paul Mescal), der damit einen längst vergangenen Urlaub mit der 11-jährigen Sophie festhielt (Frankie Corio, die ein Filmdebüt gibt, das genauso selbstbewusst und unvergesslich ist wie das ihres Regisseurs) in einem kitschigen türkischen Resort. Das winzige Band in der Kamera enthält alles – eine ausgegrabene Schatzkarte von Verlust und Verständnis – und auch, quälenderweise, nicht annähernd genug.
Es ist das denke eines Dias in einem Projektor in All die Schönheit und das Blutvergießen , eine prägnante Dokumentation des Lebens der Fotografin Nan Goldin und eine Erkundung der unzähligen Möglichkeiten, wie das Persönliche politisch werden kann und muss. Der Film ist Citizenfour Regisseurin Laura Poitras bisher gelungenster Dokumentarfilm.
Während Goldin ihre berühmten Bilder von Partygirls, Drag Queens, missbräuchlichen Ex-Freunden und an AIDS sterbenden Freunden überprüft, muss sie sich der Wahrheit stellen, dass viele dieser Bilder die Wände von Galerien und Museumsflügeln schmücken und ihnen Glanz verleihen Sacklers, einer Familie, die mutwillig von dem Tod und der Verwüstung profitiert hat, die durch die anhaltende Opioidkrise verursacht wurden. Das Wiedergutmachen dieser Ungerechtigkeit gibt dem 69-jährigen Goldin einen neuen Sinn für ein Leben, das so viele Verluste erlitten hat – die Vergangenheit entfacht eine Wut, die die Zukunft verändern kann und wird.
Es ist das thwip-thwip-thwip eines 8-mm-Films, der sich in der handgekurbelten Schnittmaschine des jungen Sammy Fabelman entfaltet, während er langsam eine Wahrheit entdeckt, die seine Familie schließlich auseinanderreißen wird. Dieses Filmmaterial wird zur Grundlage des „geheimen Films“, für den der geborene Filmemacher ein Stellvertreter ist Die Fabelmans ’ Story-Regisseur und Co-Drehbuchautor Steven Spielberg, den er nur mit seiner Mutter teilen wird. Dieser Moment, in dem sie sich den Film in Sammys Schrank ansieht – mit Spielberg, der auf das offene, emotional bewegte Gesicht der jenseitigen Michelle Williams eindringt – ist eine eindrucksvolle Darstellung der quälenden Intimität, die nur Filme hervorrufen können.
Dass Die Fabelmans, wie Todd Fields Lagerhaus und die meisten anderen „Prestige“-Filme, die in diesem Jahr herauskamen, es nicht schafften, die Leute in die Kinos zu bringen, ist sowohl eine der wichtigsten Filmgeschichten dieses Jahres als auch eine traurige, aber seltsam köstliche Ironie. Fünf Jahrzehnte nach dem Einläuten der Blockbuster-Ära mit Kiefer, Spielberg hat im Wesentlichen einen weiteren „Geheimfilm“ gedreht (einen, der zufällig über 40 Millionen gekostet hat), der mit einem ausgewählten Publikum in Kinos geteilt werden soll, die oft nur geringfügig mehr bevölkert sind als Sammys Kleiderschrank. (Kinos sind zu einem idealen Zufluchtsort für Menschen geworden, die unbedingt in der Welt sein wollen, aber immer noch nicht mit großen Menschenmengen umgehen können.)
Dass sich die Filme von Wells, Poitras und Spielberg mit der Verarbeitung des Traumas befassten, das zwischen Eltern und Kindern hin- und herwechseln kann, unterstreicht einen weiteren bemerkenswerten Trend in den besten Filmen dieses Jahres.
Im Das stille Mädchen , Autor und Regisseur Colm Bairéads leise verheerendes Meisterwerk eines Spielfilmdebüts, eine introvertierte 9-Jährige findet eine Pause von der emotionalen Vernachlässigung und Armut ihres überfüllten Zuhauses, als sie den Sommer mit einem Paar verbringt, das selbst in einer Katakombe der Verzweiflung gefangen ist . Der komplett irischsprachige Film ist so poetisch und präzise in der Filmsprache, dass, wie Nach Sonne, Sie haben das Gefühl, den Film nicht nur gesehen, sondern gelebt zu haben.
