Ein minimalistisches, aber erschreckendes Finale von „Don Giovanni“Richard Termine Eine anhaltende Kontroverse in der heutigen Opernproduktion ist die Frage nach den Intentionen des Schöpfers, dh wie ein Komponist sein Werk erwartet haben könnte, auf der Bühne zu wirken und zu klingen.
Welchen Stimmtyp hatte Bizet zum Beispiel für die Titelrolle von Carmen , Sopran oder Mezzo? Wie viel Improvisation über die geschriebenen Notizen hätte Bellini in seinem . erwartet? Regel ? Und hätte Wagner seine erkannt? Parsifal unter einer Autobahnüberführung im postapokalyptischen Amerika?
Die Tatsache, dass diese Debatten größtenteils auf Vermutungen basieren, schreckt die Antagonisten nicht ab. Tatsächlich gibt es sogar eine Facebook-Gruppe, die sich gegen sogenannte moderne Opernproduktionen ausspricht, und natürlich eine andere Gruppe dafür. Ein Thema wird jedoch nicht so oft angesprochen: die tatsächliche Größe des Theaters, in dem die Oper aufgeführt wird.
Die Metropolitan Opera zum Beispiel ist mit ihren rund 3.800 Sitzplätzen ein weitaus größerer Raum, als es sich die größten Opernkomponisten vorgestellt hätten. Und doch spielt die Met Werke wie Mozarts Don Giovanni , ein intimes Stück, das 1787 im Prager Ständetheater mit einer Kapazität von etwa 650 Personen uraufgeführt wurde – ungefähr der der kleinsten Broadway-Häuser New Yorks.
Also die Chance zu sehen Don Giovanni in einem Theater, das näher an der Größe der Ländereien liegt, verleiht nicht nur einen Hauch von Authentizität, sondern kann, wie Mostly Mozarts Präsentation der Oper in der vergangenen Woche zeigte, aufschlussreich sein. Unter der Leitung und Regie von Iván Fischer erreichte diese Produktion im Rose Theatre at Jazz at Lincoln Center (1.100 Plätze) ein leichtes Big-House-Feeling, das Mozart-Opern fast nie erreichen.
Das visuelle Element dieser Inszenierung war die Einfachheit selbst: Eine Leere schwarzer Vorhänge umgab ein paar Bühnenpodeste. In diesem neutralen Raum schlug ein in Marmorweiß geschminktes Korps von Sängern und Tänzern sowohl Architektur als auch Hintergrund-Extras vor. In einem besonders reizvollen Moment stand ein Gewirr betrunkener Bauernmädchen anmutig da und arrangierte sich zu einem Pavillon, hinter dem sich die nervöse Braut Zerlina verstecken konnte.
Der Fokus lag natürlich auf den Solosängern, die meist einfühlsam und detailreich darboten. Das Beste von allem war Christopher Maltman, sein klarer lyrischer Bariton klang sowohl souverän als auch quecklig und passte perfekt zu seinem eleganten Bühnenauftritt. Der Sopranistin Laura Aikin als der geschändeten Donna Anna fehlte zwar die ultimative stählerne Kraft, aber sie verfügte über punktgenaue Virtuosität für die teuflisch schwierige Arie Non mi dir im zweiten Akt.
Wenn die übrigen Sänger nicht gerade sternenklar waren, bildeten sie ein enges, energiegeladenes Ensemble. Und während das Spiel des Budapest Festival Orchestra nicht buchstäblich das war, was Mozart gewollt hätte – der Komponist des 18.
