Van Patten und Strong in „The Great God Pan.“ (Mit freundlicher Genehmigung von Joan Marcus) Es wäre übertrieben zu sagen, dass Amy Herzog das ideale zeitgenössische amerikanische Drama geschrieben hat. Aber was auch immer das Ideal ist, es muss sehr ähnlich aussehen Der große Gott Pan , Frau Herzogs neuestes bemerkenswertes Stück, das gestern Abend bei Playwrights Horizons uraufgeführt wurde.
Regie Carolyn Cantor, Der große Gott Pan ist provokant und subtil, langsam, behutsam aufschlussreich und süß bewegend. Es ist schön gespielt, knackig, effizient inszeniert, zum Nachdenken anregend, lustig und aufschlussreich. Das Beste daran ist, dass es nur 80 Minuten lang ist. (Unterschätzen Sie nicht die Anziehungskraft auf einen Rezensenten eines kurzen Theaterstücks am Ende eines langen Herbstes.)
Ihr Protagonist ist Jamie (ein exzellenter Jeremy Strong, mit Wunden hinter seiner Gewissheit), ein durchaus erkennbarer Typ: ein dunkelhaariger 32-jähriger Brooklyner in einem ordentlich karierten Hemd, ein talentierter Journalist in einem mittelmäßigen, leistungsfreien Job. Er lebt mit seiner wunderschönen, blonden Freundin Paige (Sarah Goldberg) zusammen, ist aber noch nicht mit ihr verlobt, eine ehemalige Tänzerin, die sich jetzt in der Ausbildung zur Therapeutin befindet. Alles scheint in seinem Leben in Ordnung zu sein, aber auch alles scheint ein bisschen ins Stocken geraten. Zu Beginn des Spiels erfahren wir, dass Paige ungewollt schwanger geworden ist. Jamie, besorgt um ihre Beziehung und um das Leben, begrüßt diese Nachricht nicht freudig.
Als das Stück beginnt, trinkt Jamie Kaffee mit Frank (Keith Nobbs), einem tätowierten und gepiercten Jugendfreund. Es ist ein unangenehmes Gespräch: Die beiden Männer, die sich als Jungen nahe standen, haben jetzt nichts mehr gemeinsam. Frank hat sich mit Neuigkeiten an Jamie gewandt: Er erhebt Anklage gegen seinen eigenen Vater wegen Kindesmissbrauchs. Er glaubt, dass sein Vater auch Jamie belästigt hat.
Die beiden vorherigen Stücke von Frau Herzog basierten auf ihrer eigenen linken jüdischen Familie. Nach der Revolution , ebenfalls bei Playwrights, konzentrierte sich auf eine jüngere Generation, die versucht, einer viel älteren einen Sinn zu geben; im 4000 Meilen , im Lincoln Center Theater, diese ältere Generation gab einer verlorenen jüngeren Stabilität. Im Der große Gott Pan , die sich weiter von der Familie Herzog entfernt, betrachtet sie eine stagnierende Generation, die versucht, nicht unbedingt erfolgreich, in die vollen Insignien des Erwachsenseins zu kommen – Ehe, Kinder, beruflicher Erfolg – und überlegt, ob wir (ja, wir: es ist meine Generation , und Frau Herzog) werden durch unsere Kindheit gehindert oder benutzen unsere Kindheit als Entschuldigung dafür, dass wir gehindert werden.
Jamie weigert sich zu glauben, dass Franks Offenbarung definitiv wahr ist, weigert sich aber auch zu glauben, dass es nicht sein könnte. Während der Reporter seine eigene Vergangenheit untersucht – im Gespräch mit seinen Eltern (Becky Ann Baker als Cathy, seiner unerwartet zuversichtlichen Mutter, und Peter Friedman als Doug, seinem Yoga- und Fleece-Vater), besucht er den Babysitter, den er einst mit Frank teilte, Polly ( eine drollige Joyce Van Patten), die Babysitterin, die er einst mit Frank teilte, im Pflegeheim, in dem sie jetzt lebt, und die Dinge in immer angespannteren Gesprächen mit Paige-Ms. Herzog lässt viel Raum für Zweifel. Einige aufgedeckte Fakten stützen Franks Anklage, andere stellen sie in Frage, viele unterstreichen die Unzuverlässigkeit von Erinnerungen.
Ich bin mir nicht einmal sicher, ob etwas passiert ist, sagt Jamie zu Paige, als sich das Stück seinem Höhepunkt nähert. Du darfst nicht mein ganzes Leben, mich, in Bezug darauf setzen – das kannst du nicht. Wir bekommen nie eine sichere Antwort darauf, was passiert ist oder nicht, aber wir sehen Jamie, sich zu einem Verständnis dafür zu entwickeln, wie man jetzt mit den Dingen umgeht. Die Vergangenheit, was auch immer sie ist, wird immer da sein, aber die Gegenwart braucht seine Aufmerksamkeit.
Melissa James Gibsons Was reimt sich auf Amerika , bei der Atlantic Theatre Company, bietet keinen ähnlichen Auftrieb. Es ist eine wunderschön geschriebene, elegant inszenierte, zutiefst melancholische Komödie über Beziehungen, Entfremdung, Einsamkeit und Traurigkeit.