Ähnlich (aber auch ganz anders), Rot werden , Der Pixar-Film, der aus COVID-Gründen nie ins Kino kam, zeigt Mei, ein 13-jähriges Mädchen, das versucht, ihre verschwindende Kindheit, ihren Platz als chinesische Einwanderin im heutigen Toronto und die durch einen magischen Fluch symbolisierte Generationenangst in Einklang zu bringen das verwandelt sie in einen roten Panda, wenn sie in die Pubertät kommt. Dieser Debütfilm der langjährigen Pixar-Mitarbeiterin Domee Shi ist laut und in Jolly Rancher-Farben gehalten Das stille Mädchen ist zurückgezogen und schleierhaft, aber wie Bairéads Film demonstriert er die einzigartige Fähigkeit des Kinos, unser Innenleben offenzulegen und es vor kindlicher Verwunderung pulsieren zu lassen, unabhängig von der Größe der Leinwand.
Bei Lukas Dhont Nah dran , Der Schmerz und Verlust, den der 13-jährige Léo (Eden Dambrine, in einer weiteren der vielen herausragenden Leistungen in einem bemerkenswerten Jahr für junge Schauspieler) ertragen muss, ist fast zu viel, um es zu ertragen. Was jedoch im Gedächtnis bleibt, ist weniger die gezeigte Qual als vielmehr die Reinheit und Intensität der Liebe der beiden Jungen, die im Mittelpunkt der Geschichte stehen. Von den Fahrradtouren durch die belgische Landschaft bis hin zu den offensichtlichen Raufereien, die voller Bedeutung sind, die von den Kindern selbst nicht vollständig verstanden wird, Dhonts zweiter Film (nach dem umstrittenen von 2018 Mädchen) hat ein angeborenes Gefühl sowohl für den Rhythmus der Kindheit als auch für die vielen Arten, in denen Freundschaften aus dieser Zeit mit einer Kraft schimmern, die Sie Ihr ganzes Leben lang begleitet, auch wenn die Freunde selbst es nicht tun.
In einer Zeit, in der wir uns von einer globalen Pandemie, die unser Leben und unsere Beziehungen verändert und so viele von uns genommen hat, noch nicht annähernd erholt haben oder sogar durchstehen müssen, ist es seltsam passend, dass einer der anderen Filme, die Männerfreundschaften am besten verstanden haben, wie Nah dran, auch direkt mit psychischer Gesundheit konfrontiert.
Warum hat Kate Spade sich umgebracht?
Das Regiedebüt (ja, noch eins) von Komiker Jerrod Carmichael, der auch die Hauptrolle spielt, Bei drei hat eine ungefähr so düstere Prämisse wie jede andere Filmkomödie – es geht um zwei Freunde, die einen Selbstmordpakt versuchen. Dass Carmichael Zärtlichkeit, Liebe und Traurigkeit aus dieser Grube der Hoffnungslosigkeit schöpft, ist ein Beweis für seine Sensibilität als Filmemacher und die meisterhafte Schauspielerei, die er zur Schau stellt. Für mein Geld, Fang-22’ s Christopher Abbott, der Carmichaels Papa Roach-liebenden besten Freund spielt, der seinen Kindheitsmissbrauch mit sich herumschleppt, als wäre er ein Rucksack voller Schwerter, liefert die beste Nebenrolle des Jahres.
Makler , ein südkoreanischer Film des japanischen Meisterfilmers Hirokazu Kore-eda, der ebenfalls eine ungewöhnliche und strotzende Menschlichkeit aus einem schwer zu schluckenden Konzept schöpft. Es geht um einen Besitzer einer Wäscherei ( Parasit ’s Song Kang-ho in einem der resonantsten Filmstar-Turniere des Jahres), der mit einem in einer Kirche ausgesetzten Baby flüchtet und versucht, es auf dem Schwarzmarkt zu verkaufen. Ein Begleitstück zu Kore-edas Film von 2018 Ladendiebe und gefüllt mit dem gleichen ungezwungenen, warmherzigen Humor fügt der Film neue Facetten zu unseren laufenden gesellschaftlichen Gesprächen über Familie, Wahlmöglichkeiten und Klasse hinzu.
Die Schnittmenge von Familie und Identität wird im kambodschanischen-französischen Regisseur Davy Chou durch eine Quartettkrise gefiltert Rückkehr nach Seoul , über eine Französin koreanischer Abstammung, die aus einer Laune heraus – nach einer Nacht voller Soju – beschließt, aufzublicken und zu versuchen, ihre leiblichen Eltern zu kontaktieren.
In einem Jahr, das von atemberaubenden Hauptrollen weiblicher Schauspieler geprägt war – um an der Oberfläche zu kratzen: Cate Blanchett Lagerhaus , Danielle Deadwyler in Zu , Michelle Yeoh rein Alles überall auf einmal , Williams ein Die Fabelmans , Aubrey Plaza in Emily die Verbrecherin – der furchtlose Auftritt des erstmaligen Schauspielers Park Ji-Min Rückkehr nach Seoul Als unbekümmerte verlorene Seele, die zwischen den Welten herumfummelt, wird es wahrscheinlich die Leistung sein, die mir am längsten in Erinnerung bleibt.
