Für mich der Höhepunkt des posthumen „ Alice Shaddle : Fuller Circles“-Ausstellung im Hyde Park Art Center in Chicago war keines der (atemberaubenden) größeren Werke. Es waren die Postkarten. Die Kuratoren legten eine Auswahl von Shaddles witzigen, bizarren Collagenkarten bei. Auf einer der Karten sitzt eine Frau in einem roten gepunkteten Bikini mit Shaddles Gesicht auf einem Sockel in einer Glühbirne; Auf dem Sockel befindet sich ein Banner mit der Aufschrift „Tunesien“. In einem anderen steht ein gekleideter Mönch mit Shaddles Gesicht in einer verschneiten Berglandschaft. In der Ecke, so gut integriert, dass man es auf den ersten Blick übersieht, späht eine Katze hinter etwas hervor, das ein Hügel oder eine Blume sein könnte.
Ich bin ... über den Weg gelaufen Charlie Baum , Shaddles Sohn, bei der Ausstellungseröffnung, und er erzählte mir, dass seine Mutter zwischen 1992 und 2008 4.000 dieser Karten angefertigt habe – manchmal sogar bis zu sechs pro Tag. Eigentlich waren sie nicht dazu gedacht, ausgestellt zu werden, sondern um Freunde und Familie zu unterhalten. Allein ihren Enkelkindern schickte sie jede Woche bis zu drei Exemplare. Es waren kleine, private Kunstgeschenke, in die sie sich – wie ein Augenzwinkern, eine Unterschrift oder ein Geheimnis – einbettete.
Die Postkarten liegen irgendwo zwischen Kunst und Handwerk oder zwischen Kunst für alle und einem Projekt für die Liebsten. Als solche bringen sie Shaddles langjährige Faszination für die öffentlichen und privaten Dimensionen der Kunst gut zum Ausdruck und wie diese Kategorien die Kreativität und das Kunstschaffen von Frauen sowohl eingeschränkt als auch inspiriert haben.
Es ist wichtig anzumerken, dass Shaddle nicht nur Postkarten für Freunde gemacht hat. Im Gegenteil: Sie war jahrzehntelang eine Schlüsselfigur der Chicagoer Kunstszene. In den 60er und 70er Jahren stellte sie häufig aus; Außerdem unterrichtete sie mehr als 50 Jahre lang am Hyde Park Art Center. Shaddle war Gründungsmitglied von Artemisia, der wegweisenden feministischen Galerie in Chicago, die von 1973 bis 2002 betrieben wurde. Von 1954 bis 1970 war sie mit ihr verheiratet Don Baum , ein Künstler und Kurator an der Spitze der Hairy Who- und Imagist-Bewegungen in Chicago.
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Jeremy Lybarger bei Kunst in Amerika argumentiert dass Shaddles Arbeit durch Baums Bekanntheit in den Schatten gestellt wurde. Der Sohn des Paares stand dieser Erzählung jedoch skeptisch gegenüber; Er erzählte mir, dass seine Mutter in den 70er Jahren tatsächlich eine gefeiertere Persönlichkeit war als ihr Ehemann. In jedem Fall unterscheidet sich Shaddles Werk stark von der farbenfrohen Comic-Plakatkunst von Hairy Who, die den Schwerpunkt auf psychedelische Oberflächen und überschwängliche Amateurhaftigkeit legt. Shaddles Kreationen sind in den unterschiedlichsten Formen meist vielschichtig und strukturiert, wobei Geheimnisse und Wunder in Nischen und Ecken lauern.
Ein markantes Beispiel ist Geburtstagskuchen , ein hybrides Gemälde/Skulptur aus dem Jahr 1964, das im Eingangsbereich der Ausstellung steht. Shaddle baute mit Latex versteifte Papierschichten auf, um ein wirbelndes Design zu schaffen, aus dem ein köstlicher, gefrosteter Kuchen hervorgeht, von dem ein Stück ausgeschnitten ist. Auf dem Stück ist eine Krippenszene zu sehen, aber die Schichten des Kuchens zeigen, was Shaddle in einer Künstleraussage sagte, es seien „fleischliche Szenen, wie aus dem Hades, eine Warnung vor Völlerei“. Über der Torte schwebt ein Gesicht, in den Details scheinen andere Formen und Figuren verborgen zu sein. Es ist ein Augenschmaus, und die Warnung vor Gier scheint als ironischer Ansporn für eine schamlose Augenweide gedacht zu sein.
In vielen anderen Werken von Shaddle herrscht ein ähnliches Gefühl der Überwältigung durch die Fülle an Informationen. Die Ausstellung umfasst mehrere Papierskulpturen, die aus kleinen offenen Kisten überlaufen oder herausplatzen.