Seine vier Charaktere – Hank (Chris Bauer), ein gescheiterter akademischer Ökonom, der immer noch in die Frau verliebt ist, die sich von ihm scheiden lässt und verzweifelt versucht, eine Verbindung zu seiner Tochter im Teenageralter zu retten; Marlene (eine wunderbar scharfe Aimee Carrero), diese kluge und zynische 16-Jährige; Sheryl (die göttliche Da'Vine Joy Randolph), Hanks Vertraute, eine aufstrebende Schauspielerin, die in einem Opernchor feststeckt; und Lydia (Seana Kofoed), die Jungfrau mittleren Alters, mit der Hank ein schreckliches Date hat – sind verloren und allein, unzufrieden mit ihrem Leben, unzufrieden mit ihren Möglichkeiten, unfähig, sie zu verbessern. Dinge zu wollen verursacht Schmerzen, erzählt Sheryl Hank während einer Zigarettenpause auf der Laderampe der Oper, nachdem sie ein großes Vorsprechen gemacht hat. Was nur die Lösung bietet, gar nichts zu wollen.
Ms. Gibsons Schreiben ist absolut fesselnd – phantasievoll, oft sehr witzig und voller unerwartet weiser Epigramme. Die Inszenierung von Daniel Aukin ist wie das Stück lieblich, karg und kunstvoll indirekt. Mit ein paar Versatzstücken auf einer offenen Bühne (entworfen von Laura Jellinek) kann Herr Aukin mit schnellen Wechseln der sehr cleveren und effektiven Beleuchtung (entworfen von Matt Frey) unterschiedliche und manchmal überlappende Szenen schaffen. Sheryl führt Hank in das Konzept des Enjambments ein, ein Gedanke oder ein Satz, der in der nächsten Zeile oder Szene fortgesetzt wird, und Was reimt sich auf Amerika ist voll davon, sowohl im Drehbuch als auch in der Inszenierung.
Und natürlich im Leben seiner Charaktere, die sich überschneiden, ohne jemals Früchte zu tragen. In einem berührenden, aber niedergeschlagenen Stück ist es ein wohlklingender Begriff und eine deprimierende Realität.
Wie löst du ein Problem wie Pacino?
Al Pacino, der Oscar-, Tony- und Emmy-prämierte Filmstar, ist einer der großen Filmschauspieler seiner Generation und ein sicherer Anziehungspunkt an den Kinokassen, wenn er sich würdigt, am Broadway aufzutreten. Er ist auch häufig eine Karikatur seiner selbst, eine Sammlung seiner Tics, eine Parodie auf seine Oscar-prämierte Leistung in Duft einer Frau . Manchmal, wie in der jüngsten Ausgabe des Public Theatre Das Kaufmann von Venedig , wird er eine bewegende Performance abliefern. Häufiger, wie bei der Wiederbelebung von Glengarry Glen Ross spielt jetzt im Gerald Schönfeld Theater oder in den immer allgegenwärtigen Trailern für Steht auf Jungs , er wird nur mehr davon bieten: hervortretende Augen, zuckende Finger, Grunzen, unvermeidliches Schreien. Wo Michael Corleone zurückhaltend und kontrolliert war, schimpft der heutige Al Pacino nur.
Das macht seine Leistung nicht in Glengarry , David Mamets mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetes Meisterwerk über verzweifelte Immobilienverkäufer, die nicht anzuschauen sind. Aber es macht seine Shelly Levene – die einst großartige, jetzt umschlagende Verkaufslegende, die im Laufe des Stücks auseinanderfällt – zu einem weiteren Pacino-Schreier, nicht zu einem einzigartigen, emotional mitreißenden Charakter. Tatsächlich ist diese hübsche Produktion unter der Regie von Daniel Sullivan (der auch Mr. Pacino incino Händler ), wird nie so fesselnd wie es sollte.
Bobby Cannavale, der sich in den letzten Spielzeiten von einem bekannten Sitcom-Spieler zu einem dynamischen und intensiven Bühnenstar entwickelt hat, bringt seine fokussierte Prahlerei in die Rolle von Ricky Roma, dem auffälligen, erfolgreichen jungen Verkäufer, gespielt von Mr. Pacino in der Filmversion von 1992. John C. McGinley ist als Büro-Hitzkopf Dave Moss intensiv und urkomisch, und Richard Schiff ist als der Milquetoast George Aaronow nebisch neurotisch. Auch David Harbour als intrigierender Büroleiter, Jeremy Shamos als reuevoller Käufer und Murphy Guyer als Polizist, der den Büroeinbruch untersucht, geben gute Leistungen ab.
Aber bei all dem Talent passt es nicht ganz zusammen. Mr. Mamets Dialog, insbesondere in diesem echt-Mamet-Werk, sollte sich in eine schmutzige Stakkato-Poesie verwandeln. Es tut es nicht. Der Zusammenbruch von Levene sollte verheerend sein. Es ist nicht. Das Stück handelt vom Tod einer bestimmten Art von knallharter, spielfreudiger, rein amerikanischer Männlichkeit. Stattdessen ist es ein Nostalgiestück des Mamet, das einst war. Es macht Spaß zuzusehen, aber es ist nicht authentisch.
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