Neben seiner Fülle an erstaunlichen Hauptdarstellern von Frauen war dieses Jahr geprägt von der Kreativität und Exzellenz einer Vielzahl von Sachbuch-Filmemachern. Zu den atemberaubenden Dokumentarfilmen dieses Jahres gehörte Shaunak Sen Alles was atmet, Daniel Roher’s Nawalny, Bianca Stigters Drei Minuten: Eine Verlängerung, Sara Dosas Das Feuer der Liebe , Sierra Pettengills Riotsville, USA ., und Reid Davenports Ich habe dich dort nicht gesehen . So beeindruckend diese Liste auch ist, das ist nur ein Bruchteil der herausragenden Dokumente, die allein beim Sundance Film Festival 2022 Premiere hatten.
Margaret Browns Nachfahre spielte auch bei Sundance, wo es einen Sonderpreis der Jury gewann. Trenchant und bewegend, der vierte Spielfilm des aus Mobile Alabama stammenden Brown, hat das Verständnis der letzten zweieinhalb Jahre der Rassenunruhen für alle, die die Gelegenheit hatten, ihn zu sehen, neu gestaltet. Eingerahmt als Suche nach dem Wrack der Klotilde, Ein Schiff, das versklavte Afrikaner zwei Generationen, nachdem Sklaverei als Kapitalverbrechen galt, in die USA brachte, untersucht der Film Widerstandsfähigkeit, Gemeinschaft und die Art und Weise, wie die Sünden unserer Vergangenheit weiterhin alles formen, von unseren Nachbarn bis hin zu der Luft, die wir atmen . (Dass Nachfahre war auch einer der besten Filme über die Umweltkatastrophe, die wir alle zu durchleben versuchen, und zeigt die Tiefe von Browns Leistung.)
Während die Geschichte der Klotilde war für die meisten von uns neu (ich habe zum ersten Mal in einer Folge von PBS 2017 davon gehört Finden Sie Ihre Wurzeln mit dem Oscar-prämierten Dokumentarfilmer Questlove, der einen Vorfahren auf dem Schiff hatte und als Produzent fungierte Nachfahre), Nichts ist vergleichbar erzählt eine Geschichte, von der wir alle dachten, wir wüssten es, taten es aber nicht.
Zusammengesetzt von der irischen Filmemacherin Kathryn Ferguson und ihrem Cutter Mick Mahon, erzählt der Film die fast unfassbare Geschichte von Sinéad O’Connor . Als Kind überlebte die Sängerin die Vernachlässigung und Misshandlung durch ihre Eltern und als Teenager durch die berüchtigten rücksichtslosen Magdalene Laundries der katholischen Kirche, um für kurze Zeit der größte Popstar der Welt zu werden. Als sie vor einem ganzen Jahrzehnt ihre Plattform nutzte, um auf die Misshandlungen der Kirche gegen Kinder aufmerksam zu machen Der Boston Globe diese tragischen Verbrechen der Welt bloßstellte, wurde sie zu einer geächteten Paria. Als Gen-Xer, der den Skandal in Echtzeit beobachtete und nichts dagegen sagte, erfüllte mich Fergusons Film mit einem epischen Gefühl der Reue, das sich später in einen Aufruf zum Handeln verwandelte.
Die Behauptungen, dass sich das Kino, wie wir es kennen, in seinem letzten Todeskampf befinde, verschärften sich in diesem Jahr und spiegelten einen Alarm wider, der mit der Streaming-Revolution begann und während der Pandemie noch lauter wurde. (Filmhistoriker wissen sehr wohl, dass Experten schon kurz nach der Erfindung des Mediums über den bevorstehenden Niedergang des Films schreien.)
Wie viel Prozent der Kolonisten haben in der amerikanischen Revolution gekämpft?
Dies wurde zu einer so dominanten Erzählung in filmzentrierten Gesprächen, dass es auffallend spannende, aber thematisch anämische Rückblicke gibt Top-Gun: Maverick und ein paar Marvel-Filme wurden zu mehr als nur unterhaltsamen Wegen, um einen Samstagabend zu beenden; sie wurden als Retter einer Industrie deputiert.
In Wirklichkeit war dies ein wegweisendes Jahr für das Spektakelkino, aber es war Tom Cruise nicht zu verdanken. Doktor Seltsam , oder der Rest ihresgleichen. Für einmal und hoffentlich für immer wurden die Werkzeuge der CGI-Schauspiele, die die letzten zwei Jahrzehnte unseres Kinolebens dominierten, unseren Unternehmensoberherren entrissen und werden endlich von Filmemachern eingesetzt, die in Gerechtigkeit investiert haben und die darauf aus sind, mehr zu tun, als nur den Hintern der Aktionäre zu mästen Linien.