In einem Werk ohne Titel erhebt sich ein Schädel aus einem Hintergrund aus Blättern, wie ein kleines Geschenkpaket des Todes. „Ich habe Studien über das Gesicht angefertigt, wie es sich mit dem Alter, mit Emotionen und mit der Wortbildung verändert“, schrieb Shaddle 1971 über die Serie. „Klänge wandern durch Blätter, und die Blätter der Jahreszeit werden zu einem Flüstern.“ umgebendes Thema.“
Shaddle schuf auch großformatige Collagengemälde wie das Jahr 2000 Jungfrau und ihr Pferd , eine 30×40-Zoll-Szene aus Wäldern und Wäldern. Wenn man genau hinschaut, sind in den Blättern Bilder und Gesichter versteckt. Als ich in der Galerie war, kicherten ein paar Kinder entzückt und zeigten auf einen unheilvollen Schlangenkopf, der wie ein Wo ist Waldo in einer Ecke des Rahmens verborgen war.
Shaddles Arbeit umfasst und bezieht sich auf Kunst außerhalb der Galerie – Puzzles, handgemachte Geschenke, Postkarten, Tapeten. In ihrer Installation von 1984 erinnert sie an Teppiche oder bezieht sich auf diese. Mondschatten , das sechsunddreißig ausgeschnittene, blattähnliche Formen aus Papier zeigte, die über den Boden der Artemisia-Galerie verteilt waren. (Einige Elemente der Ausstellung sind in der aktuellen Ausstellung enthalten)
Diese Verwischung der Grenzen zwischen dekorativer und bildender Kunst steht im Einklang mit einem frühen Spendenbrief für Artemisia, der wahrscheinlich von Shaddle verfasst wurde. Darin wird erklärt, wozu sich die Galerie verpflichtet „Erweitern Sie das Konzept der von Frauen geschaffenen Kunst und beziehen Sie Themen wie chinesische Stickereien, französische Schneiderkunst des 19. Jahrhunderts und primitive Körperdekoration ein …“ Frauenkunst wurde oft verborgen oder vergessen, wie etwa Artemisia Gentileschi aus dem 17 Th Jahrhundertkünstlerin, nach der die Artemisia-Galerie benannt wurde, deren Werke „oft anderen Künstlern zugeschrieben“ wurden und die daher „vernachlässigt und ihr Name vergessen“ wurde.
In diesem Zusammenhang ist es auch bedeutsam, dass die Postkarten auf Shaddles rundem Holztisch aus dem Frank Lloyd Wright George Blossom House ausgestellt sind, in dem sie ein halbes Jahrhundert lang lebte. Ein großer Teil ihrer Kunst wurde von den Merkmalen und der Einrichtung des Gebäudes inspiriert und sie schuf Kunstwerke speziell für diesen Raum. („Sie sehen die Form der Architektur … Ich versuche, alles in die bestehende Struktur einzubinden“, sagte sie.) Eine Ausstellung von Shaddles Arbeiten ist also in gewisser Weise immer eine Ausstellung ihres Zuhauses. Ihre Kunst verwandelt private Räume in öffentliche oder umgekehrt.
In den letzten Jahrzehnten war Shaddles Ruf leider eher privat als öffentlich. Wie Lyberger anmerkt, geriet sie in den letzten Jahrzehnten in Vergessenheit, obwohl sie jahrelang bekannt war und häufig ausgestellt wurde. Sie war 1996 nicht in der MCA-Ausstellung „Art in Chicago: 1945-1995“ vertreten und wurde in einer einzigen Fußnote im Buch erwähnt Kunst in Chicago: Eine Geschichte vom Feuer bis heute .
Das Kuratorenteam von Kain Baum , Charles Baum , Dana Coutin , Nicholas C. Lowe Und Lisa Stone verdienen große Anerkennung dafür, dass sie Shaddle wieder ins Rampenlicht gerückt haben. Aber ihre – hoffentlich vorübergehende – Dunkelheit scheint auch mit ihrer Kunst und ihrem feministischen Engagement im Einklang zu stehen. Kunst findet für Shaddle nicht nur in ausgewiesenen Museen oder Galerien statt, die traditionell männlichen Künstlern vorbehalten waren. Das Schaffen von Kunst fand in häuslichen und nichtöffentlichen Umgebungen statt und konnte sogar dort gezeigt werden – beim Wohndesign, beim Kartenmachen am Tisch oder bei visuellen Rätseln, die für alle Altersgruppen eine Freude sind. Ein Teil der Freude an „Alice Shaddle: Fuller Circles“ liegt darin, dass es sich wie ein privates Schreiben anfühlt. Du öffnest es und da ist ihr Gesicht, das sich in Glühbirnen und Berghütten und überall, wo du hingehst, wiederholt und die Welt in Kunst verwandelt, die Alice nur für dich gemacht hat.
„ Alice Shaddle: Vollere Kreise „ist bis zum 16. Juni im Hyde Park Art Center in Chicago zu sehen.