Wir haben dies mit deprimierender Wahrhaftigkeit in erlebt Im Westen nichts Neues , Edward Bergers monumentale Antikriegschronik über das Leben eines Soldaten aus dem Ersten Weltkrieg. Aber wir haben auch gesehen, wie es sich in den beiden besten historischen Fantasien des Jahres mit tiefgründiger, hinreißender und weit weniger entmutigender Wirkung abspielte: S. S. Rajamoulis Epos in Telugu-Sprache RRR und Gina Prince-Bythewoods Der Frauenkönig , zusammengestellt von seinem faszinierenden Star und Produzentin Viola Davis.
RRR ist eine antikoloniale Fabel über die sich überschneidenden Rache- und Sturzmissionen eines Stammesführers und eines Polizisten, gespielt von den indischen Superstars N. T. Rama Rao Jr. bzw. Ram Charan. Mit einem atemberaubenden Versatzstück nach dem anderen, RRR ist eine nachdrücklich übertriebene Erinnerung an die Macht der Mythenbildung, der Freundschaft und vielleicht am einprägsamsten des Tanzes. Es auf der weltgrößten IMAX-Leinwand im Chinese Theatre in Hollywood zur Eröffnung des Beyond Fest zu sehen und inmitten einer ausverkauften Menge zu sitzen – von denen viele während des Abspanns „Naatu Naatu“ tanzten – war das denkwürdigste Filmerlebnis für mich Leben.
Wut und Schmerz hallten in ihm wider RRR 's fröhliche und triumphale Nase, aber es ist direkt an der Oberfläche von Der Frauenkönig, das ist ein wütendes, kehliges Jaulen eines Actionfilms. Wer auch immer sich vorgestellt hat, dass ein Estrich gegen Kolonialismus, Sklaverei und Frauenfeindlichkeit – deren Auswirkungen sowohl unsere Geschichte als auch unsere Leinwandphantasien zu sehr durchdrungen haben – so reichlich in den Arsch treten könnte.
Wenn Im Westen nichts Neues war der fatalistischste der großen Filme dieses Jahres, der journalistische Prozedere Sie sagte , unter der Regie der deutschen Schauspielerin und heutigen Regisseurin Maria Schrader und geschrieben von der britischen Dramatikerin Rebecca Lenkiewicz, war am optimistischsten. Es bewies, dass mit Präzision, unerbittlichem Eifer und der Unterstützung einer beeindruckenden Institution selbst die tief verwurzelten und teuflisch bösen Dämonen getötet werden können.
Schraders Film, zusammen mit Nach Sonne und Die Fabelmans, hat bei mir von allen Filmen in diesem Jahr die stärksten emotionalen Reaktionen ausgelöst. Nachdem ich diese straffe Erzählung der Ermittlungen beendet hatte Die New York Times Reporterinnen Megan Twohey und Jodi Kantor (mit tapferer Zurückhaltung gespielt von Carey Mulligan und Zoe Kazan) über das sexuelle Fehlverhalten des Filmproduzenten Harvey Weinstein weinte ich gute 10 Minuten lang.
Ein Teil davon war, dass ich arbeitete Vielfalt im Jahr 2000 als Reporter in ihrem New Yorker Büro. Unter anderem habe ich über Miramax berichtet – das in Tribeca ansässige Studio, das Weinstein betrieb und mit seinem Bruder gegründet hatte – und war ein regelmäßiges Ziel der Tiraden von Weinstein und seinen Untergebenen.
Ich wusste nicht, dass er ein Sexualstraftäter war, und wenn meine Kollegen es wussten, haben sie es nicht geteilt. Aber wir waren uns alle bewusst, dass sein Mobbing regelmäßig mit positiven Geschichten belohnt wurde, und dass er sogar einen kleinen Teil zur Schönfärberei seines Rufs beigetragen hatte streng für die Geschäfte in jenen Tagen ist eindringlich.
doppeltes überleben tod von alex
Dies ist auch einer der vielen Gründe, warum der Mut, den Twohey und Kantors Quellen gezeigt haben – einschließlich der ehemaligen Miramax-Mitarbeiterin Laura Madden, wunderschön gespielt von Jennifer Ehle – so bewegend war. Über eine Gelegenheit zur melancholischen Reflexion hinaus, Sie sagte , wie alle herausragenden Filme des Jahres 2022, dient als Hoffnungsträger in diesen Zeiten, die weiterhin dunkler sind, als wir es uns wünschen würden.
Diese Filme fordern nicht nur, dass wir besser vorankommen, sie geben uns eine Blaupause dafür, wie wir es tun können.
Beobachter-Rezensionen sind regelmäßige Einschätzungen zu neuem und bemerkenswertem Kino.
